Андрей Ребров
Андрей Ребров

Родился в 1967 году.

В 1989 г. окончил Театральный художественный колледж по специальности «Художник по свету».

Занимается световым дизайном театральных, концертных, выставочных площадей (спектакли театра «Сатирикон», открытие кафе «Джельсомино» в Москве, оформление арткафе M’ARS и др.).


Работы в театре

Работы в РАМТ:

"Леля и Минька", "Демократия", "Кролик Эдвард".


Театр им. Ермоловой:

"Счастливчики"


Театр "Сатирикон":

"Великолепный рогоносец (тот, кого она любит)", "Дурочка", "Лев зимой".


Театр на Малой Бронной:

"Аркадия", "Тартюф", "Коломба, или марш на сцену!", "Ревизор", "Принц Каспиан", "Васса", "Киномания. Band", "Варшавская мелодия", "Сирано де Бержерак".

Участие в спектаклях


ОТЗЫВЫ

Аркадия

28 февраля 2017
Когда давно я посмотрел этот спектакль и то ли по своей наивности, то ли по своей глупости,подумал, что она, героиня Вера Бабичева, и есть Аркадия и спектакль про нее!!! Прошло немало лет, я посмотрел сотни, если не тысячи спектаклей и теперь понимаю, это была не глу... [ развернуть ]

Когда давно я посмотрел этот спектакль и то ли по своей наивности, то ли по своей глупости,подумал, что она, героиня Вера Бабичева, и есть Аркадия и спектакль про нее!!! Прошло немало лет, я посмотрел сотни, если не тысячи спектаклей и теперь понимаю, это была не глупость и не наивность, а настоящая сила искусства, выраженная этой блистательной актрисой и запечатленная в образе Ханны Джарвис!!! Это спектакль я посмотрел уже не один раз и он остается моим самым любимым спектаклем!!! Ибо в нем содержится и каждый раз по-новому раскрывается вся сила театра, его магия и чарующая красота!!! 

 

Евгений Шиньев

[ свернуть ]


Козырев Василий Глебович

27 февраля 2017
Смотрел 26 февраля 2017 года. Спектакль очень понравился. Оригинальное оформление сцены: декорации, свет, звук. Очень хорошо актёры сыграли свои роли (на высшем уровне). Советую посмотреть этот спектакль. Даю спектаклю 5 балов из 5. Больше таких превосходных и велико... [ развернуть ]

Смотрел 26 февраля 2017 года. Спектакль очень понравился. Оригинальное оформление сцены: декорации, свет, звук. Очень хорошо актёры сыграли свои роли (на высшем уровне). Советую посмотреть этот спектакль. Даю спектаклю 5 балов из 5. Больше таких превосходных и великолепных спектаклей.

[ свернуть ]


Наталья. М

30 января 2017
Великолепный спектакль . Смотрели и " Принц Каспиан " и "Тайна старого шкафа", очень довольны, получили удовольствие не только дети , но и взрослые . Просто супер . Спасибо .

Великолепный спектакль . Смотрели и " Принц Каспиан " и "Тайна старого шкафа", очень довольны, получили удовольствие не только дети , но и взрослые . Просто супер . Спасибо .

[ свернуть ]


Фесенко Татьяна Вадимовна

18 января 2017
Смотрела "Тартюф". Давно хотела попасть на этот спектакль.И вот в декабре купила билет на январь.Хотя я пенсионерка, билет я купила заранее в кассе.Неприветливая кассирша мне предложила место в последнем ряду бельэтажа, неудобное . Кроме того в зале нет вентиляции. О... [ развернуть ]

Смотрела "Тартюф". Давно хотела попасть на этот спектакль.И вот в декабре купила билет на январь.Хотя я пенсионерка, билет я купила заранее в кассе.Неприветливая кассирша мне предложила место в последнем ряду бельэтажа, неудобное . Кроме того в зале нет вентиляции. Очень душно.Весь спектакль я вертелась вытягивала шею, чтобы расслышать слова актеров (все-таки послушать было что - играли Мольера).Теперь о событии: игра актеров А. Стекловой, А.Самойленкл потрясла. А неподоажаемый Виктор Сухоруков в роли одноименного героя - просто запределен. Браво ему!!!

[ свернуть ]


Василий

24 декабря 2016
Прекрасный состав и игра!!! Очень доволен, рекомендую ! Спасибо театру и актёрам .

Прекрасный состав и игра!!! Очень доволен, рекомендую ! Спасибо театру и актёрам .

[ свернуть ]


Наталья Т

18 декабря 2016
Ходили с дочкой 7 лет. Девочке понравилось очень, смотрела затаив дыхание. Так горели глаза, спасибо огромное артистам за этот праздник.

Ходили с дочкой 7 лет. Девочке понравилось очень, смотрела затаив дыхание. Так горели глаза, спасибо огромное артистам за этот праздник.

[ свернуть ]


Пахомова Лариса

11 ноября 2016
На мой взгляд - спектакль затянут, герои какие-то ненастоящие, как будто с другой планеты. Непонятно, что было с ними до этой встречи. По репликам героини понимаешь, что в её жизни была какая-то драма, ждешь откровения, но напрасно. Герой был на фронте, но в это не в... [ развернуть ]

На мой взгляд - спектакль затянут, герои какие-то ненастоящие, как будто с другой планеты. Непонятно, что было с ними до этой встречи. По репликам героини понимаешь, что в её жизни была какая-то драма, ждешь откровения, но напрасно. Герой был на фронте, но в это не верится, слишком он прекраснодушный, не похож на человека, который видел смерть. Такое впечатление, что автор сочинил пьесу только для того, чтобы блеснуть своим остроумием. Но актеры играли неплохо, особенно Пересильд, польский язык звучал очаровательно. Страхова часто было не очень хорошо слышно и фразы произносил частенько не совсем разборчиво.

[ свернуть ]


Черенкова Татьяна

2 ноября 2016
Были на спектакле с сыном, ему 20. Нам очень понравилась игра актеров, интересные костюмы. Сын заодно освежил математику: 2 закон термодинамики, ряды фурье...

Были на спектакле с сыном, ему 20. Нам очень понравилась игра актеров, интересные костюмы. Сын заодно освежил математику: 2 закон термодинамики, ряды фурье...

[ свернуть ]


Динара Шарафдинова

18 октября 2016
«Какое дивное послевкусие!» Спектаклю «Варшавская мелодия» в театре на Малой Бронной почти 7 лет. За это время спектакль приобрел много поклонников, растрогал сотни людей до слез, вызвал восхищение и недоверие среди критиков. Каждый раз после очередного состоявшегося... [ развернуть ]

«Какое дивное послевкусие!» Спектаклю «Варшавская мелодия» в театре на Малой Бронной почти 7 лет. За это время спектакль приобрел много поклонников, растрогал сотни людей до слез, вызвал восхищение и недоверие среди критиков. Каждый раз после очередного состоявшегося спектакля в интернете появляются отзывы зрителей, трогательные фото и видео. Это все складывается, соединяется и получается история развития, успеха спектакля «Варшавская мелодия». Да, в целом успеха, хотя и критика в сторону спектакля есть. Сейчас себе трудно представить, что в далеком 2010 году Даниил и Юлия не были знакомы и познакомились лишь, приступив к репетициям спектакля в театре. Сегодня же, глядя на них в спектакле, а еще больше на поклоне, ты видишь слаженный творческий дуэт и, как мне кажется, дружеский союз. Написать отзыв в этот раз меня сподвигли многочисленные статьи критиков и отзывы зрителей о том, что весь спектакль вытягивает Юлия Пересильд, а Даниила Страхова почти не видно и игра его неубедительна. На этом спектакле всегда аншлаги. Я не считаю, что аншлаги в течение 7 лет могут быть только благодаря одному актеру. Это заслуга всех в совокупности: постановка режиссера, талантливая игра актеров, работа художника, костюмеров. Всё это вместе начинает работать, будто музыкальная шкатулка, которая попадает в руки ребенка. Глаза ребенка загораются, когда он слышит, как играет мелодия. Так же и здесь: глаз зрителя загорается, душа начинает трепетать при первых моментах спектакля. По залу разливается такая нега, когда звучит Шопен, и Гелена и Витек влюбляются друг в друга с первой встречи. Из эмоций зрителей получается целая гамма нот: одна нота – грусть, другая нота – ностальгия, третья – умиление. И так каждая нота… Мне не хочется сейчас лезть в историю и разбирать кто прав, а кто – виноват. А судьи кто? Я не жила в те годы, я не разбираюсь в политике и обвинять Витека или Гелю в том, что они могли поступить иначе – глупо. Дело не в мировой истории и не в истории России и даже не в отношениях Гели и Витека, а дело в творчестве. Леонид Зорин написал прекрасную историю, а Сергей Анатольевич Голомазов талантливо воссоздал это в театре! В свою очередь, Даниил Страхов и Юлия Пересильд наполнили эту постановку своими эмоциями, душой – но так, как задумывалось и чувствовалось ими тремя – режиссером и актерами! Если все же возвращаться к истории отношений Витека и Гели вообще и постараться ее разобрать по полочкам, то для начала я считаю, надо познакомиться с творчеством Леонида Зорина в целом: прочесть пьесу «Варшавская мелодия», не менее талантливую и глубокую прозу «Юдифь», «Габриэлла», «Ядвига и Тамариск», «Роман», «Подруга», «Жена». Всё это я постепенно прочитала после первого просмотра спектакля «Варшавская мелодия» в театре на Малой Бронной. Мне стало интересно! Естественно, я начала с прочтения пьесы «Варшавская мелодия», потом перешла на прозу. Повести и рассказы Леонида Зорина не менее талантливы и содержат глубокую драматургию. Я не литератор, не поэт, книги не пишу и стихи не слагаю, но могу судить как читатель. Если прочесть названия произведений Леонида Зорина, то, как мне кажется, можно проследить закономерность: во многих заголовках на первый план выдвигается женщина («Юдифь», «Габриэлла», «Подруга», «Жена»). Настоятельно советую: почитайте «Юдифь»! Да половина фраз являются перекрестными со смыслом «Варшавской мелодии»: «»Женщина с первого взгляда чувствует, кто ее настоящий хозяин», «Наша любовь была нелегкой, было в ней и нечто больное, но время сдувает все, что наносно, зато и отцеживает все подлинное», «Женщина чувствует запах судьбы. И безошибочно». Леонид Зорин на первый план во многих своих произведениях выдвигал женщину, ее судьбу. К чему я веду? Мне кажется, именно поэтому многим зрителям кажется, что Юлия Пересильд одна вытягивает спектакль. Да нет же! Это заложено в драматургии пьесы – на первый план выходит нелегкая судьба женщины и, как следствие, роль Юлии заметнее роли Даниила. Но никак не из-за отсутствия таланта у актера Даниила Страхова! Даже читая пьесу, мы видим, что самые роковые красивые фразы принадлежат Гелене, предопределяющие смысл истории: «Счастье то, что не выясняют. Его чувствуют кожей», «Я просто думаю, сколько людей живут со мной в одно время. И я их никогда не узнаю. Всегда и всюду границы, границы... Границы времени, границы пространства, границы государств. Границы наших сил. Только наши надежды не имеют границ». Слыша эти фразы из уст Гели уже хочешь расплакаться. Отсюда и кажется, что Юлия более эмоциональна, больше вкладывает себя в постановку. На мой взгляд, «Варшавская мелодия» для многих может стать ключиком к ответам на многие вопросы, касаемые отношений: начиная от знакомства и заканчивая концертом в Москве, можно проследить особенности поведения мужчины и женщины, кто как строит отношения, как реагирует. Конечно, понятно, что приоритеты сместились, люди стали другими, мир стал другой и отношения между людьми теперь выстраиваются иначе, но самое главное и ценное осталось: любовь, уважение, доверие, дружба. Всё это так важно и нужно каждому. Без этих составляющих всё разрушится. В итоге своего повествования хочется рассказать об октябрьской «Варшавской мелодии», которая состоялась 8 октября. То, что будет аншлаг, я не сомневалась ни минуты. Так и вышло – полный зал. Каждый идет на спектакль по разным причинам: понравилось название, посоветовали друзья, прочитал отзывы, сравнить с другой постановкой, почитатели творчества того или иного актера, но итог-то один! Все зрители выходят, благодаря актеров и размышляя о том, что увидел. Зритель есть зритель и о реакции каждого говорить тяжело, а вот об актерах скажу подробнее. В этот раз постановка звучала по-новому. За два с половиной года я посмотрела «Варшавскую мелодию» не раз, но именно 8 октября 2016 года она была иная. Первая мысль, которая возникла в моей голове, когда Даниил и Юлия вышли на поклон, это то, что спектакль будет жить еще долго, так как видно, что актеры любят этот спектакль, он им дорог и отношение их – это их талантливая игра на сцене. В этот раз было всё так тонко, нежно, изящно, будто кончики пальцев легко касаются клавиш пианино и вырисовывается история любви… Даниил Страхов играл с абсолютной концентрацией внимания на своей партнерше, с таким задором, легкостью и нежностью. Юлия была эмоциональная и веселая: смеялась вместе с Даниилом, который сегодня старался смешить свою партнершу, чуть меняя текст. Даниил улыбался в этот раз больше обычного и часто переходил на юмор, что создало еще большую легкость в первом акте, когда мы видим молодых студентов послевоенного времени и их счастливую историю любви. В течение спектакля не возникло ни одного пустого места или белых пятен, ненужных повисших пауз. Все сцены переходили из одной в другую плавно, декорации меняли друг друга, но это было не видно, так как два актера заполнили сцену своей талантливой игрой, эмоциями, обаянием и искренностью. Спектакль получился удивительный, звонкий, легкий, нежный и добрый. После него осталось то самое «дивное послевкусие»! На поклоне невозможно было оторвать взгляд от актеров, которые с искренней улыбкой благодарили и друг друга, и зрителя. Поэтому всем советую посетить спектакль и увидеть всё своими глазами, что оба актера одинаково талантливо воплощают задуманное ими на сцене, а главное – искренне! В ноябре запланировано два спектакля, но, к сожалению, билеты уже проданы. Ну что ж, ждем зимней «Варшавской мелодии»! Всем-всем желаю счастливой второй половинки осени, чтобы соединив её с первой, получилось огромное человеческое счастье!

[ свернуть ]


adelanta

18 октября 2016
Театр удивительный. Расположен в историческом центре, очень уютный, с налетом какой-то старины, а постановки почти все очень совеременные актуальные. Из ближайших постановок запланировала пойти на Варшавскую мелодию. В театре очень интересная традиция - в антракте на... [ развернуть ]

Театр удивительный. Расположен в историческом центре, очень уютный, с налетом какой-то старины, а постановки почти все очень совеременные актуальные. Из ближайших постановок запланировала пойти на Варшавскую мелодию. В театре очень интересная традиция - в антракте на выходе из зала милая дама раскладывает перед тобой афиши и листовки с описание репертуара театра, смотрит на тебя пристально и потом говорит "Мне кажется, вам понравится вот этот спектакль". Мне "выпала" Варшавская мелодия, так что спорить я не стала) Но вернусь к Ревизору. Ревизор - не классический пересказ вечного произведения, а очень смелая трактовка. Дочь Городничего начинает день с хатха-йоги, жена создаёт танец в духе японских самураев, Добчинский с Бобчинским поют песни собственного сочинения. Даниил Страхов органичен в роли Хлестакова, наглядеться на него невозможно. Леонид Каневский шикарен в роли городничего. В остальном потрясающий спектакль на всё ту же веками для нас актуальную тему. - Над кем смеёмся? - Над собой смеёмся. Вспомнилось как в школьные годы нас водили на классическую постановку Ревизора. Мне тогда было немного скучно смотреть, и я думаю, что такой вот нестандартной трактовке я была бы больше рада.

[ свернуть ]


Татьяна Рехина

12 октября 2016
Мои впечатления о "Варшавской мелодии" в Ярославле. Этот спектакль состоялся 17 сентября 2016г на сцене Первого Русского Драматического театра им Федора Волкова. Он проходил в рамках программы XVII Международного Волковского фестиваля. «Варшавскую мелодию» я смотрела... [ развернуть ]

Мои впечатления о "Варшавской мелодии" в Ярославле. Этот спектакль состоялся 17 сентября 2016г на сцене Первого Русского Драматического театра им Федора Волкова. Он проходил в рамках программы XVII Международного Волковского фестиваля. «Варшавскую мелодию» я смотрела несколько раз в ее родном театре на Малой Бронной. Увидеть эту постановку на другой сцене, лично мне было очень интересно. Во первых, зрительный зал Ярославского театра намного больше, чем зал в театре на МБ. Во вторых , встал вопрос, как обыграют откидное место в первом ряду, куда должен сесть Виктор, выходя в зал. Ибо, в Ярославском театре нет откидных сидений. Ну, и в третьих, было интересно посмотреть, как актеры адаптируются к новой сцене. В театре было море людей, и это очень радовало. В фойе второго этажа, настраивая зрителей на нужный лад, звучала живая музыка… После второго звонка зрительный зал был полностью заполнен. В проходе между партером и правой стороной я увидела расставленные стулья. Вот оно решение! Значит, Виктор пойдет именно сюда. Начало спектакля… На что я обратила внимание : центр сценической картинки был немного смещен вправо, ну и конечно, были некоторые отличия в свете и звуке. Акустика зала отличалась от Малой Бронной. Даниил и Юля играли великолепно, легко и слаженно, ярко и четко выделяя все акценты пьесы. Мне показалось, что Геля стала несколько нежнее и мягче. Это был не тот взъерошенный воробушек, а ранимая трепетная девушка с внутренним расколом от пережитого, в бездне которого, поселился дикий страх. Виктор стал смелее, активнее. В нем появился внутренний стержень, которого, по моему мнению, не хватало. Если честно, я всегда бежала от подробного отзыва о «Варшавской мелодии», боялась выразить свое отношение к героям пьесы, и сделать какие либо выводы. Возможно потому, что эта история была близка мне. Хотя, я уверена, что почти каждый из нас пережил свою «Варшавскую мелодию». Сколько раз я смотрела этот спектакль, столько раз меняла свое мнение о нем. То обвиняла Виктора в трусости. В конце концов, мужчина должен быть смелее, активнее, брать на себя ответственность. То винила в разрыве отношений Гелю. Она могла бы сменить гражданство и остаться жить в Москве. А с другой стороны, ведь это обоюдная любовь, значит за нее надо бороться вместе. Влюбленные рука об руку должны пройти все преграды. А Виктор и Геля не стали бороться за свою любовь. Хочу привести в пример цитату из фильма «Обыкновенное чудо» : — Ты не любил девушку, иначе волшебная сила безрассудства охватила бы тебя. Кто смеет рассуждать или предсказывать, когда высокие чувства овладевают человеком? Нищие, безоружные люди сбрасывают королей с престола из любви к ближнему. Из любви к родине солдаты попирают смерть ногами, и та бежит без оглядки. Мудрецы поднимаются на небо и ныряют в самый ад — из любви к истине. Землю перестраивают из любви к прекрасному. А ты что сделал из любви к девушке? — Я отказался от нее. — Великолепный поступок. А ты знаешь, что всего только раз в жизни выпадает влюбленным день, когда все им удается. И ты прозевал свое счастье. Встреча Виктора и Гели в Варшаве, 10 лет спустя, была именно тем шансом… Но они не поддались волшебной силе любовного безрассудства и выбрали карьеру, привычный образ жизни, достаток, «житейское болото», в котором тепло, сыро и спокойно. За это, судьба им жестоко отомстила. Ведь в итоге, они оба остались несчастны в любви. В финале Геля и Виктор предстали перед залом молодыми, счастливыми, влюбленными. Мне кажется, что режиссер этим финальным аккордом дал второй шанс, но не героям, а зрителю. Чтобы мы, сидящие в зале, задумались о чистом, вечном и настоящем чувстве, без которого невозможно жить... В конце, хочу сказать, что Ярославль был в восторге от «Варшавской мелодии», от игры Даниила и Юлии. Зал им аплодировал стоя, на протяжении всего поклона! Это был настоящий успех! Огромное спасибо Юлии, Даниилу, Сергею Анатольевичу Голомазову и коллективу театра на Малой Бронной за участие в фестивале, за то, что наконец то Варшавская мелодия прозвучала на ярославской сцене) Татьяна Рехина(Reks)

[ свернуть ]


«Варшавская мелодия»: поствоенная драма

6 октября 2016
В субботу, 17 сентября, в театре имени Волкова был аншлаг. В рамках XVII Международного Волковского фестиваля московский Театр на Малой Бронной привез в Ярославль «Варшавскую мелодию». В спектакле, поставленном Сергеем Голомазовым по пьесе Леонида Зорина, всего два ... [ развернуть ]

В субботу, 17 сентября, в театре имени Волкова был аншлаг. В рамках XVII Международного Волковского фестиваля московский Театр на Малой Бронной привез в Ярославль «Варшавскую мелодию».

В спектакле, поставленном Сергеем Голомазовым по пьесе Леонида Зорина, всего два персонажа. Будущая певица, полька Гелена и будущий доктор наук, советский студент-винодел Виктор случайно встречаются в консерватории. Концерт Шопена определит их судьбу на многие годы. Легкая симпатия перерастет в сильное чувство. В романтических сказках такая любовь сметает все преграды на своем пути. Но перед «железным занавесом» она оказывается бессильна. И на двадцать лет Геля и Витек оказываются отрезаны друг от друга, разделены границами, законами и предрассудками.

«Варшавская мелодия» - пьеса разговорная. Основное действие здесь – движения души героев, постепенно раскрывающихся друг перед другом и перед зрительным залом. Юлия Пересильд и Даниил Страхов покоряют сердца зрителей с первых сцен. Яркий, полный одновременно юмора и надрыва текст Зорина в их исполнении переливается всеми гранями, завораживает, вызывает добрый смех в зрительном зале.

Но в иронии то и дело чувствуется горечь, а над милыми и забавными словесными перепалками витает призрак войны. Вторая мировая закончилась два года назад. Целых два? Или всего два? Через внешнюю невозмутимость и демонстративную смелость Гели то и дело прорываются отчаяние и животный ужас. Ее, так много пережившую в раздираемой на части оккупированной Польше, не отпускает прошлое и страшит будущее. Да и Витек – счастливчик и «победитель» - долго не сможет снять форму и вычеркнуть войну из своих воспоминаний и снов.

Особое настроение создают надрывная, в самую душу проникающая музыка Шопена, зыбкие, почти условные декорации, выполненные в приглушенных тонах, и канаты-струны, вибрирующие в такт чувствам героев.

Автор Мария Демидова от 19 сентября 2016 • 15:30

Фото Татьяны Кучариной с официального сайта Волковского театра


Подробнее: http://yarreg.ru/articles/20160919143051


[ свернуть ]


Наталья Осипова

25 сентября 2016
Ходили с супругом на "Варшавскую мелодию" 21 сентября . Это спектакль рассказ, спектакль- драма двух судеб. На протяжении всего времени, актеры должны были держать зрителя в напряжении. Юлия Пересильд играла блестяще, сколько сил она вложила в свою героиню! Игра Дани... [ развернуть ]

Ходили с супругом на "Варшавскую мелодию" 21 сентября . Это спектакль рассказ, спектакль- драма двух судеб. На протяжении всего времени, актеры должны были держать зрителя в напряжении. Юлия Пересильд играла блестяще, сколько сил она вложила в свою героиню! Игра Даниила Страхова огорчила, она была плоской, лишенной цвета, эмоций. Было такое чувство, что на сцене Даниил был лишь декорацией, приложением к действу. Мы не поверили в любовь его героя. В нем не было мужественности, харизмы, он не похож на того "счастливчика", о котором говорится в пьесе. Текст резко разнился с его актерской органикой. А вот героине Юлии мы поверили безоговорочно. Поверили в ее любовь и страдания, пронесенные сквозь годы, поверили в ее слезы. . Даже в финале, когда опускался зановес, Юля играла одним взглядом. По ее лицу было видно, сколько боли перенесла Геля и какой внутренний, душевный крах пережила она. Мы с супругом благодарим, Юлию за прекрасную игру!)

[ свернуть ]


Записки дилетанта. № 27.

4 сентября 2016
Записки дилетанта. № 27. Театр на Малой Бронной. Сирано де Бержерак (Эдмон Ростан). Реж. Павел Сафонов. Чудовище и красавица. «Сирано. … я бродил среди речных излучин И все не мог найти, где надлежащий путь. Я должен был избрать какой-нибудь. И что же? Опытом научен,... [ развернуть ]

Записки дилетанта. № 27. Театр на Малой Бронной. Сирано де Бержерак (Эдмон Ростан). Реж. Павел Сафонов. Чудовище и красавица. «Сирано. … я бродил среди речных излучин И все не мог найти, где надлежащий путь. Я должен был избрать какой-нибудь. И что же? Опытом научен, Я выбрал путь себе кратчайший и прямой. Ле Бре. Какой же?. Сирано. Быть самим собой». «Маргарита Поверьте мне, что он угоден богу: он в жизни избирал прямую лишь дорогу». Прототипом главного героя в комедии в стихах Эдмона Ростана стал французский драматург, философ, поэт и писатель Сирано де Бержерак. Некоторые события биографичны: «падение с луны» это реминисценция к самому знаменитому произведению реального Сирано о луне «Иной свет»; любовь к дуэлям и успешная битва с сотней противников тоже является частью мифологии связанной с ним же. Сирано, как персонаж, будучи предельно честным с самим собой и людьми, талантливым поэтом и вдобавок по происхождению гасконцем (что-то типа французского чеченца) имел непростые отношения с людьми и обществом. Намёк на серьёзный физический недостаток – большой нос тут же мог привести к очередной дуэли. В его присутствии слово «нос» было табуированным. Любопытно, что и для автора пьесы Эдмона Ростана и для исполнителя главной роли Григория Антипенко эта история во многом личная и даже автобиографичная: у первого был в наличии яркий талант, но весьма заурядная внешность, при красавице жене, второй от природы наделён крупным носом и испытывал в юности схожие со своим персонажем комплексы. Чтобы никто ничего не перепутал к лицу Григория Антипенко весь спектакль прикреплён большой бутафорский нос, а сам актёр выделяется белым гримом. Сирано многогранен. Один Сирано – это непримиримый правдоруб и вспыльчивый дуэлянт, пытающийся огласить правду и восстановить справедливость на расстоянии вытянутой шпаги от себя, а также надёжный друг, боевой товарищ, который выручит несмотря на любую опасность. Другой – это ранимый поэт, благородный человек готовый пожертвовать своим счастьем ради возлюбленной. Третий Сирано – мудрый аскет, искренне презирающий деньги и власть, отказывающийся от службы у богатого и влиятельного покровителя. Он не боится бедности, если речь идёт о собственной независимости: «Пусть лучше беден я, пускай я буду нищим, довольствуюсь своим убогим я жилищем, я в нем не уступлю, поверь, и королю, в нем я дышу, живу, пишу, творю, люблю!». Голод для него лишь повод к изучению неизведанного: «Ле Бре: Ты будешь голодать? Сирано: Что ж! Надо все изведать». К тому же всегда можно питаться пищей невещественной, духовной: «Не страдает тело лишь потому, что пищу я найду всегда в душе своей». Первое действие, происходящее в Бургундском отеле, где Сирано отчаянно и остроумно прогоняет бездарного актёра со сцены показано режиссёром пунктиром, а неуместность актёра, вызвавшего ярость поэта передана лишь нелепым костюмом, в который тот одет. Автор произведения уделил этому много больше внимания. Но история Сирано де Бержерака всё-таки история о трагической любви чудовища и красавицы. Большое количество событий, вошедших в пьесу передать за три с небольшим часа непросто, поэтому текст заметно сокращён режиссёром, особенно в части не касающейся любовных перипетий. И если у Эдмона Ростана пьеса называется героической комедией, то у Павла Сафонова происходящее зовётся романтической драмой. Храбрый гасконец раз и навсегда противопоставляет себя несовершенному человеческому миру, олицетворяя борьбу правды с ложью, добра со злом. Он бескомпромиссен: «А что же? Всех, как вы, друзьями называть. И, профанируя те чувства дорогие, считать десятками иль сотнями друзей? Нет! Эти нежности не по душе моей! Не выношу я лжи, и мне сказать приятно: «Сегодня я нашел себе еще врага»! И эта ненависть – одна мне дорога». Режиссёр экранизирует лишь самые ключевые сцены, «лучшие места» и достаточно подробно – непосредственно историю любви. Часть сцен показана уж слишком доходчиво для зрителя: сцена с «Докучным», или нытьё плаксивого подкаблучника Рагно от грубостей своей злюки-жены, или исповедь, когда Сирано рыдает, свернувшись калачиком. Всё это выглядит не слишком естественно. «Дефектом» для людей помимо большого носа оказываются и чужой талант, и смелость, и независимость. Неординарный человек остаётся в толпе неприкаянным одиночкой. Но выбора нет: «Забыть об истине, звучащей благородно, не смелым быть орлом, но низким червяком, и пробираться хитростью, ползком. Там, где хотел бы вверх лететь свободно? О нет!». Но герой не лишён и самоиронии, как противовеса к излишне серьёзному отношению к действительности – свой нос он, утирая нос очередному противнику, высмеивает так, как никто другой, сравнивая его с пиком, утёсом, полуостровом, вешалкой для шляп, трубой, фамильной башней, репой, дыней» - здесь автор упражняется в остроумии как только может. Сирано блестяще выходит победителем из многочисленных конфликтных ситуаций. Если надо, то без раздумий достаёт шпагу, которой мастерски владеет, одновременно «протыкая» оппонента и шпагой и оскорбительно-остроумными стихами. Парадокс заключается в том, что чем честнее человек, тем он беззащитнее перед окружающими, и защитить его честь может лишь оружие из металла да слов. Гордый гасконец признаёт над собой власть только одного человека: «Нет покровителя, его я не желаю. Но покровительница – есть»! В любви к женщине он раскрывается, уродливая оболочка оказывается содержит в себя драгоценное, ранимое и прекрасное содержание, источающее душевную красоту. Но Роксана признаётся, что любит другого, к тому же писаного красавца, полную противоположность Сирано. В этом треугольнике у одного оказывается форма, у другого – содержание: «О, если б все мои горячие мечты в такую форму мог облечь я». Сирано решает сделать «коктейль», предлагая сопернику сделку: «Ты дашь всю прелесть мне твоих наружных чар, я дам тебе иной, глубокий, высший дар», «я буду разум твой, ты – красота моя» или «душою буду я, а ты – ты будешь телом». В итоге: «и победим ее – вдвоем!». Ведь одной красоты или ума женщине недостаточно, нужен «набор»: «мне глупость не была по вкусу никогда, и красотой одной своею вы не могли б меня пленить, сознаюсь в том, как и без красоты – одним своим умом. Даете вы бурьян взамен душистой розы». Но красоту видимую проще заметить, поэтому Кристиан сперва получает преимущество перед обладающим внутренней красотой Сирано. Декорации спектакля условны и мрачны: абстрактные кубы, обитые железными листами, превращающиеся в шкафы, набитые рукописями. Простые грубые необрезные доски, поставленные вертикально и прислонённые к стенам превращают сцену в суровый военный лагерь. В углу возвышается гигантская античная ступня на которую лишь несколько раз за спектакль взбираются актёры. На сцене мрачно. Лучами света в этом тёмном царстве от художника-постановщика Мариуса Яцовскиса выступает лишь энергичная игра актёров произносящих яркий, искромётный текст. Костюмы, не принадлежащие к определённой эпохе вторят царящему аскетизму, оставаясь преимущественно в чёрно-белых тонах, небольшое исключение сделано лишь для Роксаны, да для ярко-красной шинели Де Гиша. Встречаются удачные визуальные находки, к примеру, падающие листы бумаги, подбрасываемые вверх, а также музыка от Фаустаса Латенаса, звучащая в унисон со стихами, подчёркивающая красоту и силу слова. Весь поэтический дар, чувства и страсть Сирано находят выход в письмах, которые он пишет Кристиану для Роксаны. Та постепенно пленяется любовной лирикой всё сильнее, влюбляясь в настоящего автора: «Да, прости меня, прости, но я привлечена их непонятной силой». «Ведь каждая из этих милых строк - твоей души – слетевший лепесток». В итоге Кристиан слышит от Роксаны: «Прости ж меня в великий этот час, что в легкомыслии своем я полюбила тебя за красоту твою сперва!.. теперь, о мой любимый, увлечена я красотой незримой! Тебя люблю я, страстью вся дыша, но мне мила одна твоя душа»! Это трагическое признание фактически убивает Кристиана. Роксана погружается в траур, проходит пятнадцать лет, но Сирано сохраняет их общую с погибшим другом тайну, продолжая навещать любимую в монастыре. Выглядит он неважно, но себе не изменяет: «В последний раз не ел он ничего два дня… он страшно беден»; «так жалок в стареньком кафтанчике своем… Де Гиш. Да! Неудачник он»! Но позже Де Гиш сознаётся: «Я позавидовать готов ему порою…». На неуступчивого Сирано совершается покушение, он еле держится на ногах, но остаётся критичен к себе: «О, как обманут я насмешницей судьбой!.. Я смерти не хотел такой! …всю жизнь терпел лишенья я. Мне все не удалось – и даже смерть моя»! «Всю жизнь судьбой гонимый злобной; любовник неудачный и бедняк — ну, словом, Сирано де Бержерак. Почтим его мы надписью надгробной: он интересен тем, что всем он был – и не был он ничем!…». Но, наконец, тайна настоящего автора любовных посланий вскрывается: «Зачем молчали вы пятнадцать долгих лет? Зачем скрывали вы так гордо ваш секрет?». Лишь перед самой смерть Сирано слышит заветные слова от Роксаны: «Клянусь тебе, – мой дорогой, поверь, — что я люблю тебя»! Герой умирает на глазах любимой женщины со шпагой в руке, продолжая сражаться до последнего вздоха с человеческими пороками: ложью, подлостью, клеветой, глупостью… Но сердце его спокойно и совесть чиста: «Сегодня вечером, да, да, в гостях у бога я у лазурного остановлюсь порога...». История о Сирано - одно из самых популярных произведений для сцены в мире и заслуженно пользуется большим успехом у публики. История, рассказанная Павлом Сафоновым – история в первую очередь любовная и получившаяся, судя по полному залу и продолжительным аплодисментам весьма неплохо.

Шуваев Николай

[ свернуть ]


Елена Соловьев

30 августа 2016
28 августа, первый спектакль «Ревизор» в новом сезоне. Зал полный! Я заметила, что в последние года два эта постановка тоже стала почти что аншлаговой Театра на Малой Бронной, как «Варшавская мелодия». Изначально зритель как будто бы присматривался, вникал в эту дале... [ развернуть ]

28 августа, первый спектакль «Ревизор» в новом сезоне. Зал полный! Я заметила, что в последние года два эта постановка тоже стала почти что аншлаговой Театра на Малой Бронной, как «Варшавская мелодия». Изначально зритель как будто бы присматривался, вникал в эту далеко не классическую интерпретацию бессмертной пьесы Гоголя, а потом полюбил ее искренне и, хочется верить, надолго. К тому же вчера было два сюприз-дебюта. А именно: Осипа играл не Дима Сердюк, а Олег Кузнецов – тоже ученик Голомазова. Хотя в этой роли очень сложно представить кого-то другого, так как Дима в ней просто фееричен, но Олег Кузнецов, однако, хорошо справился в своем дебюте: того же тонкого телосложения и в интонациях очень похож на Димин голос. Видимо, теперь эта роль будет в очередь. И еще одно новое лицо в спектакле – Максим Шуткин, заменивший Егора Сачкова в роли Бобчинского. У Максима также гармонично получилось влиться в ансамбль спектакля. В общем, молодцы ребята! Ну, и, конечно же, блистательный дуэт Даниила и Леонида Каневского! Чувство плеча у них колоссальное, оттого и смотришь на них, затаив дыхание, хотя это практически невозможно, потому как смех от всего происходящего на сцене почти без перерыва вырывается из груди. Браво, актеры! Браво, Сергей Голомазов, и очередное искреннее «спасибо» за эту искрометную постановку! Вот такой вчера был радостный и позитивный вечер!

[ свернуть ]


Ольга

29 августа 2016
Спектакль потрясающий.Григорий (Сирано) -только слова восхищения.Браво всем актерам Музыка подобрана так,что пробивало в сочетании со словами и игрой главного героя до слез.А где уместно-смех.Режиссер-умничка!Огромное спасибо за такое чудо.

Спектакль потрясающий.Григорий (Сирано) -только слова восхищения.Браво всем актерам Музыка подобрана так,что пробивало в сочетании со словами и игрой главного героя до слез.А где уместно-смех.Режиссер-умничка!Огромное спасибо за такое чудо.

[ свернуть ]


Кузьмина Светлана

28 августа 2016
Потрясающий спектакль! С огромной отдачей играют все артисты, но Антипенко!... Он поражает. После его ролей в сериалах героев - любовников с трудом верится, что это одно и то же лицо. Полное преображение. Жесты, взгляды уверяют нас, что это и есть тот самый забияка с... [ развернуть ]

Потрясающий спектакль! С огромной отдачей играют все артисты, но Антипенко!... Он поражает. После его ролей в сериалах героев - любовников с трудом верится, что это одно и то же лицо. Полное преображение. Жесты, взгляды уверяют нас, что это и есть тот самый забияка с большим носом. Зритель не может не поверить актёру. Все 3 часа от артиста невозможно оторвать взгляд. И овации... Зал был восхищён и поражён. И конечно же нужно отметить отличную режиссёрскую работу.

[ свернуть ]


ирина молот

27 августа 2016
Игра Антипенко - это боль любви, боль преодоления. боль самопожертвования во имя любви , миг отчаяния , вызвавший слёзы жалости и понимания, и эта нежность. нежность. нежность... Браво! Актёры все восхитительны! Энергетика необыкновенная! Жаль, что сверкающие телефон... [ развернуть ]

Игра Антипенко - это боль любви, боль преодоления. боль самопожертвования во имя любви , миг отчаяния , вызвавший слёзы жалости и понимания, и эта нежность. нежность. нежность... Браво! Актёры все восхитительны! Энергетика необыкновенная! Жаль, что сверкающие телефоны зрителей говорили о неуважении к театру

[ свернуть ]


Надежда

25 июня 2016
Огромное спасибо за гастроли в Нижнем Новгороде !!!!! Спасибо артистам, режиссеру и всем кто работал над спектаклем "Тартюф"!!! Игра актеров завораживает, мы смеялись и переживали вместе с героями. И это здорово! Агриппина Стеклова, вы замечательная Дорина, просто не... [ развернуть ]

Огромное спасибо за гастроли в Нижнем Новгороде !!!!! Спасибо артистам, режиссеру и всем кто работал над спектаклем "Тартюф"!!! Игра актеров завораживает, мы смеялись и переживали вместе с героями. И это здорово! Агриппина Стеклова, вы замечательная Дорина, просто нет слов!... Браво!!!!!!

[ свернуть ]


Мария Иванова

12 июня 2016
Спектакль не понравился. Считаю постановку оскорблением таланта Гоголя.

Спектакль не понравился. Считаю постановку оскорблением таланта Гоголя.

[ свернуть ]


Булатова Ирина Юрьевна

30 мая 2016
Спектакль потрясающий! Браво! Браво! 29.05.16 г.

Спектакль потрясающий! Браво! Браво! 29.05.16 г.

[ свернуть ]


Дарья Туркина

6 мая 2016
Была на Спектакле Варшавская Мелодия С Даниилом Страховым и Юлией Персильд Спектакль за душу взял Даниил Был бесподобен Юлия талантище спасибо за такое душевное исполнение песни Меня это приятно удивило Зал был прикован к сцене и артистам Я не могла оторвать от них г... [ развернуть ]

Была на Спектакле Варшавская Мелодия С Даниилом Страховым и Юлией Персильд Спектакль за душу взял Даниил Был бесподобен Юлия талантище спасибо за такое душевное исполнение песни Меня это приятно удивило Зал был прикован к сцене и артистам Я не могла оторвать от них глаз Такие влюбленные такие несчастные Виктор и Геля так изменились по ходу спектакля Жаль что из за каких то там предрассудков влюбленные не смогли быть вместе ведь Виктор советский солдат студент а Геля будущая певица Польская а 1946 году такие браки были запрещенны Я в Конце даже расчувствовалась Спасибо Даниил И Юлия за прекрассный спектакль очень понравилось безумно Еще хочется отметить физическую подготовку Даниила на поклоне прямо поддержка получилась Браво Даниил

[ свернуть ]


Мария

3 мая 2016
Потрясающе! Феерично! Блестяще! Незабываемо! СПАСИБО!

Потрясающе! Феерично! Блестяще! Незабываемо! СПАСИБО!

[ свернуть ]


Ирина Владимировна Никитина

8 апреля 2016
Замечательный спектакль! Великолепная игра ВСЕХ актеров! За те три часа, которые идет спектакль, я успела и посмеяться и прослезиться. Огромное спасибо и режиссеру и актерам за спектакль!

Замечательный спектакль! Великолепная игра ВСЕХ актеров! За те три часа, которые идет спектакль, я успела и посмеяться и прослезиться. Огромное спасибо и режиссеру и актерам за спектакль!

[ свернуть ]


Бондарик Анна Александровна

7 марта 2016
Мне не хватает слов, чтобы выразить всю степень благодарности режиссеру этого спектакля Павлу Сафонову, и, в частности, актерам Григорию Антипенко и Ольге Ломоносовой. Спасибо вам за прекрасную, профессиональную и вдохновенную игру! Вы чувствовали своих героев, а пот... [ развернуть ]

Мне не хватает слов, чтобы выразить всю степень благодарности режиссеру этого спектакля Павлу Сафонову, и, в частности, актерам Григорию Антипенко и Ольге Ломоносовой. Спасибо вам за прекрасную, профессиональную и вдохновенную игру! Вы чувствовали своих героев, а потому их чувствовали и мы, зрители. Я не могу передать словами тот спектр эмоций, который я испытала, просмотрев этот спектакль. Это не просто постановка. Это произведение искусства. А Павел Сафонов - талантливейший режиссер современности! Он видит характеры и судьбы героев через совершенно иную призму. Его Роксана какая-то космическая, нереальная. Читая пьесу Ростана ловишь себя на мысли, что его героиня раздражает своей слепой влюбленностью и ты предчувствуешь трагический финал. Но в постановке Сафонова я почему-то до конца надеялась, что может быть он найдет для героев возможность быть счастливыми, быть вместе. Но тогда это была бы другая история. Я смотрела, затаив дыхание. А из зала я вышла, глотая слезы. Меня до глубины души восхитила, ошеломила игра Григория Антипенко. Вместе с его героем я переживала его глубокую драму. Монолог "про нос" меня вообще потряс. Сколько эксперссии, трагизма и в какой-то степени обреченности! Этого актера я для себя открыла с новой стороны. И еще раз хочу поблагодарить режиссера и всю его команду. Превосходное решение декораций! Блистательно подобранная музыка! Я с удовольствием еще раз посетила бы этот спектакль. Но, к сожалению, живу в другой стране. Спектакль посетила случайно, когда он гастролировал. Просьба для художественного руководителя театра: если было бы возможным, после того, как тот или иной спектакль выйдет из репертуара театра, выложить видео-версию полюбившихся зрителями постановок, мы, зрители, были бы вам очень благодарны!

[ свернуть ]


Палькова Полина Сергеевна

14 февраля 2016
Это первый мой спектакль в этом прекрасном как мне кажется театре. Он настолько мне понравился, что вот уже несколько дней я хожу и радуюсь тому, что побывала на нем. Игра актеров, сценография, искрометный юмор все это просто на самом высшем уровне, спасибо за такие ... [ развернуть ]

Это первый мой спектакль в этом прекрасном как мне кажется театре. Он настолько мне понравился, что вот уже несколько дней я хожу и радуюсь тому, что побывала на нем. Игра актеров, сценография, искрометный юмор все это просто на самом высшем уровне, спасибо за такие спектакли.

[ свернуть ]


Игорь Уруляк

14 февраля 2016
Ой мы ходили всем классом на этот замечательный спектакль , наша классная руководительница сказала , что ей тоже как и нам очень , прям очень понравился этот спектакль.

Ой мы ходили всем классом на этот замечательный спектакль , наша классная руководительница сказала , что ей тоже как и нам очень , прям очень понравился этот спектакль.

[ свернуть ]


Ирина Шевцова

14 февраля 2016
Замечательный спектакль .Прекрасная игра актеров , особенно нам с мужем понравилась Агрипина Стеклова .Замечательный спектакль .
Замечательный спектакль .Прекрасная игра актеров , особенно нам с мужем понравилась Агрипина Стеклова .Замечательный спектакль .

[ свернуть ]


Остаться с носом?

6 февраля 2016
teatr-live.ru Пьеса Ростана «Сирано де Бержерак» любима в театре. И как справедливо писал Максим Горький: « …В ней фабула – не главное, главное в ней – ее герой, сумасброд-гасконец». Роль Сирано – безусловный подарок для любого актера: в этом образе заложена «игрова... [ развернуть ]

teatr-live.ru

Пьеса Ростана «Сирано де Бержерак» любима в театре. И как справедливо писал Максим Горький: « …В ней фабула – не главное, главное в ней – ее герой, сумасброд-гасконец». Роль Сирано – безусловный подарок для любого актера: в этом образе заложена «игровая» притягательность, пафос, который дает уникальную возможность почувствовать скрытый потенциал, сделать вызов. Так было с Александром Домогаровым, который смог превзойти сложившийся стереотип о своей внешности в роли носатого насмешника. Так случилось с Максимом Сухановым, чья мужская харизма никак не укладывалась в привычное представление о романтическом герое. Так вышло и с Григорием Антипенко, в котором режиссер Павел Сафонов увидел своего Сирано. И для режиссера, возможно, не так важен сюжет, сколько, безусловно, главный герой и тот мир, который его окружает.


На сцене несколько ржавых конструкций: громадные ящики, некоторые из которых позднее трансформируются в стеллажи для несчетных поэтических рукописей, и гигантская скульптура человеческой ступни. Первая сцена – сбор публики на театральное представление: в главной роли «пустейший из шутов» — актёр Монфлери (Андрей Терехов), которому поэт Сирано де Бержерак запретил появляться в храме Мельпомены. И едва герои спектакля начинают появляться на сцене и существовать в ее пространстве, в них интуитивно узнаешь персонажей знаменитого сказочника-абсурдиста Льюиса Кэрролла. От их внешнего причудливого вида – высоких шляп, цилиндров, тростей, пышных клоунских Шароваров, подушек вместо головного убора, странной шапки с висящими ушами – веет абсурдом. И гигантская ступня вдруг предстает чем-то
вроде неудавшегося эксперимента по увеличению людей и предметов. Но если можно увеличить, то уменьшить тоже ведь возможно?! И от этого внешнего ощущения появляется внутреннее: интонационный рисунок большинства ролей, наполненный каким-то «нездоровым» темпераментом и постоянной возбужденностью, что усиливает впечатление. И по сути уже само существование независимого, талантливого Сирано, не желающего «забыть о гордости и об искусстве чистом» среди глупости, пошлости и внутреннего уродства этого мира, абсурдно. Григорий Антипенко проживает своего героя невероятно стремительно. Напряженный темпо-ритм, взятый актером с первых секунд своего появления на сцене, не спадает вплоть до трагической развязки.

Нос у Сирано огромен до безобразия. Он действительно становится ему неснимаемой маской, скрывающей большую часть лица. Он вечно взъерошен и носит черный костюм с нелепо укороченными брюками. И если у многих исполнителей этой роли появлялся-таки соблазн подчеркнуть в образе героическое начало (так было с Александром Домогаровым, Сергеем Безруковым), то Сирано-Антипенко начисто этого лишен. Глубокая, искренняя самоирония, присущая, как мне отчего-то кажется, и самому актеру, пронизывает насквозь и его персонажа. Конечно, герой Ростана невозможен без этого качества. Но в данном случае произошло какое-то исключительное совпадение человеческой сути, личной истории и персонажа. Этого почти невозможно описать, возможно только почувствовать, уловить. И Сирано затмевает в этой истории остальных. Он затмевает красоту «слепой» Роксаны (грациозная и в то же время какая-то невероятно воздушная Ольга Ломоносова); затмевает молодость влюбленного и отнюдь не глупого Кристиана (красавец «печального образа» Дмитрий Варшавский) и комичность графа де Гиша (обаятельный и несчастный злодей Иван Шабалтас). Он нерв и пульс этого спектакля. Он уверен в себе: в своих поступках, в своем таланте и в своей любви и силе. И только в сцене ночного свидания под балконом Роксаны, когда Сирано приходит на помощь Кристиану, остро чувствуешь, как тяжело ему вкладывать свое чувство, свою поэзию в уста другого. Тяжело физически. Практически до изнеможения. И если в пьесе у Ростана Сирано, спрятавшись среди листвы, шепчет упоительные слова любви, громко повторяемые Кристианом, то в спектакле режиссер заставляет де Бержерака при помощи жестов и мимики передавать смысл любовного объяснения. До изнеможения…

Но зато легко и даже весело дважды в день, рискуя жизнью, под пулями отправлять письма Роксане. Легко голодать и подбадривать других. Легко погибать. Легко освобождаться. Умирая у подножия все той же гигантской ступни, Сирано произнесёт свой знаменитый монолог про «рыцарский султан». И в разрез с собственными последними словами —«Берите всe! Всe! Всe! Но все-таки с собой, кой-что я уношу, как прежде, горделивым, и незапятнанным, и чистым, и красивым…» – он потянется к носу и, словно желая снять его, будет повторять один и тот же жест много раз: «Снять». Снять маску. А может быть… отдать?

Светлана Бердичевская, 12.12.2014

[ свернуть ]


Цветочница Коломба

6 февраля 2016
«Новый взгляд» Впала в катарсис, посмотрев спектакль"Коломба, или «марш на сцену!» Жана Ануя в постановке Сергея Голомазова в Театре на Малой Бронной (премьера была 8 марта), шла на трагикомедию, и хотя было все, посчастливилось стать свидетелем великой трагедии.  ... [ развернуть ]

«Новый взгляд»

Впала в катарсис, посмотрев спектакль"Коломба, или «марш на сцену!» Жана Ануя в постановке Сергея Голомазова в Театре на Малой Бронной (премьера была 8 марта), шла на трагикомедию, и хотя было все, посчастливилось стать свидетелем великой трагедии. 

Все по порядку. Жюльен (Дмитрий Сердюк), старший сын знаменитой трагической актрисы мадам Александры (Вера Бабичева), встречает присланную к его матери с корзиной цветов прелестную молодую цветочницу Коломбу (Алена Ибрагимова), в которую незамедлительно влюбляется и так же незамедлительно женится. Вскоре, когда у пары уже растет годовалый сын, и денег и без того катастрофически не хватает, Жюльена призывают в армию на 3 года и встает вопрос обеспечения Коломбы с ребенком. Жюльену было бы достаточно попросить мать с ее связями похлопотать об отсрочке, или о том чтобы не идти в армию вовсе, и вопрос был бы решен, но гордость мешает ему сделать это. Перед уходом в армию, скрепя сердце он соглашается попросить у нее лишь материальной помощи, но мадам Александра предлагает единственный выход — поступить Коломбе на сцену, в чем, кстати, усиленно ей помогает. И не на словах, а на деле, просит у своего близкого друга поэта, члена французской академии Эмиля Робине (Егор Сачков), с которым у нее роман (хочется отметить образ нашего дорогого поэта, как его называют, созданный актером, почти карикатурный, но именно почти, и так точно передающий ту эпоху в нашем понимании. Не буду раскрывать всех секретов, но щегольски закрученные усы и необыкновенная пластика актера присутствуют), написать для Коломбы дополнительные строчки в пьесе. Заставляет директора театра Дефурнета (Дмитрий Цурский) платить ей повышенную ставку, в общем, делает для нее все возможное, и, даже не ревнует к успеху Коломбы у мужской половины театра — поэта Робине, директора театра, младшего сына мадам Александры Армана (Дмитрий Гурьянов) франтоватого молодого человека, упоенного своей красотой, немолодого актера Дюбарты (знаменитый киноактер Геннадий Сайфулин, выход которого сопровождался неизменными аплодисментами). Коломба, однако, проста лишь с виду, хотя, наверное, у нее и нет другого выхода, но она очень умело пользуется вниманием своей свиты, обращая это внимание в ощутимую пользу — поэт пишет для ее роли новые строки, директор покупает ей новый костюм с меховой опушкой. Впрочем, она любит своего мужа и остается ему верна. Но завистники не спят, Ласюрет (Юрий Тхагалегов), секретарь мадам Александры, агент Сары Бернар в ее театре, как она его называет, пишет Жюльену письмо с обвинениями Коломбы в измене. Жюльен спешно берет отпуск и приезжает домой. Дальше разыгрывается трагедия в стиле игры Андрея Миронова в «Женитьбе Фигаро», старом спектакле театра сатиры, когда он страдает из-за мнимой измены невесты. Дмитрий Сердюк, с его необыкновенным серебристым голосом и точным попаданием в амплуа героя, становится порой похож по игре даже на молодого Олега Даля, но какие-то нотки и Миронова-Фигаро действительно проскальзывают. Только Жюльен, в отличие от фигаро не внимает голосу разума и не берет себя в руки, а в порыве слепой ревности ударяет свою жену, чем отвращает ее от себя, и теряет ее. 

Очень сильная финальная сцена объяснения матери с сыном, когда мадам Александра говорит Жюльену, как идеализм, возведенный в степень эгоизма, может оставить человека одного, но вряд ли Жюльен ее понимает.

Спектакль заканчивается с той же сцены, которой он и начинается, знакомством Жюльена и Коломбы, их возникающим на глазах зрителя чувством. Остается только удивляться (и приятно удивляться) мастерству перевоплощения Алены Ибрагимовой. Если герой Жюльена практически не меняется по ходу спектакля, застревая в рефлексирующем юношеском максимализме, то Коломба из юной наивной девочки превращается в расчетливую кокетку, знающую цену своим чарам, а также в женщину, которая способна первой оставить любимого человека, отца своего ребенка, не видя дальнейших перспектив их отношений. Поэтому такому стремительному ее превращению в последней сцене обратно в наивную девочку только диву даешься, и, тем не менее, веришь, настолько точно это сыграно. Такой чистотой и искренностью удивления всему новому лучатся ее глаза…

Спектакль поражает обилием талантов. Хотелось бы отметить игру Дмитрия Гурьянова, что-то было в нем неуловимое, просто гремучая смесь Еременко-младшего, Игоря Дмитриева и Владислава Стржельчика. Даже что-то и от Кирилла Лаврова в нем нахожу, эдакая породистость и видимая легкость игры, может быть немножко бравурная. Возможно, это не самый модный сейчас типаж, типаж исторических персонажей, но хочется пожелать молодому актеру не променивать его с легкостью на более модные и современные и не становиться как все. Потому что такой типаж всегда будет выделяться на фоне других, и будет востребован, хотя и не так часто, но так как таких актеров почти нет, то именно эта особенность и может обеспечить заметную актерскую судьбу. Явное комедийное дарование и у Юрия Тхагалегова. Не могу не отметить игру Татьяны Кречетовой (мадам Жорж), костюмерши мадам Александры, которая помогает создать ансамбль спектакля и в комедийные и в драматические моменты. 

Но, разумеется, всех затмевает игра Веры Бабичевой, которой с явным успехом даются и комедийные сцены, в том числе в прекрасной филигранно исполненной интермедии спектакля в спектакле, где мадам Александра играет с Дюбартой влюбленных. Легкость ее обращения с мужчинами и повелевания ими можно сравнить разве что с Джулией Ламберт, героиней романа Сомерсета Моэма «Театр» (все наверняка помнят прекрасный фильм с Вией Артмане в роли Джулии), тем более обе героини и мадам Александра и Джулия Ламберт — ведущие актрисы своих театров и живут приблизительно в одно время — время Сары Бернар. Трагедия, в которую постепенно перерастает спектакль, тоже в полной ее власти, все персонажи кажутся мелкими в сравнении с ней, и все качества, даже идеализм ее сына, который в этом пошел в своего отца, кажутся бледными и плоскими. Она вобрала в себя все. Все чувствует и понимает, и ее богатый жизненный опыт только помогает ей проявлять сочувствие в отличие от эгоистичных идеалистов, пусть и более порядочных на первый взгляд. но только на первый. Человечности в ней оказывается куда больше чем в них. И тут я понимаю, что шла я на «Коломбу», а попала на «Чайку», да-да, именно на «Чайку». Мадам Александра, такая, как ее поставил Сергей Голомазов и сыграла Вера Бабичева — это, конечно, Аркадина, вот только не такая, как ее играют и ставят, а такая как ее Чехов написал, такая как надо! Параллели можно провести и с сюжетом. Робине, близкий друг мадам Александры, так же как и Тригорин Аркадиной в «Чайке» — драматург, писатель, так же полностью находится в ее власти, и, даже, если и отвлекается на Коломбу, как и Тригорин на заречную, то лишь временно. Обе они служат лишь музами для вдохновения творческих людей, как бы жестоко в случае Заречной это ни звучало, и они неизменно будут возвращаться, один к мадам Александре, а другой к Аркадиной, как ведомые к ведущему, а также как мотыльки, летящие на яркий, именно яркий свет, а не отсвет. Сыновья мадам Александры (старший, Жюльен, да если разобраться и младший, Арман, недалеко от него ушел, если абстрагироваться от его внешнего лоска) и Аркадиной — рефлексирующие неудачники (Треплев именно таким предстает в начале пьесы, слава приходит к нему позже), творческие люди — Треплев — писатель, драматург, Жюльен — музыкант (подрабатывал до армии частными уроками музыки) и, фактически, мадам Александра, как и Аркадина, замыкает на себе свой близкий круг, является его центробежной, притягивающей и единственной, силой. Все держится на них, решения принимают они, и ответственность за эти решения тоже они берут на себя, в отличие от более слабых мужчин. Главная параллель все же в образе, в образе сильной Аркадиной.

Чехов писал сильную Аркадину и поэтому Треплева и Заречную надо было играть в полтона, у него есть где-то в письмах это, а здесь несмотря на крайне талантливых деток, среди этой ставшей уже притчей во языцех неталантливой театральной и киномолодежи, такой россыпи молодых талантов среди современной серости, я не видела ни в одном театре, тем более на одной сцене, и даже не думала, что сейчас это вообще возможно. Если Акунин и был в чем прав, то это в том, что там все равны в каком-то смысле, нет плохих и хороших и от имени каждого можно вести повествование. Это повествование было евангелием от Аркадиной!

Хочется также отметить прекрасную работу художника по свету Андрея Реброва, прекрасную же сценографию художника-постановщика Ларисы Ломакиной и музыкальное оформление спектакля (удачно использована композиция Алексея Айги «одиночество»), что также помогло создать необыкновенную атмосферу спектакля.

Спасибо за традиционный, который теперь уже редко увидишь, классический репертуарный театр!

Татьяна Львова, 3.04.2012

[ свернуть ]


Шум за сценой На Малой Бронной «Коломбу» сыграли как «Чайку»

6 февраля 2016
«Новые известия» Спектакль рождался в муках. Творческих, понятное дело. Сначала за ануевскую историю взялся режиссер Александр Назаров, но его «Коломба» была сыграна осенью всего лишь раз и отправилась на доработку. Усовершенствованием спектакля занялся худрук театр... [ развернуть ]

«Новые известия»

Спектакль рождался в муках. Творческих, понятное дело. Сначала за ануевскую историю взялся режиссер Александр Назаров, но его «Коломба» была сыграна осенью всего лишь раз и отправилась на доработку. Усовершенствованием спектакля занялся худрук театра Сергей Голомазов, не боящийся трудных путей. Впрочем, его позиция понятна и вызывает уважение — театр для него нечто большее, чем развлекательное заведение. 

Сюжетное сходство пьес Ануя и Чехова лежит на поверхности. И тут, и там — знаменитая актриса и нерадивая мать, бунтующий сын без определенного места в жизни, юная девушка, грезящая о сцене и готовая ради нее претерпеть любые невзгоды. Но Ануй реально сочиняет историю в комедийном ключе, пусть и достаточно саркастичную. «Чайку» же, несмотря на то что чехов назвал ее комедией, весело сыграть невозможно. А вот синтез этих двух историй все равно напоминает попытку сесть на два стула одновременно. Они разъезжаются, и в результате комические эпизоды порой становятся несмешными, а излишний драматизм, наоборот, вызывает улыбку.

Впрочем, все это и есть театр, который, несмотря на давно установившиеся законы и правила, продолжает искать себя. В сценографии Ларисы Ломакиной он даже возводится в квадрат. Два алых бархатных занавеса: один открывает пространство авансцены для эпизодов «из жизни», другой скрывает подмостки, где и мадам Александра (Вера Бабичева), и Коломба (Алена Ибрагимова), и премьер труппы Дюбарта (Геннадий Сайфуллин), и все прочие комедианты чувствуют себя в своей тарелке, отринув жизненные неурядицы. Есть у этой труппы и свой драматург по имени Эмиль Робине, «наш дорогой поэт» (Егор Сачков) — он явно не Чехов и даже не Ануй. Зато с каким упоением бесконечно декламирует слово «луна» из начальной строчки своей пьесы и готов тут же перевести все слова в материальный эквивалент гонорара.

А потому эпизоды не театральные, но жизненные получились в спектакле Сергея Голомазова куда интереснее, несмотря даже на упомянутый избыточный драматизм. Мадам Александру здесь вряд ли можно счесть великой актрисой, но вот женщина она весьма интересная. Со своими тайнами, болью и жизненными драмами, которые надежно скрыты под маской преуспевающей примы, но нет-нет, да и вырвутся наружу.

Дмитрий Сердюк, сыгравший скорее мятежного Костю Треплева, нежели не столь темпераментного Ануевского Жюльена, продемонстрировал задатки превосходного актера. И даже жаль его юную супругу Коломбу, не оценившую столь «горячего сердца». Но что поделать, юность слепа, а дефилировать в модном «весеннем костюме» с шиншилловой опушкой и нежиться в лучах софитов куда увлекательнее, чем слушать нравоучения мужа.

И все-таки кажется, что театральные законы и живой контакт со зрительным залом очень скоро все расставят в этой «Коломбе» по своим местам. Небольшие излишества сойдут на нет, а комедийность восстановится в своих правах. Иначе и быть не может, ведь спектакль этот живой, а жизнь, как известно, всегда берет свое. Без всяких компромиссов.

Елена Липатова, 19.03.2012

[ свернуть ]


Романтики с большого болота «Ревизор». Театр на малой бронной

6 февраля 2016
www.kultura-portal.ru …Через всю площадку тянутся деревянные помосты, покрытые облупившейся краской. К одной из перекладин привязана такого же качества лодка. По поверхности стелется дым — туман (художник-постановщик Вера Никольская). А откуда-то из неведомых глубин... [ развернуть ]

www.kultura-portal.ru

…Через всю площадку тянутся деревянные помосты, покрытые облупившейся краской. К одной из перекладин привязана такого же качества лодка. По поверхности стелется дым — туман (художник-постановщик Вера Никольская). А откуда-то из неведомых глубин доносятся странные хлюпающие звуки, чьи-то таинственные всхлипы, стоны и завывания. Вот, казалось бы, и готова обобщенная метафора того вечного болота, из которого выбираться да не выбраться во веки веков, и сплетены воедино гоголевская мистика и бытовые детали. Однако взявшись за хрестоматийного «Ревизора», создатели спектакля в Театре на Малой Бронной (режиссер Сергей Голомазов) решили максимально конкретизировать время действия, перенеся известную историю, приключившуюся в заштатном, захолустном городке, в довоенной России. Правда, почерпнуть эту информацию можно, скорее, из пресс-релиза, нежели из самой постановки, сохраняющей интригу до самого конца и не отягощенной какими-либо внятными подводками к финальной точке сценического действия. Потому на протяжении всего спектакля остается лишь гадать, во имя чего герои ходят в серых плащах, холщовых костюмах, спортивных шортах и майках, почему они играют в бадминтон, подтягиваются на турнике и распевают вальсы 30-х годов, произнося при этом привычный гоголевский текст, который с явным трудом укладывается в придуманную схему. А поскольку предпринятые трансформации остаются без сколько-нибудь серьезных мотиваций, под вопросом оказывается сама их насущная необходимость для новой сценической версии. И лишь финальный эпизод, длящийся считаные минуты, ставит последнюю точку над “i”. Вместо немой сцены случается молчаливый проход градоначальника к столу, который выносит человек в форме, ставя на него стопроцентно узнаваемую черную лампу, стакан чая в железном подстаканнике и комплект остро отточенных карандашей. Визит к ревизору заменяется грядущим допросом в НКВД, а сюжет об одураченных прохиндеях, таким образом, превращается в историю о жертвах сталинских репрессий. 

По меньшей мере, странно даже задаваться вопросом, зачем сегодня искать в комедии Гоголя те трагические страницы нашей истории, которые уже давно обрели, в частности, и сценическую жизнь благодаря перенесенным на подмостки произведениям Евгении Гинзбург или Александра Солженицына. Единственным связующим звеном может быть тема страха — но страх страху рознь, и то, за что боялись поплатиться взяточники и жулики, никак не рифмуется с тем, за что уничтожали безвинных людей. К тому же и сам спектакль парадоксальным образом не вяжется с этим приставным финалом, выглядящим откровенной натяжкой. Создается впечатление, что режиссерская концепция существует как бы в параллель, а то и вразрез не только с текстом, но даже со всем сценическим действием, и нужна лишь для того, чтобы спектакль, не дай бог, не затерялся среди громадной армии «Ревизоров». Приоритеты же у этой постановки, похоже, несколько иные — скорее, актерско-педагогические. Так, целая группа исполнителей — в подавляющем большинстве выпускников или даже еще студентов мастерской Сергея Голомазова в РАТИ, пришедших в труппу театра в 2010 году, — получает отличную возможность проявить себя в классическом репертуаре. И экзамен этот молодые артисты сдают вполне успешно: их творения достойно соседствуют с работами актеров старшего и среднего поколений, хотя и напоминают порой ученические этюды, построенные по преимуществу на импровизационной легкости и брызжущей через край фантазии. Кому-то, конечно, достались роли не самые благодарные, типа частного пристава Уховертова (Дмитрий Варшавский) или нагловатого слуги Мишки (Олег Полянцев). А кому-то пришлось превратить купца Абдулина (Юрий Тхагалегов) в обуржуазившегося торгаша азиатской наружности, невозмутимо презентующего деньги пачками в купе с увесистым мешком наркотического зелья, тут же опробованного вместе с важной персоной. Комические «близнецы» Бобчинский (Егор Сачков) и Добчинский (Сергей Кизас), помимо привычной суетной скороговорки, еще пляшут и поют, на ходулях ходят, соловьями свищут и даже «не присохший» нос на клей приклеивают. Патологически трусливый Хлопов (Дмитрий Асташевич) истерично рыдает на груди у высокого гостя. А вечно озабоченный Христиан Иванович (Александр Шульц) зажато бормочет что-то себе под нос. Субтильный Осип (Дмитрий Сердюк), от голода поедающий с солью неведомых насекомых и кормящий с ложки барина остатками обеда, поет украинские песни и дрожит мелкой дрожью при виде нежданных гостей, играет на трубе и с блаженным видом шествует с хозяйской ночной вазой. Вялая, инфантильная Марья Антоновна Таисия Ручковская) превращается то в рыжеволосую наяду, выныривающую в ореоле брызг, то в эмансипированную особу, энергично атакующую столичного жениха, то в восторженную барышню, мечтающую о красивой жизни. 

Актеры более солидного возраста с тем же нескрываемым удовольствием пускаются в откровенную игру с текстом, но в гораздо большей степени сосредоточиваются на поиске в нем максимально иного смысла, нередко значительно удаленного от первоисточника. В итоге острая сатира вдруг превращается в лирическую комедию с трагическим финалом, а знакомые авантюристы и жулики выглядят весьма милыми людьми. Волевой, громогласный Ляпкин-Тяпкин (Геннадий Сайфулин) берет в оборот высокопоставленную персону, словно крепость, ради спасения любимого города. Затравленный Земляника (Владимир Ершов) походит на подневольного агента, который со слезами на глазах «стучит» на сослуживцев во имя безопасности своих домочадцев. Сам же возмутитель спокойствия — Хлестаков (Даниил Страхов) оказывается романтичным мечтателем и фантазером, побывавшим в голодном обмороке и потому блаженно радующимся хорошему приему. Он искренне верит и в свой поэтический дар, с выражением читая собственные вирши благодарным слушателям, с восторженным пылом влюбляется в уездных красавиц, слегка ошалев от их напора, и с неподдельной грустью прощается с гостеприимным семейством. Выдержанный, добродушный городничий (Леонид Каневский) здесь и впрямь становится радушным хозяином, энергичным градоначальником, добрым отцом и заботливым мужем. Да и супруга его (Лариса Парамонова) хоть и «с придурью» — то суетится без меры, то в японские костюмы рядится, встречая гостя на «дороге цветов», — но ни высокомерием, ни глупостью не отличается. Стараясь как можно меньше компрометировать главных героев, создатели спектакля удаляют из новой версии отдельных персонажей, одновременно подкорректировав и событийный ряд. Так, к примеру, бесследно пропадает высеченная унтер-офицерская жена, а вместо толпы обираемых городничим купцов является уже упомянутый выше «наркоделец». В финале же все семейство Сквозник-Дмухановских грезит о Петербурге с тем же возвышенным трепетом, с которым сестры Прозоровы мечтали о Москве. И потому, когда растерянный почтмейстер (Виктор Лакирев) читает злополучное письмо, никто не злорадствует и не смеется, напротив, все грустят о рухнувших надеждах и утраченных иллюзиях. Все это в рамках поставленной задачи актеры играют вполне убедительно, только вот чеховская тоска по лучшей жизни мало вяжется с гоголевской сатирой в адрес неистребимых, в первую очередь в наши времена, мошенников, взяточников и прохиндеев.

Марина Гаевская,

[ свернуть ]


«Тартюф»: «Желтый» Мольер Павел Сафонов уговорил Виктора Сухорукова побыть развратником.

6 февраля 2016
vashdosug.ru Вечную историю о подлом обманщике с лицом праведника в театре рассказывали миллионы раз. На очередную версию решился молодой режиссер Павел Сафонов, с согласия худрука Сергея Голомазова обративший «в свою веру» актеров со стороны. Отныне в репертуаре Те... [ развернуть ]

vashdosug.ru

Вечную историю о подлом обманщике с лицом праведника в театре рассказывали миллионы раз. На очередную версию решился молодой режиссер Павел Сафонов, с согласия худрука Сергея Голомазова обративший «в свою веру» актеров со стороны. Отныне в репертуаре Театра на Малой Бронной появился кассовый спектакль с участием медийных звезд — Виктора Сухорукова, Ольги Ломоносовой, Александра Самойленко и Агриппины Стекловой.

«Массы» должны быть довольны, — спектакль смотрится как подарок в яркой упаковке, эдакая стильная безделица, тем не менее, смысла не растерявшая и мораль-таки пропагандирующая. Показывать следует и детям, и взрослым. И тем, и другим есть чему подивиться и над чем подумать. Слава богу, авторский текст здесь остался нетронутым, да и перемена места действия оказалась не столь существенной. Все происходит, пускай и не во времена Мольера, но, по крайней мере, не в космосе и не на кладбище. Приметы времени размыты, и это правильно: история будет повторяться, пока живут люди со всеми своими слабостями и пороками.

Кстати, пороки выведены Сафоновым на сцену один за одним, — в лицах героев бессмертной комедии. Оргон — олицетворение честолюбия, его мать — властности, сын Дамис — пустозвонства, дочь Мариана — женской глупости. Клеант символизирует слабую волю, супруга Эльвира — пустое кокетство, а горничная Дорина — хамство.

Справедливости ради стоит заметить, что все вышеназванные пороки не вызывают чувства брезгливости, скорее зритель испытывает к героям, ими обладающим, симпатию. Узнаваемое семейство, каких много, попало в просак из-за глупой влюбленности отца. Ну а если учесть, что основных персонажей играют знакомые все лица (знакомые по сериалам и кинофильмам, идущих в прайм-тайм), то и вовсе удовольствие гарантировано.

Грех не купить билет, если Дорину играет признанная клоунесса Агриппина Стеклова, а растерянного дурака-Оргона — большой друг «папиных дочек» Александр Самойленко. Про Виктора Сухорукова говорить не приходится. Что-что, а отрицательные персонажи популярному актеру удается как никому другому. Его Тартюф омерзителен, знаменитая сцена соблазнения Эльмиры выглядит гаже гадкого.

И все же, для театралов со стажем этот спектакль — очевидное заигрывание с публикой. Аналог качественной антрепризы, за которую не стыдно. Но не более того. Яркой режиссерской мысли здесь не наблюдается, впрочем, и явных провалов тоже. Все ровно и зрелищно.

Отдельное спасибо стоит сказать художнику по костюмам Евгении Панфиловой, ее стараниями все герои не смотрятся тяжеловесно или старомодно. Затейливые шляпки с вуалью, немного массивные каркасы для платьев, полупрозрачные боди и воротники-стойки… Во всем этом великолепии актерам явно проще играть героев-марионеток, управляемых тартюфом. Главный герой также одет со смыслом.

В первом действии на нем серое тряпье, в которое он завернут таким образом, что напоминает жука-навозника. В финале же на нем ярко-желтый плащ, наподобие тех, в которых в средневековой Испании сжигали на кострах еретиков. Желтый — символ греха и предательства, намек таким образом не просто толстый, но прозрачный.

Дом Оргона, «выстроенный» художником-постановщиком Николаем Симоновым — также находка. Он не достроен, а потому пустынен. И это очень точно «отзеркаливает» всеобщий неуют и тревогу.

Из неожиданных «приятностей» — небольшая, но заметная роль Валера, жениха Марианы. Его сыграл молодой актер Театра на Малой Бронной Дмитрий Сердюк. Комическое дарование артиста очевидно и доставляет пару минут истинного театрального удовольствия, никак несвязанного ни с кассовым успехом нового «Тартюфа», ни с популярностью исполнителей главных ролей.

Наталья Витвицкая, 8.11.2011

[ свернуть ]


«Ревизор»: неожиданная версия гоголевской комедии

6 февраля 2016
vashdosug.ru Режиссер Сергей Голомазов опрокинул действие комедии Гоголя в 30-е годы ХХ века и… не прогадал. Так очевиднее — парализующий страх перед самосозданным мифом намного опаснее реальности. Новый спектакль Сергея Голомазова — несомненная удача для театра, к... [ развернуть ]

vashdosug.ru

Режиссер Сергей Голомазов опрокинул действие комедии Гоголя в 30-е годы ХХ века и… не прогадал. Так очевиднее — парализующий страх перед самосозданным мифом намного опаснее реальности.

Новый спектакль Сергея Голомазова — несомненная удача для театра, который пытается идти в ногу со временем и чаще развлекает, чем заставляет думать своего зрителя. В «Ревизоре» Голомазов нашел золотую середину — смеются в зале остервенело, почти с отчаянием, после развязки задумываются. В общем, ведут себя ровно так, как хотел того великий русский писатель.

Голомазов разрушил «Ревизору» репутацию школьного сочинения, которое ставить можно только двумя способами — по старинке, а значит — скучно, или уйдя в необъяснимый гламурный отрыв, осовременивая то, что осовременивать не нужно. Нет, режиссер отдал дань новым методам, — место действия он перенес, но не ради принципа, а ради смысла. В 30-х годах XX века в России приезд человека с правом вынесения вердикта означал опасность реальную. Могла погибнуть не только репутация. Таким образом, в голомазовской версии «Ревизора» парализующий страх перед разоблачением вырисован выпуклее, яснее, а герои не только карикатурно, но отталкивающе безобразны в своем унижении. То, на что Гоголь только намекал, голомазов сделал главным моралите, — ничего нет хуже, чем придумать карателя и бояться того, кого нет.

Впрочем, страна советов маячит в этом спектакле только призраком, — о ней намекают белый мундир Хлестакова и опустившиеся плечи городничего, оказавшегося кабинете НКВД сразу по приезде настоящего ревизора. Все основное происходит в каком-то неведомом пространстве без четких признаков места. Художник-постановщик Вера Никольская оформила сцену как деревню на воде. Персонажи без конца перекидывают мостики через топи и пытаются не свалиться с лесов недостроенных сараев и изб.

Хлестаков в Театре на Малой Бронной — отнюдь не подарок поклонницам Страхова-мачо.Голомазов заставил актера примерить образ человека некрасивого и неумного. Надеть личину фитюльки и ничтожества, вдруг оказавшегося в эпицентре интересов сглупившей общественности. Хлестаков по его версии — это некий безвольный и безмозглый мальчик, находящийся на попечении у богатого родителя. Гоголевская гипербола превратилась у Страхова в достоверный образ, уродливо комичный и остросоциальный. Внешне герой страхов суетлив и деятелен, внутренне давно окостенел. Хлестаковский характер страхов решил верно, но стопроцентно убедительным его сделать не смог. Как ни прискорбно, дал о себе знать типаж, — внешность актера в данном случае сыграла с ним злую шутку, — оказалась эффектнее, чем нужно его герою.

В остальном спектакль удался. Зритель с горечью приходится признать: российские закономерности, с любовью выписанные гоголем еще в царские времена, не потеряли свою актуальность ни в веке XX, ни в XXI и, скорее всего, не потеряют никогда. Ложь, скудоумие и скаредность повсеместны, хлестаковщина цветет пышным цветом, а страхи, большие и маленькие, правят человеческими судьбами на раз-два.

Наталья Витвицкая,

[ свернуть ]


«Сирано де Бержерак» Театра на Малой Бронной продолжает трогать сердца Режиссеру Павлу Сафонову удалось порадовать поклонников традиционного театра

6 февраля 2016
www.teatrall.ru Свою историю о Сирано поставил в Театре на Малой Бронной режиссер Павел Сафонов. Поставил иронично, современно, искренне, без всякого пафоса, при этом возвышенный слог давно ушедшей эпохи звучит на сцене Малой Бронной все в том же классическом перево... [ развернуть ]

www.teatrall.ru

Свою историю о Сирано поставил в Театре на Малой Бронной режиссер Павел Сафонов. Поставил иронично, современно, искренне, без всякого пафоса, при этом возвышенный слог давно ушедшей эпохи звучит на сцене Малой Бронной все в том же классическом переводе Татьяны Щепкиной-Куперник без «хирургических» и прочих вмешательств, за что отдельное спасибо постановщику.

На «Сирано де Бержерака» смело можно вести даже младших школьников, правда, начитанных и терпеливых, ибо спектакль идет долго. Поклонники традиционного театра будут довольны: новомодные сюрпризы их не ждут, разве что некоторые костюмы от художницы Евгении Панфиловой вызывают удивление и заставляют задуматься, что само по себе неплохо. Некоторые из них словно сшиты для шутовского карнавала, но это как раз вполне логично, ведь на карнавале царит главный шут — Сирано.

Павлу Сафонову удалось открыть новую грань таланта исполнителя главной роли Григория Антипенко. Этот драматический актер с героической внешностью и мужской харизмой уже не раз удивлял своих друзей и поклонников. Не так давно он взял новую для себя высоту, сыграв в хореографическом спектакле «Отелло» театра Вахтангова (после этой роли актера пригласили в прославленную труппу вахтанговцев), и вот теперь другая высота — заглавная роль с неожиданно комедийным рисунком — Сирано де Бержерак. У Григория Антипенко, оказывается, есть комическое начало, и, самое замечательное, он не боится быть смешным. Тем, кому посчастливилось в свое время видеть вахтанговскую ироническую сказку «Принцесса Турандот», никогда не забыть невероятно уморительных Михаила Ульянова, Николая Гриценко и Юрия Яковлева — великих трагических актеров, с явным удовольствием играющих в комедии дель арте. В спектакле Павла Сафонова комедию «ломает» великий безумец, сходящий с ума от несоответствия своей грубой внешности и тонкой ранимой души.

Трагедия Сирано — в огромном уродливом носе, но именно это уродство, сопровождающееся, как водится, комплексом неполноценности, сделало из одиночки Сирано прославленного храбреца и гениального поэта. Актеру Григорию Антипенко гипертрофированный нос, возможно, мешает видеть и говорить, зато помогает лучше чувствовать своего героя.

Мудрой Роксане (Ольга Ломоносова) недостаточно любоваться внешностью красавчика Кристиана (Дмитрий Варшавский): она, как настоящая женщина, любит ушами и хочет все время наслаждаться остроумными горячими речами Сирано. Лишь шаг отделяет Роксану и Сирано от счастья. Шаг, но законы жанра соблюдены, низкая комедия восходит к трагедии, герой гибнет, великая безнадежная любовь достается вечности.

Художник Мариус Яцовскис не стал нагружать сцену тяжелыми декорациями. Она оживает лишь с появлением персонажей. Какая-нибудь мелкая деталь преображает часть сцены в военный лагерь, а другая – в кондитерскую. И сразу веришь, что перед тобой – не актеры, то и дело снующие туда-сюда по сцене, а бравые гвардейцы короля, вечно ищущие приключений на свою голову, или веселый кондитер, или богатый и уверенный в своей неотразимости граф де Гиш (в замечательном исполнении Ивана Шабалтаса).

Еще одним героем этого блестящего ансамбля становится музыка, без которой зритель не получил бы полный комплект впечатлений, ювелирно собранный режиссером. Музыка Фаустаса Латенаса выразительно отобразила всю эту несправедливую жизнь с драками, войнами, обманом — жизнь, с которой примиряет лишь яркий свет большой любви.

Лариса Каневская, 13.03.2015

[ свернуть ]


Он быть хотел самим собой

6 февраля 2016
«Театральная афиша» В сезон расцвета «актуального» театра этот спектакль режиссера Павла Сафонова поражает своей театральной вневременностью и одновременно вечно современной темой о «странностях любви». Знаменитая романтическая драма Эдмона Ростана здесь звучит свеж... [ развернуть ]

«Театральная афиша»

В сезон расцвета «актуального» театра этот спектакль режиссера Павла Сафонова поражает своей театральной вневременностью и одновременно вечно современной темой о «странностях любви». Знаменитая романтическая драма Эдмона Ростана здесь звучит свежо, темпераментно, ярко. А ее новая мелодия, подсказанная композитором Фаустасом Латенасом, сложна, переменчива и наполнена страстью.

Новый бесчувственный век словно бы наступил на сцену громадной каменной ступней, помещенной сюда художником Мариусом Яцовскисом. Все же остальные места действия складываются на наших глазах из театральных кофров, способных обернуться шкафами, балконами и оборонительными сооружениями.

Не отрекаясь от романтизма, режиссер избавляет его от пыльного пафоса, привнося в спектакль и юмор, и смешные пантомимические эпизоды, и гротесковые моменты. Как забавно Сирано (Григорий Антипенко) диктует почти на языке глухонемых любовные фразы красавцу Кристиану (Дмитрий Варшавский), как виртуозен их «перевод», пока бедняга Кристиан буквально не валится с ног от непривычных умственных усилий. Но тут, согласно сюжету, упасть можно прямо в объятия дерзкой и своенравной Роксаны (Ольга Ломоносова).

И все же Сирано в исполнении Григория Антипенко здесь явный бенефициант, хотя артист ни в коей мере не разрушает уверенно складывающегося актерского ансамбля. За ним следишь, не отводя глаз, даже если он молчит, а где­-то рядом происходит темпераментное действие. С бледным лицом и огромным накладным носом он здесь изначально так душевно красив и убедителен, что обидно становится за так поздно прозревшую Роксану. Антипенко блистательно играет не только боль от безответной любви, но и самую высокую трагедию от страстного желания и невозможности «быть самим собой». Нос словно становится символом этой невозможности. И только перед смертью в финале он отбросит его как ненужную деталь и не умрет, кажется, но перейдет в вечность, которая поможет осуществить это заветное желание. Антипенко ведет свою роль тонко и страстно, принимая участь «вечно второго» и бунтуя против этой несправедливости. В нем нет ничего подчеркнуто героического, он может быть смешным и нелепым, но этот Сирано становится в спектакле Сафонова камертоном чувства самой высшей пробы, справедливости и Надежды, призрачной и вечной театральной надежды на то, что любовь победит все предрассудки.

Ирина Алпатова, 01.2015

[ свернуть ]


Леонид Каневский: «Как играть классические роли, знают все» После девятнадцатилетнего перерыва актер вновь репетирует на сцене Театра на Малой Бронной — городничего в гоголевском «Ревизоре».

6 февраля 2016
Time out москва № 47 / 29 ноября — 5 декабря 2010г. Вы когда-нибудь мечтали об этой роли? Честно говоря, никогда не мечтал, но, когда приехал в Москву в 17 лет поступать в театральный, читал как раз монолог городничего. Так что мне было очень приятно получить предл... [ развернуть ]

Time out москва № 47 / 29 ноября — 5 декабря 2010г.

Вы когда-нибудь мечтали об этой роли?

Честно говоря, никогда не мечтал, но, когда приехал в Москву в 17 лет поступать в театральный, читал как раз монолог городничего. Так что мне было очень приятно получить предложение Сергея Голомазова и поработать с таким материалом, потому что, во-первых, роль — классическая, а во-вторых, это случай вернуться на круги своя — в театр, где я служил с 67-го по 91-й год.

Городничий Голомазова совпадал с вашим о нем представлением?

Дело в том, что, как играть городничего, Хлестакова и вообще классические роли, — знают все. Поэтому у тех, кто придет на спектакль, может быть, что-то совпадет, а что-то — нет.

В качестве вашего «оппонента» — Хлестакова — здесь неожиданно предстанет Даниил Страхов. Как вы оцениваете комические способности такого секс-символического актера?

Я ценю его не как комика, а как замечательного артиста. И в «Ревизоре» он замечательно раскрывается — наивно, трогательно, драматически и, в результате, смешно. Но на разговор о спектакле до премьеры вы меня не расколете! Я пятьдесят лет живу и работаю в театре и имею опыт хранения маленьких тайн спектакля.

А вы собираетесь вернуться в штат Театра на Малой Бронной — или это тоже тайна?

Я не думал о возвращении, поскольку я - артист театра «Гешер». Но я с удовольствием работаю на сцене Театра на Малой Бронной, тем более что в «Ревизоре» заняты мои старые коллеги — Гена Сейфуллин и Витя Лакирев. И мы всякий раз вспоминаем репетиции с Анатолием Васильевичем Эфросом — нашим гениальным учителем. Эфрос был со мной всегда, даже работая в другом театре, я представлял себе, что бы сказал Анатолий Васильевич по поводу моего существования на сцене.

В репертуар Театра на Малой Бронной вошел еще один спектакль с вашим участием — «Поздняя любовь» по рассказу Зингера. В качестве антрепризы он с успехом гастролировал по миру. Предубежденность к антрепризе — российская национальная черта?

Предубежденность есть, но тем не менее верят как-то артистам. Мы только что вернулись из Америки, на шести спектаклях были полные залы и нам говорили: «Спасибо за хороший спектакль, а то когда привозят халтуру — так обидно, так обидно!»

В этом спектакле вы играете любовь. Предпочитаете играть любовь или что-нибудь другое?

Я люблю играть хорошие роли! В которых есть и любовь, и нежность, и страсть, и злость, и ненависть, и юмор, и ирония, и самоирония. И все это, кстати, присутствует в городничем.

По-вашему, городничие со времен гоголя эволюционировали или деградировали?

Вы послушайте текст самого гоголя: «Нет человека, который бы за собою не имел каких-нибудь грехов. Это уже так самим богом устроено, и вольтерианцы напрасно против этого говорят».

Светлана Полякова, 29.11.2010

[ свернуть ]


Живая история

6 февраля 2016
Независимая В Театре на Малой Бронной — премьера. Худрук Сергей Голомазов поставил пьесу Леонида Зорина «Варшавская мелодия». Сказать, что режиссер вернул пьесу сорокалетней давности, нельзя, поскольку и он сам не так давно ставил ту же пьесу в риге, а в прошлом год... [ развернуть ]

Независимая

В Театре на Малой Бронной — премьера. Худрук Сергей Голомазов поставил пьесу Леонида Зорина «Варшавская мелодия». Сказать, что режиссер вернул пьесу сорокалетней давности, нельзя, поскольку и он сам не так давно ставил ту же пьесу в риге, а в прошлом году в Москве можно было увидеть спектакль в постановке Льва Додина. Чтобы поставить «Варшавскую мелодию», нужны, как известно, всего два актера, конечно, два хороших актера: премьеру в Вахтанговском театре, в 1967 году, сыграли Юлия Борисова и Михаил Ульянов.

Чтобы поставить «Варшавскую мелодию» на Малой Бронной, Сергей Голомазов вспомнил о Данииле Страхове, который когда-то, окончив театральное училище, сыграл у Голомазова в спектакле «Петербург» в Театре имени Гоголя. А на роль гордой полячки, студентки московской консерватории, а потом — певицы Гели пригласил Юлию Пересильд, окончившую ГИТИС  у Олега Кудряшова и сегодня занятую и в «Шведской спичке», дипломном спектакле «кудряшей», и в «Рассказах Шукшина» Театра Наций. Страхов во многих случаях играет точно, не выпадая из истории, и, хочется верить, от спектакля к спектаклю наберет содержание. Пересильд же и прежде, в том числе и в «Рассказах Шукшина», казалась чрезвычайно способной. В спектакле Алвиса Херманиса за внешней деревенской характерностью все время чувствовалось и содержание, понимание Шукшина.

Первое, что хочется сказать: пьеса поразительно современна. Хотя режиссер, как показалось, в нескольких местах чуть спрямил более сложные у Зорина разговоры, диалоги «Варшавской мелодии», часто напоминающие стихомифию — быстрый и резкий обмен репликами в греческой трагедии. Сами фразы у Зорина могут быть и не столь короткими, но афористичная острота реплик, скорость реакций, конечно, адресует к высокой традиции. 

Ушла в историю советская власть, помешавшая соединению Виктора и Гели, издавшая в 1947 году указ о запрете браков с иностранцами. Остался, никуда не исчез, наверное, никогда не исчезнет — вечный диалог России и Европы, в пьесе Зорина «материализованный» в двух героях, Викторе и Гелене. Отвлекаясь от эмоционального впечатления — а пьеса Зорина сильна именно прямым эмоциональным зарядом, когда невозможно ничего поделать с собой, слезы катятся, и ты, точно чеховским героям, сочувствуешь и гордой Гелене, и пасующему перед «обстоятельствами непреодолимой силы», жалкому «победителю» Виктору. 

Пересильд «открывает» свою героиню через узнаваемый польский акцент, эта дистанция проходит с ней с первой до последней реплики. Но еще сильнее, чем акцент, действует взгляд актрисы, даже в самые захватывающие минуты отстраненный, сохраняющий дистанцию. И - как и Европа для России — тем сильнее она влечет к себе Виктора… Чем дальше, тем желаннее. тем яснее, что счастья не будет, оно невозможно. Юлии Пересильд замечательно удалось сыграть именно это: любовь и одновременную способность остановиться, не отдаться ей целиком, ибо, если отдаться чувству, погибнешь скорее, чем — так… Надежда и безнадежность, — казалось бы, невозможное сочетание. Тем не менее выходит очень чеховская история: жизнь проходит — на наших глазах, заставляя героев встречаться спустя десять лет, потом — еще спустя десять, — и ничего не меняет.

Григорий Заславский, 30.11.2009

[ свернуть ]


Легенда о любви

6 февраля 2016
Российская газета Николай Погодин неоднократно повторял: лучший способ поддержать драматурга — поставить его пьесу. Перефразируя эти слова, можно сказать: лучший способ поздравить юбиляра — поставить его пьесу. Именно так и поступил сейчас Театр на Малой Бронной, о... [ развернуть ]

Российская газета

Николай Погодин неоднократно повторял: лучший способ поддержать драматурга — поставить его пьесу.

Перефразируя эти слова, можно сказать: лучший способ поздравить юбиляра — поставить его пьесу. Именно так и поступил сейчас Театр на Малой Бронной, отметивший 85-летие Леонида Зорина постановкой «Варшавской мелодии», впервые появившейся на сцене Театра имени Евгения Вахтангова в 1967 году.

Далеко не каждой пьесе удается прожить столько лет и выдержать такое количество представлений на многих подмостках мира. На мой взгляд, причину надо искать в том, что автор обратился к теме, не ограниченной временным пространством. Как неограниченной теме связанные с именами Ромео и Джульетты, Тристана и Изольды, Тахира и Зухры… Любовь во все времена остается любовью. И когда на ее пути встречаются любые препятствия, она становится трагедией независимо от того, кто эти препятствия создает.

Надо было видеть восторженные лица зрителей, чтобы понять, до чего же мы все истосковались по нормальным человеческим взаимоотношениям! Да, конечно, зорин написал прекрасную пьесу, его диалоги сродни репризам, они полны юмора и философского смысла. Да, Сергей Голомазов отнесся к судьбе Гелены и Виктора с состраданием; ему не кажется, что у пьесы благополучный финал, хотя сталинский указ, запрещающий браки с иностранцами, давно почил в бозе. Но любить по-настоящему и быть счастливым сегодня ничуть не проще, чем в средние века или 50 лет назад — вот ведь о чем идет речь и что вызывает живой отклик в зале.

Конечно, своим успехом спектакль обязан не только автору и режиссеру, но и всем его создателям. Это и Юлия Пересильд — Гелена, и Даниил Страхов — Виктор: им посчастливилось сыграть на сцене любовь, что удается далеко не всем и не всегда. прекрасные работы, многообещающий дебют. Но нашей благодарности заслуживают и художник Вера Никольская, и музыкальный руководитель Аида Хорошева и, конечно, Фредерик Шопен, чья музыка стала лейтмотивом всего представления, стоящего того, чтобы его посмотрели зрители разных поколений, не позабывшие, что такое любовь, и те, кому еще только предстоит узнать, какое же это великое чувство.

Борис Поюровский, 1.12.2009

[ свернуть ]


«Вот что означает „живет в роли“»

6 февраля 2016
Коммерсант Премьера театр Московский Театр на Малой Бронной показал премьеру спектакля «Варшавская мелодия» по пьесе Леонида Зорина в постановке главного режиссера театра Сергея Голомазова. Свидетелем очередного возрождения знаменитой советской пьесы стал роман Долж... [ развернуть ]

Коммерсант

Премьера театр
Московский Театр на Малой Бронной показал премьеру спектакля «Варшавская мелодия» по пьесе Леонида Зорина в постановке главного режиссера театра Сергея Голомазова. Свидетелем очередного возрождения знаменитой советской пьесы стал роман Должанский. 

Хорошие мелодрамы, как известно, не умирают. Пьеса «Варшавская мелодия» была написана в середине 60-х и тогда же стала весьма популярна. Собственно говоря, она никогда надолго не исчезала с театральных афиш, но в последнее время можно говорить о ее втором рождении: два года назад весьма интересный спектакль появился у Льва Додина в питерском Малом Драматическом театре, нынешняя премьера на Малой Бронной наверняка тоже не пройдет незамеченной, и вполне допускаю, что это не конец, а лишь гребень новой волны интереса к сочинению недавно отметившего 85-летие мэтра драматургии Леонида Зорина. Легче всего объяснить приход сей волны всеобщей ностальгией по всему советскому, а значит, и по советскому репертуару. Но, скорее всего, причина заключается лишь в том, что это хорошая пьеса, в которой всего две роли, обе роли главные, и не найдется ни одной зрительницы, которая не проронит на «Варшавской мелодии» хотя бы одной слезы.

Итак, вновь в 1946 году знакомятся на концерте в Москве двое, полька Геля, студентка московской консерватории, и недавний солдат армии-победительницы, а теперь студент и будущий технолог-винодел Виктор, Опять они гуляют по зимней столице, влюбляются друг в друга, потом узнают о том, что Сталин запретил браки с иностранцами — и расстаются, чтобы встретиться через десять лет в Варшаве и еще через десять в Москве, все больше отдаляясь от своей молодости и друг от друга, все отчетливее понимая, что лучшее в их жизни позади.

Время, впрочем, многое изменило в подходах к этой пьесе. Если 40 лет назад роли поручали популярным артистам, которые на момент премьеры были ровесниками, а то и чуть старше своих персонажей в конце пьесы, то теперь актеры ближе по возрасту к Геле и Виктору в первой сцене. Так было в МДТ, где «Варшавскую мелодию» сыграли вчерашние студенты Данила Козловский и Уршула Магдалена Малка, так сделали и на Бронной, где их играют Даниил Страхов и Юлия Пересильд — оба уже хорошо известны зрителям, но все-таки довольно молоды.

Прежде актеры точно смотрели на молодость своих героев (а значит, и на свою) с вершин собственной зрелости. Теперь — заглядывают в будущий возраст, хотя для них самих что 40-е, что 60-е годы прошлого века — древность. Им не нужно, даже неявно, «оправдывать» свой возраст, поэтому, наверное, они с готовностью принимают идеи режиссеров, ставших сегодня гораздо более строгими по отношению к персонажам. Лев Додин в спектакле МДТ по обыкновению судил все советское общество и власть, которая ломала людей. Сергей же Голомазов ни к каким социальным обобщениям не стремится. Но последняя сцена его спектакля по отношению к героям просто сатирически беспощадна: Геля, ставшая знаменитой певицей, словно мраморная статуя стоит на сцене, а доктор винодельческих наук Виктор, больше похожий на робкого бухгалтера-неудачника, тихонько спускается в зрительный зал на откидной стульчик. Не сумев спасти и отвоевать у обстоятельств свою любовь, она превратилась в театральную «снежную королеву», а он, бывший сладкий красавец, в заурядного сморчка. Правда, потом, на аплодисменты, они вновь превратятся в молодых слушателей концерта Шопена в московской консерватории 1946-го года.

По ходу спектакля режиссер несколько раз напоминает о себе — например, когда заставляет героев многозначительно бродить в декорациях Веры Никольской, перебирать струны, из которых состоят высокие холодновато-серые стены, а гелю еще и забираться на выставленную вдоль одной из стен мебель. К игре актеров эти ритуальные постановочные «ходы», по правде говоря, ничего не добавляют. Иногда — мешают, потому что главное в спектакле все равно — дуэт двух главных героев.

Господин страхов искренне старается. Предположим, что первенство госпоже Пересильд он уступает просто как истинный джентльмен и любимец лучшей половины аудитории. И она своего не упускает — одна из самых многообещающих молодых актрис современного русского театра проводит спектакль с таким чувством и с таким невесть когда успевшим оформиться мастерством, что глаз от нее не оторвать. Она ироничная и трепетная, она гордая и чуткая, она готова к чувству и вместе с тем, кажется, предчувствует их общее поражение. 

Так получилось, что вместе со мной на спектакле оказался знаменитый немецкий режиссер, худрук прославленного театра «Шаубюне» Томас Остермайер. «Вот теперь я наконец понял,- сказал он после спектакля,- что означает русское выражение „живет в роли“, а раньше подозревал, что это какая-то очередная ваша легенда».

Роман Должанский, 2.12.2009

[ свернуть ]


Пан, который пропал.

6 февраля 2016
Культура Первая мысль, конечно же, такая: а о чем они сегодня будут играть эту пьесу? Мысль, кстати, вызванная абсолютными штампами восприятия. «Варшавская мелодия» Леонида Зорина, написанная в 1966-м и в 1967-м получившая сценическую жизнь в наиболее прославленных ... [ развернуть ]

Культура

Первая мысль, конечно же, такая: а о чем они сегодня будут играть эту пьесу? Мысль, кстати, вызванная абсолютными штампами восприятия. «Варшавская мелодия» Леонида Зорина, написанная в 1966-м и в 1967-м получившая сценическую жизнь в наиболее прославленных спектаклях Театра имени Евг.Вахтангова и Театра имени Ленсовета, до сих пор ассоциируется с проблемами «железного занавеса» и прочими политическими перипетиями послевоенной эпохи. Пьеса, конечно, порой ставится и в наши дни, но шлейф театральной легендарности тянется все же оттуда, из 60-х, от актерских дуэтов Юлии Борисовой и Михаила Ульянова, Алисы Фрейндлих и Анатолия Солоницына. Ментальность того времени явно содержала в себе приоритеты общего над частным, а потому и судьбы героев пьесы, Виктора и Гелены, казалось, были намертво вписаны в это «общее». Убери его (что и случилось впоследствии), и ничего не останется.

А оказалось, все не так. Оказалось, главное — это «история любви», которую обещает зрителям театральная программка. Абсолютная «вечность», как и неизменность, человеческих чувств — той же любви, предательства, осторожности, страха, непонимания, сожаления. .. Продолжать можно до бесконечности. Тут, конечно, первый поклон — драматургу Леониду Зорину. Громких пьес, вышедших из-под пера писателей его поколения, было множество, и они на определенный срок даже составляли театральную славу. Но ныне уцелели немногие, прочие же перешли в категорию «истории советского театра и драматургии». Оказалось, что все эти политические моменты «Варшавской мелодии» — не более чем временной антураж, лишь аккомпанирующий сути, но ее не заслоняющий. Сам же текст, который никак не модернизирован режиссером и художественным руководителем театра Сергеем Голомазовым, волнует по-прежнему, эмоционально откликаясь как в молодых актерах Юлии Пересильд и Данииле Страхове, так и в зрителях самых разных возрастов.

В этом-то, наверное, и есть главная изюминка спектакля, помимо, конечно, актерского состава. Голомазов отнюдь не старался непременно доказать современность пьесы, или вписать ее в нынешний жизненный контекст, или заняться еще какой-нибудь актуализацией «Варшавской мелодии». Нет, его доверие к драматургу оказалось абсолютным, а пьеса, как уже было сказано, явила свою принципиальную состоятельность.

режиссер и сценограф Вера Никольская никак не смещают временные акценты. Камерная, по сути, пьеса вписана в так называемый «большой стиль», присущий тому, послевоенному времени. Сценическое пространство, затянутое своеобразными жалюзи-струнами, уходит ввысь. Эти струны то и дело дрожат и вибрируют — от шопеновских мелодий, от актерских прикосновений. Музыка ветра, мелодия московской метели… Помимо всего прочего, это еще и очень красиво. Музыка здесь — это атмосфера и «среда», порой словно бы провоцирующая и мысли, и ощущения, и поступки. Акцентирующая их, предваряющая или создающая то самое послевкусие, о котором много говорит Виктор, студент-винодел. Здесь угадывается фрагмент органного зала, стоит старенькое пианино. Есть и иная, бытовая утварь — кровать с металлическими спинками, столик, стулья. И все это словно бы припорошено то ли нетающим московским снежком, то ли символической «пылью времени». Да и одеяния героев (гимнастерка, смешная шапочка с длинными ушками, легкие платьица) скроены по ностальгическим модным лекалам.

Но при этом Сергей Голомазов зачастую оказывается ближе к музыкальной романтике, нежели к бытовой истории. Он словно бы приподнимает эту реальную жизненную ситуацию над самой жизнью, над грубоватыми земными условностями. Музыку дополняют не менее романтические танцевальные импровизации, где замедленная польская мазурка вступает в гармоничный дуэт с разудалой русской плясовой. А тогда и слов никаких не надо, ведь эта ментальная пластика куда красноречивее дотошных вербальных пояснений. 

В этой дуэтной истории лидирует все-таки женщина, Гелена Юлии Пересильд. Так то ли задумано, то ли получилось. Виктор Даниила Страхова — человек явно ведомый. У молодого артиста, взлетевшего ныне на вершину зрительских рейтингов (спасибо «Исаеву» Сергея Урсуляка), некие кинематографические «крупные планы» и подчеркнутое изображение эмоций подчас доминируют над утонченной психологической непрерывностью. У Страхова — мерцающий пунктир, у Пересильд — сплошная изящная линия, со всеми ее эмоциональными изгибами и завитушками. Но в этом конкретном спектакле так, наверное, и должно быть. И снова поклон Леониду Зорину: немногие мужчины, берущиеся писать о женщинах, способны угадать и передать все эти нелогичные чувственные порывы, вспышки кокетства и почти агрессии, страсть и страх, чтобы все это читалось как абсолютная психологическая истина, а не как оценивающий взгляд со стороны противоположного пола.

Юлия Пересильд, до широкой известности еще не доросшая, меж тем — актриса уникальная. Таких мало. Может быть, единицы. В «Рассказах Шукшина» она блистательно комедиантствовала, не уступая в мастерстве более опытным звездам. В «Варшавской мелодии» она живет — так, как сегодня почти никто уже не умеет, делая лицедейство и полузабытое «перевоплощение» одним целым, когда пресловутой «иголочки» между ней и Геленой не просунешь, как ни старайся. В течение почти трех часов сценического времени проживает те самые 20 лет, о которых идет речь в пьесе. 20-летняя кокетливая и гордая полька, студентка консерватории с жаждой «морального превосходства». 30-летняя певица с надломленным внутренним миром. 40-летняя ледяная «дива», умеющая удержать себя в высокомерной и напускной броне. Грим — да, он есть, но мало что значит, потому что глаза — другие, голос, «нутро».

И этот больной нерв прошедшей, но, кажется, так и не закончившейся войны, войны с польским акцентом… Он чувствуется постоянно, пульсирует даже в те моменты, когда девушке о нем полагается забыть по законам природы. Пересильд играет не только текст, но и то, что заключено между словами и между годами, играет паузы и зоны молчания, подчас достаточно протяженные, но отнюдь не пустые.

В финале этого спектакля в ход и впрямь идет занавес. Но не тот, «железный», а реальный бархатный занавес Театра на Малой Бронной, начинающий играть роль некой пограничной полосы. Ссутулившийся и как-то сразу потерявшийся Виктор — Страхов оказывается в зрительном зале, среди публики. И с первого ряда восторженно, но уже и безнадежно смотрит на шикарную певицу на сцене, меж тем как занавес медленно закрывается. Не только для публики, но и для персонажа Страхова тоже. Кто-то может сказать, что навсегда. Но, как известно, у «Варшавской мелодии» есть авторское продолжение, пьеса «перекресток», где героям будет подарена еще одна встреча. Хотя, на самом-то деле, многоточия в финале этой истории, увы, так и не случится.

Ирина Алпатова, 3.12.2009

[ свернуть ]


Шопен, если вы не возражаете Актер Даниил Страхов сыграл безвольного человека

6 февраля 2016
Газета В минувшую пятницу в Театре на Малой Бронной состоялась премьера спектакля «Варшавская мелодия». В конце 60-х эту пьесу Леонида Зорина считали историей о том, как сталинская система разрушила счастье двух влюбленных — польской девушки и советского парня. Пост... [ развернуть ]

Газета

В минувшую пятницу в Театре на Малой Бронной состоялась премьера спектакля «Варшавская мелодия». В конце 60-х эту пьесу Леонида Зорина считали историей о том, как сталинская система разрушила счастье двух влюбленных — польской девушки и советского парня. Поставив ее, режиссер Сергей Голомазов обнаружил в «Мелодии» новые ноты.

Пьесу Зорина большинство из нас помнит по телеспектаклю театра имени Вахтангова, в котором Гелю и Виктора играли Юлия Борисова и Михаил Ульянов.

В нем счастью героев мешал только политический режим. Взаимная симпатия возникала между ними с первого момента. Ироничная польская панна, студентка консерватории и будущая певица, кокетничала с недавним фронтовиком и будущим виноделом-технологом. Но их счастье разрушал указ 1947 года, запрещающий браки с иностранцами. Герои снова встречались через 10 лет, когда обоих связывали семьи, и еще через 10, когда семей уже не было, но время было упущено.

Сергей Голомазов трактует эту историю иначе. В его спектакле в расставании Виктора и Гели виноваты вовсе не государственная машина и не конкретный политический режим, а слабость и трусость Виктора (Даниил Страхов). Его готовность к компромиссам и уверенность в том, что «человек не волен в своих поступках».

И еще это история о людях из разных миров — тоталитарного и свободного. Геля (Юлия Пересильд), приехавшая учиться в Москву, всего боится и воспринимает этот город как враждебный. Ей здесь холодно и страшно. страшно, потому что она, недавно пережившая фашизм, снова оказалась в авторитарном государстве. Гелю пугают вопросы «Вы наша или не наша?», «А что вы у нас делаете?» и поначалу пугает Виктор, который вроде бы в шутку задает эти самые вопросы с интонацией Гэбиста, изловившего шпионку. Узнав его получше, геля ненадолго оттаивает, чтобы позже осознать: она боялась не напрасно и надеяться в жизни можно только на себя.

Спектакль наполнен музыкой Шопена. Ее подолгу слушают, она звучит в паузах, даже декорации состоят из множества струн. Перебирая по ним пальцами, герои извлекают музыкальные звуки (художник Вера Никольская). Но чем прекраснее музыка, тем безысходнее ситуация, в которой они оказались. Оба молодых актера рисуют точные и богатые оттенками психологические портреты. Но на первый план выходит героиня.

Жизненный путь героев напоминает график с двумя линиями: одна направлена вверх, другая — вниз. Вверх движется геля. Она, хоть ее жизнь после расставания с Виктором явно не сахар, становится известной певицей. Встречаясь с ним в последний раз, геля похожа на настоящую примадонну. Она слишком сильна духом, чтобы позволить себе проявление чувств. И очень красива: в 40 с небольшим Геля выглядит гораздо элегантнее и эффектнее, чем в юности.

Чего не скажешь о Викторе. Он постарел, как-то потяжелел и кажется таким же безвольным и расплывшимся, как его мешковатый шерстяной кардиган. Страхов удивительно точно передает это почти старческое безволие и неспособность на поступок.

Режиссер Сергей Голомазов: «Мне хотелось поговорить о теме насилия, в котором мы выросли»

Я не согласен с теми, кто считает пьесу Леонида Зорина «Варшавская мелодия» устаревшей. Действительно, указ 1947 года, который запрещал жениться и выходить замуж за граждан других стран, разлучивший героев этой пьесы, в наши дни уже отменили.

но мы сейчас становимся свидетелями того, как разъединяют целые народности, когда разлучают дочь и мать, и они не могут встретиться, поскольку живут в сопредельных государствах, когда буквально через огород проходит граница. Еще мне хотелось в этом спектакле поговорить о теме насилия, в котором мы выросли, которое является приметой чего-то очень нам знакомого. Оно и лежит в основе пьесы «Варшавская мелодия».

Ольга Романцова, 7.12.2009

[ свернуть ]


Король-нос

6 февраля 2016
vashdosug.ru На Малой Бронной — премьера. Молодой режиссер Павел Сафонов поставил героическую комедию Эдмона Ростана о длинноносом поэте и его безнадежном чувстве к кузине. Поклонники романтического театра и лично актера Григория Антипенко, готовьтесь стоять в очере... [ развернуть ]

vashdosug.ru

На Малой Бронной — премьера. Молодой режиссер Павел Сафонов поставил героическую комедию Эдмона Ростана о длинноносом поэте и его безнадежном чувстве к кузине. Поклонники романтического театра и лично актера Григория Антипенко, готовьтесь стоять в очереди за билетом.

После того как режиссер Сафонов пришел в Театр на Малой Бронной, за ним закрепилась репутация «мастера кассы», — его «Тартюф» спустя три года после премьеры собирает аншлаги. «сирано» сработан по той же схеме — беспроигрышная классика без радикальных интерпретаций, стильные костюмы Евгении Панфиловой, космическая музыка Фаустаса Латенаса и звездные актеры в главных ролях. А еще в спектакле есть все, за что мы традиционно любим пьесу Ростана, — геройская Love story, мушкетерский антураж, несовременное торжество понятий о чести и долге.

Смотрится все стильно, ярко, почти что празднично. Ругать абсолютно не за что, спектакль — беспроигрышный вариант для похода в театр с родственниками. Дальше логично было бы написать, что, при всех плюсах, продвинутые театралы вряд ли найдут в нем что-то интересное. Но…

Пьеса Ростана — произведение бенефисное, не получится герой — не получится спектакль. Тем неожиданнее кажется выбор Сафонова, режиссер отдал роль некрасивого поэта Григорию Антипенко, которого зрители знают по работам в сериалах и кино. Артист с намертво приклеенным амплуа героя-любовника, как выяснилось, способен удивить даже больших скептиков. Антипенко убедителен в трагической роли.

Разумеется, его Сирано — и отважный дуэлянт, и непревзойденный остроумец, и преданный друг, но всего важнее в нем — большая любовь и фатальное одиночество. Он — странный, угрюмый человек «без кожи», сердце его разбивается каждую минуту. А нежность не находит выхода. Такой накал трагизма нечасто встречается на современной сцене, — без единой фальшивой ноты, «пережима», сентиментальности. В Сирано–Антипенко зал влюбляется сразу и навсегда. А критики? Для них это редкий случай, когда ожидания не оправдываются. Театры не из числа главных ньюсмейкеров могут иногда радовать, а сериальные артисты — превозмогать свои амплуа.

Наталья Витвицкая, 23.10.2014

[ свернуть ]


«Сирано де Бержерак» — гимн любви и настоящему театру

6 февраля 2016
Вечером.ру Премьера в Театре на Малой Бронной о любви и о том, как важно вовремя в ней признаваться. Пьеса Ростана, написанная еще в XIX, зазвучала в наши дни с особой силой. Первое, что хочется сделать после спектакля «Сирано де Бержерак» — пойти и сказать своим бл... [ развернуть ]

Вечером.ру

Премьера в Театре на Малой Бронной о любви и о том, как важно вовремя в ней признаваться. Пьеса Ростана, написанная еще в XIX, зазвучала в наши дни с особой силой. Первое, что хочется сделать после спектакля «Сирано де Бержерак» — пойти и сказать своим близким, насколько они любимы и дороги. Пожалуй, не каждая постановка побуждает на такие действия, но эта буквально взывает к ним. 

На самом деле спектакль не только о любви. Он о нравах, о вечном споре между красотой внешней и красотой внутренней, о чести, об искусстве. Вот только любовь тут действительно все побеждает. Она буквально пронзает весь спектакль, наполняет его и заставляет зрителей в зале ощущать себя сопричастными к великому чувству. В центре сюжета — поэт Сирано (Григорий Антипенко), который ненавидит свой огромный нос, и обожает кузину Роксану (Ольга Ломоносова). Он уверен, что никогда не сможет понравиться ей, поэтому идет на хитрость: находит внешне прекрасного юношу, готового произносить ей пылкие речи, которые на самом деле пишет де Бержерак.

Спектакль, начинающийся как комедия, благодаря выдумке Сирано обращается в фарс и в итоге завершается трагедией. Режиссер Павел Сафонов блестяще выстраивает темпо-ритм спектакля. Если в начале действие бежит, развивается, то в конце замедляется. Трагическая развязка совершается при помощи длинных монологов и бесконечных признаний. 

«Театр на Малой Бронной» радует вдумчивыми и серьезными работами. В том сезоне это были «Канкун» и «Ретро», теперь «Сирано». Постановка «Сирано де Бержерак» — тот редкий случай, когда одинаково хороши и главные персонажи, и второстепенные.

Прекрасные, огромные по своей силе речи произносит главный герой. Но не менее интересны и монашки или стихи о миндальном печенье в исполнении кондитера. Актерские работы сделаны в спектакле замечательно, и это не преувеличение. 

Не менее удачны и декорации. Литовский мастер Мариус Яцовскис минимально нагрузил сцену. И кондитерскую, и казарму, и монастырь он показал весьма условно, не перегружая площадку лишними предметами. Единственно по-настоящему крупный объект на сцене — огромная каменная ступня, которой произносит свои монологи Сирано. Расшифровать этот символ можно по-разному. Кто-то увидит в этом параллель с огромным носом главного героя, а кто-то решит, что это нога кого-то большего, кто следит за происходящим сверху. В любом случае — зрителям есть о чем подумать.

Хороши и костюмы, созданные Евгенией Панфиловой. Они подчеркивают двойственное начало пьесы — трагическое и комическое. Производит сильное впечатление и музыка Фаустаса Латенаса. С каждым актом она нагнетается все больше и больше, показывается, что действие закручивается все сильнее и сильнее.

Ну и отдельная похвала, конечно же, блистательному режиссеру: Павел Сафонов имеет огромный послужной список, и в «Театре на Малой Бронной» можно увидеть его «тартюфа». Прошлое его творение на этой сцене стало настоящим хитом. Что касается «Сирано» — то это еще более мощная работа. Новое творение Сафонова — гимн любви и настоящему театру. Такому, который заставляет зрителей испытывать чувства и не бояться признаваться в них. 

Алина Артес, 18.10.2014

[ свернуть ]


Пресс-конфереция с актерами Театра на Малой Бронной в Минске

6 февраля 2016
«Комсомольская Правда-Минск» Для выступления известный театр при поддержке белорусского «Театра Ч» привез целую труппу блистательных актеров. Виктор Сухоруков, Александр Самойленко, Ольга Ломоносова, Даниил Страхов — это даже не половина списка звездного состава, ко... [ развернуть ]

«Комсомольская Правда-Минск»

Для выступления известный театр при поддержке белорусского «Театра Ч» привез целую труппу блистательных актеров. Виктор Сухоруков, Александр Самойленко, Ольга Ломоносова, Даниил Страхов — это даже не половина списка звездного состава, который три вечера развлекали публику вначале классическими постановками «Тартюф», «Ревизор», а на десерт — спектакль «Я не Раппапорт» с Львом Дуровым в главной роли.

В пресс-центре «Комсомолки» актеры с удовольствием рассказывали о своей работе, немного пожаловались на шумный ремонт.

 — Вы можете представить этот ужас, если вам проходилось делать ремонт у себя дома, когда строители входят в дом, — вздыхает директор театра Константин Чернышев. — Театр вступил в трехлетнюю полосу реставрационных работ. Они будут вестись параллельно с нашей деятельностью, артисты уже почувствовали, что это такое, когда стучат отбойные молотки, но это такая необходимость, которая нужна для того, чтобы театр продолжал жить уже в новом качестве.

 — Белорусский фестиваль «Лёстапад» каждый год приглашал вас в гости, вы, кажется, с удовольствием приезжали. А потом прекратили — что случилось? — спросили журналисты у актера.

 — Приглашают меня на этот фестиваль каждый год, — эмоционально начал Виктор. — Дело в том, что, когда в очередной раз меня пригласили на фестиваль, а в это время у меня как раз выходила великолепная картина мэтра русского кинематографа Виталия Мельникова"Агитбригада «Бей врага!». И когда я им предложил эту картину в программу, заметьте, не в конкурс, а в программу — они не взяли. Мне сказали: «Ну, у нас же есть комиссия — вы понимаете». Думаю, ну, танцуйте дальше. Я оскорбился, обиделся за Мельникова, за кино свое. И больше, сказал я тогда, на ваш фестиваль не приеду! Вот она какая была, моя меркантильная причина. Хотя фестиваль прекрасный, великолепно всегда проводится, гостей отлично принимают, хотя и здесь были вопросы. Например, когда я сидел здесь три дня без копейки денег, а потом, когда мне пришлось уезжать в Россию, пришла какая-то дама из пивного ларька, такой «булгахтер», и выдала мне зайчиками суточные. Сказала: «Мне вот только выдали». «И что же мне с этим делать? — спросил я. — Может быть, отдадите мне российскими рублями или долларами?» а она говорит: «Не положено!». И такое бывало! Люблю я этот фестиваль, и приеду сюда, конечно, если будет стоящее кино, а просто так гулять я могу и в другом месте.

 — А есть ли у нас это самое хорошее кино? И театр?

 — Театр был и будет — все зависит только от степени воздействия. И кино у нас есть, другой вопрос, сильное оно у нас или слабое, хорошо подается или плохо. Я не сторонник одного девиза, который даже прозвучал у Тарковского — мне зритель, мол, не нужен. Да все же делается для зрителя! И когда, как утверждает тот же Сакуров (режиссер. — ред.), что ему не важно мнение зрителя — тогда даже немножко странно. А зачем тогда ты это делаешь? Ты что, в замкнутом каком-то пространстве? Нужно служить людям, а не высокомерничать. А уж хорошо или плохо — найдется свой зритель, лишь бы это дышало искусством.

 — Недавно в Минске ваш старый товарищ, актер и музыкант Петр Мамонов утверждал совершенно противоположное…

 — Да? Интересно, он же деньги за свои выступления берет? Берет! Ах, Петр Николаевич лукавит! Мы давно с ним не встречались, но у нас очень хорошие дружеские отношения, но в данном случае Петр Лукавит. Он артист очень индивидуальный, эгоистичный, яростный и очень не уживчивый с другими партнерами, но работать с ним очень приятно.

 — Недавно Анжелина Джоли рассказала о том, что отрезала грудь. Как вы относитесь к такой шокирующей откровенности звезд?

 — Да вы что? Мы в Минске, со спектаклем и говорим о Джоли! Вот если бы она нашла лекарство против рака — пусть бы рассказывала, а так — зачем делится этим? Нет, я такое не поддерживаю.

Екатерина Романова, 15.05.2013

[ свернуть ]


Гастроли Театра на Малой Бронной в Минске

6 февраля 2016
Белапан С 14 по 16 мая в Минске проходят спектакли Московского Драматического Театра на Малой Бронной. При поддержке «Театра Ч» российский коллектив привез в белорусскую столицу три спектакля: «Тартюф», «Ревизор» и «Я не раппапорт». Об этом сообщил на пресс-конферен... [ развернуть ]

Белапан

С 14 по 16 мая в Минске проходят спектакли Московского Драматического Театра на Малой Бронной. При поддержке «Театра Ч» российский коллектив привез в белорусскую столицу три спектакля: «Тартюф», «Ревизор» и «Я не раппапорт». Об этом сообщил на пресс-конференции 14 мая директор московского театра Константин Чернышев.

«Это те спектакли, которые отражают сегодняшнюю жизнь Театра на Малой Бронной», — сказал Чернышев и добавил, что сейчас театр редко выезжает на гастроли. «Вывезти 60 человек труппы плюс декорации, поселить их в хороших условиях, например, в Минске — это очень дорогое удовольствие», — заметил он.

Режиссер спектакля «Тартюф» Павел Сафонов отметил, что постановка стала уникальной благодаря актерскому составу, куда входят Виктор Сухоруков, Ольга Ломоносова и Александр Самойленко.

«Мне кажется, спектакль „Тартюф“ — история очень живая, правдивая и острая, — сказал он. — Пьеса не могла бы жить 300 лет и привлекать внимание, если бы она не касалась основных моментов человеческой жизни. Мы постарались понять всех героев пьесы и не делать их глупее, чем мы сами. Это тоже привлекает людей в зрительный зал».

Актер Виктор Сухоруков в свою очередь сказал: «Я сейчас серьезно хочу поблагодарить президента Лукашенко за то, что он поздравил меня с юбилеем красивой телеграммой. Мне очень приятно, что руководитель другой страны, с которым мы не встречались, чай не пили, поздравил меня».

Актер рассказал, почему он больше не участвует в фестивале «Лёстапад», отметив между тем, что сам фестиваль «Прекрасный и великолепно проводится».

«Все равно фестиваль — это встречи, разговоры, дискуссии, где мы знакомимся друг с другом, влюбляемся или нет друг в друга», — добавил Сухоруков.

, 15.05.2013

[ свернуть ]


Вера Бабичева: «Благодаря „трем высоким женщинам“ я перестала бояться»

6 февраля 2016
„Вечерняя Москва“ 14 октября, актриса театра и кино, педагог «РАТИ» — Вера Бабичева отмечает день рождения.  Накануне в Театре на Малой Бронной Вера Ивановна сыграла одну из любимых своих ролей — актрису мадам Александру в спектакле Сергея Голомазова «Коломба, или ... [ развернуть ]

„Вечерняя Москва“

14 октября, актриса театра и кино, педагог «РАТИ» — Вера Бабичева отмечает день рождения. 

Накануне в Театре на Малой Бронной Вера Ивановна сыграла одну из любимых своих ролей — актрису мадам Александру в спектакле Сергея Голомазова «Коломба, или „марш на сцену!“. Партнеры — ее ученики — Дмитрий Сердюк, Алена Ибрагимова, Александр Бобров, Егор Сачков, Юрий Тхагалегов… Зал долго аплодировал проникновенной игре. Мало кто знает, что перед премьерой „Коломбы“ Вера Бабичева сказала себе те же слова, что и ее мадам Александра „марш на сцену!“.

 — Всю жизнь я мечтала кататься на велосипеде, но велосипеда у меня никогда не было. Мой муж — режиссер Сергей Голомазов на 20-летие нашей свадьбы (в прошлом году) подарил мне трехколесный, взрослый велосипед. Было понятно, что такому „человеку-аварии“, как я, надо учиться кататься на трехколесном велосипеде. И я села на велосипед, и рассекала по пляжу Юрмалы по 20 километров, и была так счастлива. Но уже около дома упала, и разбилась. Как можно было упасть с трехколесного велосипеда?!, — для меня остается загадкой. Врачи сделали мне операцию, вставили штыри в руку, и сказали, что через шесть месяцев я смогу поднимать руку. Но мы с Голомазовым заявили, что „через три недели у нас премьера спектакля „Коломба, и ждать мы не можем“. Я нашла врача, с которым мы стали разрабатывать руку, ведь у меня была серьезная мотивация — 1 августа 2012 года сыграть спектакль „Коломба“. И получилось! Когда у человека есть цель, и она связана с театром, с людьми, с премьерой, с учениками, то можно преодолеть самые невозможные препятствия. .. А в спектакле „Коломба, или „Марш на сцену!“ Я знаю всех и вся, кого играют. В спектакле „Коломба“ — ярко проявляется тема одиночества, безотцовщины, отсутствия заботы, недостаток любви, — рассказала „Вечерней Москве“ перед спектаклем „Коломба, или „Марш на сцену!“ Вера Бабичева.

Уже 10-й сезон идет спектакль с участием Веры Бабичевой „Три высокие женщины“ (режиссер Сергей Голомазов), попасть на который очень трудно (билеты необходимо покупать заранее). Партнеры Веры Ивановны — Евгения Симонова со своей дочерью— Зоей Кайдановской. Евгения Павловна и Зоя — давние и лучшие друзья Веры Бабичевой, с того самого момента, как Вера Бабичева, по приглашению Андрея Гончарова, приехала служить в Театр имени Маяковского из Ереванского Драматического Русского театра. „Вечерке“ Вера Бабичева рассказала о том, как создавался один из самых успешных спектаклей последнего десятилетия театральной Москвы — „Три высокие женщины“:

 — Женя, я и Зоя очень хотели сыграть что-то вместе. Однажды мне показали пьесу на английском языке, с тремя героинями — одной 92 года, другой 52, а третьей — 26, и сказала об этом жене. Переведенную пьесу дали прочитать Сергею Голомазову, и она понравилась нашему режиссеру. И мы начали репетировать, для души, для радости человеческого общения, то у жени на квартире, то у нас… Репетировали в садах, парках, словом, где придется. И 23 января 2004 года на сцене учебного театра „ГИТИСа“ сыграли нашу премьеру. Тряслись от ужаса, думая, что не найдем понимания. Ведь наши героини сидят на стульях в течение трех часов, и говорят, говорят, говорят…И вдруг вокруг этого спектакля возникла сильная волна внимания. Мы поняли, что сделали спектакль — покаяние, спектакль — откровение. ..Сергей Голомазов нам говорил, чтобы „мы ничего не играли, а были собой, заглянули в смерть, хотя это страшно“. Мы очень много плакали в этом спектакле. сейчас Плачем уже меньше. Когда Сергей Голомазов стал художественным руководителем Театра на Малой Бронной, он взял спектакль „Три высокие женщины“ в репертуар. Мы очень много гастролируем с этим спектаклем, причем не только по России, но и за рубежом. Были во всех странах Балтии, во всей Украине. Каждый раз, играя „Три высокие женщины“, мы сталкиваемся с глубокими человеческими переживаниями. И всякий раз, выходя на сцену, думаем: „А вдруг сегодня это не случится?“. Но, к счастью, всегда „случается“. „Три высокие женщины“ — самый любимый мой спектакль, и самый трудный. Этот спектакль очень многое изменил во мне самой. Так, многих вещей я перестала бояться. Прежде всего, бояться говорить себе правду, каяться, просить прощение. .. Перестала бояться того, что ждет нас в финале. Я знаю случаи, когда зрители после спектакля шли звонить своим родителям, или возвращались к своим родным, или, наоборот, разрывали отношения, — рассказала о спектакле „Три высокие женщины“ Вера Бабичева.

Этим летом Вера Бабичева с Сергеем Голомазовым выпускают очередной актерский курс в „ГИТИСе-РАТИ“, и все студенты просто обожают свою Веру Ивановну. Для них она — не только педагог, наставник, режиссер и партнер, но и близкий, родной человек, готовый всегда прийти на помощь. Педагогическая деятельность занимает большое место в жизни Веры Бабичевой, но для нее это — не в тягость, а в радость.

Анжелика Заозерская, 14.10.2013

[ свернуть ]


«Коломба»: двое против одного На Малой Бронной поставили спектакль про театральное закулисье.

6 февраля 2016
vashdosug.ru Шедевр Жана Ануя в Театре на Малой Бронной ставили долго. Сначала режиссером значился Александр Назаров, однако его вариант (представленный осенью) не принял худрук театра Сергей Голомазов. Новая «Коломба» родилась уже под его началом и только спустя по... [ развернуть ]

vashdosug.ru

Шедевр Жана Ануя в Театре на Малой Бронной ставили долго. Сначала режиссером значился Александр Назаров, однако его вариант (представленный осенью) не принял худрук театра Сергей Голомазов. Новая «Коломба» родилась уже под его началом и только спустя полгода.

Итоговый спектакль похож на телегу из крыловской басни про лебедя, рака и щуку. Его разрывают на части внутренние противоречия. В первом действии зрителю предложен крепкий комедийный фарс про престарелую театральную приму — мадам Александру (Вера Бабичева), ее якобы простушку-невестку (Алена Ибрагимова) и несчастного сына Жюльена. Кстати, генеральная линия спектакля принадлежит именно ему (еще одна очень достойная работа молодого актера дмитрия Сердюка). Вынужденный отправиться в армию, он, скрепя сердце просит мать позаботиться о жене и сыне. Так его наивная Коломба оказывается актрисой театра, который превращает ее циничную приму.

Однако после антракта совершенно искренние улыбки зрителей сменяются недоумением: комедия оборачивается трагедией. И вроде бы все логично: в жизни смех часто звучит сквозь слезы, а простушки оказываются падкими на лесть и славу. Но логика здесь не подчинена форме: анекдотичные Мизанцсены первого акта, иллюстрирующие капризы примы, лизоблюдство свиты (особенно хочется отметить Егора Сачкова в роли «дорогого поэта» Эмиля Робинэ) и вульгарные премьеры с ее участием никак не гармонируют с жуткой сердечной драмой Жюльена, разыгрывающейся во 2-ом действии. Бедняга узнает, что его жена мертвой хваткой вцепилась в новую жизнь с ее соблазнами и многочисленными удовольствиями. В финале льются настоящие слезы и случаются искренние истерики.

Сергей Голомазов в преддверии премьеры говорил о родстве ануевской «Коломбы» и чеховской «Чайки». И, действительно, похоже: звезда-мать, брошенный сын, отчаяние и разбитые судьбы. Но, согласитесь, у Чехова нет и намека на непритязательную фривольную комедию. У Голомазова она есть. Во время первых полутора часов смех в зале раздается часто, актеры, слыша его, в ответ «поддают жару» — без конца закатывают глаза, отчаянно жестикулируют, с непроницаемым лицом отпускают едкие шутки… И все это как нельзя кстати — пародия на театральные нравы обязывает. Однако резкая смена жанра перечеркивает эти актерские удачи.

В итоге, если решить для себя,что смотришь комедию, она покажется не очень-то и смешной. А если выбрать драму — то она выйдет натужной. Перед нами как будто два совершенно разных спектакля, пытающихся уместиться в на одной сцене одновременно. Это будто почувствовала и художник-постановщик Лариса Ломакина. Она предложившей разыграть историю в декорациях двух театров. На подмостках одного идут премьеры с участием матери Жюльена и Коломбы, подмостки другого отданы реальной жизни главных героев. Здесь мадам Александра предстает усталой и несчастной женщиной, Жюльен — бунтарем-неудачником, поэт, директор и актеры — дураками, а сама Коломба — хищницей в обличье голубки.

Очевидно, что фарс, и драма не могут найти точек соприкосновения, разве что зрительская любовь все оправдает и приведет всех к общему знаменателю. Во всяком случае, поверить в это легко. Спектакль сыгран с большой любовью.

Наталья Витвицкая, 19.03.2012

[ свернуть ]


Еще смешно? В Театре на Малой Бронной показали вполне актуального «Ревизора»

6 февраля 2016
«Новые Известия» Совсем недавно самым опасным обвинением в адрес любого театра при обращении к классике звучало слово «аллюзия». Иначе говоря, намек, ассоциация с явлениями современной жизни. Впрочем, так было не только вчера. Классика тем и отличается, что остается... [ развернуть ]

«Новые Известия»

Совсем недавно самым опасным обвинением в адрес любого театра при обращении к классике звучало слово «аллюзия». Иначе говоря, намек, ассоциация с явлениями современной жизни. Впрочем, так было не только вчера. Классика тем и отличается, что остается востребованной в веках: иначе какая же она классика? Другое дело, сегодня нам, может быть, понадобится «Эдип», а завтра «Тартюф». Само время выбирает произведения, способные, повествуя о прошлом, объяснить настоящее и намекнуть на перспективу в будущем.

Однако есть пьесы, которые, к сожалению, никак не могут утратить своей актуальности. Не верите? Тогда сходите на премьеру «Ревизора» в Театр на Малой Бронной. Казалось бы, комедия эта не сходит со сцены скоро почти два столетия. И дело не в недавнем юбилее автора, а в этой самой актуальности. Временами кажется, что режиссер слишком вольно обошелся с текстом — до того он звучит злободневно. и взяточничество, и коррупция, и произвол, и очковтирательство…

Почти каждая новая встреча с «Ревизором» не столько радует, сколько огорчает по причине бесперспективности существенных перемен в нашей жизни. И снова в финале возникает вопрос: «Чему смеетесь? Над собой смеетесь!»

Режиссер Сергей Голомазов занял в спектакле опытных актеров и своих вчерашних студентов. Дебютанты и ветераны составили завидную команду, где никто не пытается натянуть одеяло на себя, но и в собственные ворота, простите, мяч никто не пропустит. Ни хитрющий слуга Осип — Дмитрий Сердюк, ни Доктор Гибнер, ни слова не говорящий по-русски — Александр шульц, ни марья антоновна, барышня, знающая себе цену, увлекающаяся чтением книг и… фитнесом, — Таисия Ручковская. А сколько энергии обнаруживает в Хлестакове Даниил Страхов: ее бы направить в мирное русло. Он легко переходит из состояния полного отчаяния к абсолютной эйфории, словно дитя малое. и врет с таким упоением, что сам в это верит! 

Впрочем, активности не занимать и Владимиру Ершову — землянике, сплетнику и бестии, каких свет не видел. И Геннадию Сайфулину — Ляпкину-Тяпкину, вообразившему себя по какой-то причине вольнодумцем. И Ларисе Парамоновой — Анне Андреевне, хоть сейчас на все готовой. И Виктору Лакиреву — почтмейстеру, человеку без предрассудков и потому способному на любую пакость. И Сергею Кизасу — Добчинскому, и Егору Сачкову — Бобчинскому, в силу заданности характера не успевающим трезво оценить обстановку, — все они вертятся в одной карусели. Разве что Антон Антонович — Леонид Каневский и Хлопов — Дмитрий Асташевич живут в каком-то другом ритме. Первый старается лишний раз не суетиться, чтобы не выдать свое волнение. Второй же, похоже, от природы флегматик. И там, где другие уже все решили, он никак не может сказать ни да ни нет… 

Разумеется, театр не несет «ответственность» за то, что пьеса гоголя столько лет не теряет своей актуальности и злободневности. Больше того, думаю, Николай Васильевич и сам был бы рад, если бы сюжет «Ревизора» вдруг утратил свою актуальность. Впрочем, может быть, когда-нибудь мы и перестанем смеяться, осознав, что «Ревизор» — пьеса не такая уж смешная, скорее страшная…

Борис Поюровский, 24.01.2011

[ свернуть ]


Григорий Антипенко: «Мне мало одной жизни»

6 февраля 2016
«Театральная афиша» Актер театра и кино Григорий Антипенко меньше всего похож на комический образ самоуверенного бизнесмена Андрея Жданова, которого он сыграл в 2005 году в сериале «Не родись красивой». Пройдя нелегкий путь от студента биофака, монтировщика сцены в ... [ развернуть ]

«Театральная афиша»

Актер театра и кино Григорий Антипенко меньше всего похож на комический образ самоуверенного бизнесмена Андрея Жданова, которого он сыграл в 2005 году в сериале «Не родись красивой». Пройдя нелегкий путь от студента биофака, монтировщика сцены в «Сатириконе» к актеру, играющему мировой театральный репертуар, Антипенко не перестает ставить перед собой сложнейшие задачи, покоряя все новые и новые вершины. Не стань Антипенко актером, наверняка он бы выбрал судьбу путешественника, повторил бы путь Федора Конюхова, постоянно и в одиночку бороздящего моря и путешествующего по всему свету.

Альпинист с 17-летним стажем, Антипенко придерживается мнения, что в творчестве, как при восхождении, нельзя халтурить и хитрить. Сорваться вниз гораздо проще, чем удержаться на головокружительной высоте, но надо идти вперед и вверх. Завоеванные им пики способны вызвать зависть коллег: Орфей, Язон, Отелло, Беня Крик. Новой вершиной, которую в честь своего 40-летнего юбилея взялся покорить актер, стала заглавная роль в спектакле «Сирано де Бержерак» в постановке Павла Сафонова в Театре на Малой Бронной.

– Что послужило причиной того, что свободный художник Григорий Антипенко вдруг бросил якорь в Театре им. Евг. Вахтангова?
– Римас Владимирович позвал меня в труппу театра, когда выпускался спектакль «Отелло». Безусловно, я не мог отказаться от такого лестного предложения, тем более что меня пригласили уже как взрослого актера, со своим уже сложившимся представлением о принципах и творческой свободе.

– О каких принципах идет речь?
– Я категорически против насилия. Меня нельзя заставить делать что бы то ни было хотя бы потому, что я и слово «заставить» – понятия несовместимые. Меня можно только заинтересовать, в крайнем случае со мной можно вежливо договориться. В кино и театре всегда видно, когда актер делает то, что ему не нравится. Поэтому это один из основополагающих принципов, которому я следую и в жизни, и в творчестве.

– Первой вашей работой в Театре им. Вахтангова в качестве приглашенного артиста стал Язон?
– Благодаря Юлии Рутберг. С тех пор как Юлия сыграла мою маму в спектакле «Пигмалион» режиссера Павла Сафонова, она продолжает по-матерински заботиться обо мне и в Вахтанговском театре. Поэтому я очень благодарен ей и за это приглашение в частности. Вся сцена Язона – это фактически 25-минутный монолог, который я учил на берегах Адриатики, сравнительно недалеко от того места, где происходит действие пьесы. Поэтому вся эта история пропитана для меня вполне реальным воздухом средиземного моря, что, надеюсь, передается и зрителю.

– Чем вам был интересен Язон, ведь все-таки «Медея» – это спектакль про Медею.
– Нет, «Медея» – это спектакль про взаимоотношения этих двух эпических личностей. И поверьте, 25 минут монолога – достаточно для того, чтобы во всех нюансах рассказать о своем герое и об этой сложнейшей трагической коллизии между мужчиной и женщиной, где Язон не оправдывается, а пытается объяснить. В этой истории нет правых и виноватых.

– Во время репетиций роли «Палестинца» в спектакле «Улыбнись нам, Господи» вы быстро нашли общий язык с Римасом Туминасом?
– Было бы самонадеянным считать, что я нашел с ним общий язык. В совместной работе над ролью я только имел возможность познакомиться с его методом работы. Театр Туминаса – это театр одного режиссера. Предложения актеров, как правило, им не принимаются, потому что он заранее знает, каким должен быть спектакль. Может быть, где-то в случайной пробе он скажет «вот-вот, так хорошо», но он не будет просить вас об импровизации – напротив, покажет все сам, вплоть до интонаций. У него есть абсолютно четкая картина в голове, как должен выглядеть спектакль. Находясь внутри репетиционного процесса, я наблюдал за тем, как шьется полотно этого великого спектакля. А я убежден, что это великий спектакль, как все его работы.

– О дальнейших совместных планах вы говорили?
– Римас Владимирович – загадочная личность. О его планах не знает никто. Иногда создается впечатление, что и он сам не знает. Но интрига будущей совместной работы висит в воздухе. Надеюсь…

– Вы пришли в профессию довольно поздно. Это был осмысленный шаг человека, долго искавшего себя?
– Зная меня прошлого, никто бы никогда не сказал, что я вообще смогу выйти на сцену в качестве артиста. Я прошел долгий путь от бесформенного полена к актеру, которого приглашают играть главные роли. Это требовало постоянной работы над собой, но неизменно приносило удовольствие. Бывает, что заходишь в тупик, кажется беспросветный, но вечером выходишь на сцену и понимаешь, что другой профессии для себя не представляешь.

– Если говорить о сложных физических затратах, сразу вспоминается пластический спектакль «Отелло», в котором вы играете заглавную роль. Долго размышляли, прежде чем дать Анжелике Холиной согласие?
– От таких ролей не отказываются. Проблема была в том, что я никогда не танцевал в своей жизни, если не считать весьма посредственных проб в Щукинском училище. Для меня это было равносильно поступлению в хореографическую школу без необходимых данных. Поэтому вся заслуга того, что этот спектакль случился с моим участием, принадлежит Анжелике Холиной, которая умудрилась весь процесс обучения и убеждения меня в том, что это будет хорошо, вложить в один месяц.

– То, что вам досталась партнерша с балетной подготовкой, помогало или мешало?
– Сейчас, безусловно, помогает. И я очень благодарен ей за поддержку. Но было время, когда я страшно комплексовал, что подведу своих значительно более талантливых в этой области партнеров. Если бы не Оля Лерман, Витя Добронравов, Паша Тэхэда Кардэнас и другие участники спектакля, этого события вообще не произошло бы. Анжелике удалось так искусно сбалансировать возможности актеров в этой постановке, что у зрителей не возникает сомнений в профессионализме исполнителей. Она прекрасно понимала, что у меня нет техники и из воздуха ее не возьмешь, и терпеливо ждала, когда я буду готов, и верила. Для меня было очень лестно, когда после премьеры ко мне подошел художественный руководитель моего курса Родион Юрьевич Овчинников и похвалил за то, что я не боюсь экспериментировать и заходить в зоны заведомого дискомфорта.

– Выходит, что вы намеренно стремитесь к дискомфорту?
– Я не выношу тишины. Мне необходимо, чтобы вокруг кипела жизнь. Недаром в детстве я увлекался пиротехникой. В то время в магазинах можно было купить только бенгальские огни и пистоны для игрушечных пистолетов, поэтому все приходилось делать собственноручно. Не буду рассказывать о технологии, чтобы это не служило примером подрастающему поколению, но в комфортные 1980-е не было другого способа расшевелить пространство вокруг себя.

– именно этот пункт вашей биографии в интернете называется «испытывал любовь к естественным наукам»?
– нет, речь идет о биологии. я с детства мечтал поступить на биофак, что и привело меня в свою очередь в фармацевтическое училище, дабы немного подтянуть химию. но по иронии судьбы именно в этом училище, сидя за столом в белом халате и развешивая порошки, я окончательно убедился, что аналитическая работа не для меня. я бы, наверное, мог стать журналистом-естествоиспытателем и вести какую-нибудь программу о животных, но канала discovery в нашей стране тогда еще не было.

– И это увлечение биологией вылилось в любовь к альпинизму?
– Скорее любовь к природе в целом подтолкнула меня однажды пойти в первый мой туристический поход по горам Крыма. Можно сказать, что с этого полуострова все и началось.

– Сколько лет вы занимаетесь альпинизмом?
– С 1997 года. Хотя были остановки, перерывы, иногда даже по году. Но это не проходящая потребность. Даже когда происходили чрезвычайные ситуации, срывы, холодные ночевки и прочие экстремальные радости, все равно спустя год возникало неизменное желание обновить снаряжение, придумать себе новую вершину и – «Вперед и вверх, а там…». Это не адреналин и не экстрим, как думают многие. Альпинизм – это философия. каждая экспедиция в горы – это красивый рассказ, полноценная история, а иногда даже роман. Там за две недели удается испытать столько эмоций, сколько, может быть, один человек проживает за всю свою жизнь. Каждый день, каждая минута – это новые события и мысли, новое ощущение мира.
Помню, на прослушивании в институте Павел Любимцев спросил меня: «Зачем вы идете в профессию?» На что я, несмотря на стресс и юный возраст, неожиданно дал очень точный ответ: «Мне мало одной жизни». Горы и театр дают мне возможность прожить столько жизней, сколько захочется.

– Спектакль «Сирано де Бержерак» в Театре на Малой Бронной в постановке Павла Сафонова стал подарком, который вы преподнесли себе к 40-летию?
– В итоге получилось, что сделал себе подарок, хотя я понятия не имею, какая судьба ожидает этот спектакль. Мне даже не важно, как он будет воспринят. Главное, что я по-честному пытаюсь сыграть эту роль и использую все свои внутренние ресурсы. Чем хороша актерская профессия – совершенствоваться можно бесконечно. Нет предела. Это космос, где можно достичь такого уровня мастерства, когда можно нести информацию одним лишь появлением на сцене, обходясь без слов. Правда, это та вершина, которой могут достигнуть только единицы.

– Получается, если занимаешься актерской профессией, то предполагаешь, что тебе дано развить свой потенциал и дойти до самого высокого уровня?
– Конечно, иначе нельзя. Я перфекционист, постоянно собой недоволен и постоянно стремлюсь к совершенству. Периодически я себя останавливаю в своей самокритике, чтобы совсем не загнаться. Напоминаю себе, что есть и успехи, иначе мне бы не предлагали роли, не делали на меня ставку. Во всем должна быть мера, и в самокритике тоже.

– Вам не кажется, что пьеса Ростана сильно устарела?
– Классика не стареет.

– О чем «Сирано»?
– О любви. Согласитесь, разве эта тема может устареть?

– Вы определились для себя, кто ваш герой – поэт или борец?
– Он больше, чем поэт. Не зря и у меня, и у Паши Сафонова возникали во время репетиций ассоциации с Высоцким. Сирано – это человек с жесткой нравственной позицией по отношению и к себе, и к обществу, и к любви. Он не идет на компромиссы и сжигает себя именно по этой причине.

– Разве эта пьеса не про комплексы?
– Безусловно, и про них тоже. Но именно благодаря комплексам тема становится такой острой. Если бы у Сирано не было изъянов, то и не было бы такой глубокой души. Преодолевая комплексы, человек стремится к совершенству.

– У вас будет нос?
– Будет огромный гипертрофированный нос. Не приклеенный, имитирующий настоящий, а инородное тело на лице, подчеркивающее асоциальность моего героя, ведь наш спектакль о неудобном человеке, не вписывающемся в систему, выбивающемся из общей картины своей искренностью и ранимостью. На его фоне остальные превращаются в успешных снобов с фальшивыми улыбками, деланной уверенностью в себе и убежденностью, что в этой жизни можно купить абсолютно все. Это противопоставление – еще одно доказательство вечной актуальности пьесы Ростана.

– Получается, Сирано готов уступить любимую женщину из-за своего благородства, желая ей счастья?
– Да, именно так. Мы упростили бы смысл пьесы, если бы представляли его игроком, талантливым шахматистом, играющим человеческими судьбами. Нет, он безрассудный, гениальный художник, которому дано все, кроме внешней красоты. Речь идет о его эстетическом восприятии мира. Он сознательно отказывается от Роксаны, не считая, что его союз с ней может быть гармоничным.

– Вам как актеру маска дает преимущество? За нее можно спрятаться или, наоборот, она диктует некие рамки?
– Маска дает простор для фантазии, потому что в ней можно почудачить. Но подлинные чувства и эмоции за ней не спрячешь: без них не может быть спектакля.

– Вы привыкали к носу, он вам мешал?
– Как ни странно, нет. У меня у самого большой нос. Плюс три сантиметра не имеют принципиального значения. 

– Вы впервые сталкиваетесь с поэтическим театром?
– Да, это мой первый опыт. Это непросто, но безумно интересно. Я сам в душе нереализованный поэт. В поэтическом тексте заложена громадная энергия. Безусловно, стоит колоссального труда овладеть мастерством владения словом. Но вы не представляете, какое удовольствие произносить эти строчки со сцены, в этом есть какая-то необъяснимая магия. 

– Споры с режиссером возникали?
– Конечно. Поначалу у нас были абсолютно разные представления о том, как это может быть, каким должен быть Сирано. Мы с Пашей сложно репетировали и постоянно спорили. В какой-то момент я поймал себя на мысли, что ситуация с «Отелло» повторяется. Чего было больше – неуверенности в себе или в режиссере, сейчас трудно сказать. Но все закончилось тем, что мы несколько часов очень громко обсуждали и пытались доказать друг другу преимущества двух переводов – Соловьева и Щепкиной-Куперник. Это было сродни разговору двух сумасшедших. И в один момент у меня случилось прозрение: я почувствовал, что где-то наверху этот спектакль уже нарисован, его состав, режиссер и мое исполнение уже существуют и глупо тратить время на попытки отказаться от уже свершившегося. После этого я стал идеальным, послушным актером и уже не мешал паше воплощать все им задуманное.

– У вас есть свои ритуалы подготовки к роли?
– Они несильно отличаются от привычных ежедневных действий обычного человека: просыпаюсь, делаю физзарядку и чищу зубы. Но самое интересное в том, что в день спектакля я очень часто ловлю себя на мысли, может ли мой герой, которого мне предстоит сыграть сегодня, вести себя так, как веду себя я в этот день своей жизни. И, как ни странно, от чего-то приходится отказываться.

– Вы поступили на высшие режиссерские курсы, но не стали получать диплом. почему?
– Я недоучился – ушел в академический отпуск с сознанием того, что могу снимать кино и без диплома. В моем представлении режиссер – это прежде всего характер и необузданное желание снимать, до шизофрении. Как художник, который постоянно рисует, делает наброски в записную книжку, режиссер должен постоянно снимать на все подручные средства. Это его способ самовыражения. Если нет такой одержимости, не нужно идти в эту профессию или пока еще рано. Первичным должно быть воплощение замысла, а не стремление к деньгам и славе.

– Разве вы пришли в актерскую профессию не за славой?
– Нет, я пришел, потому что понял, что никакая другая профессия мне не подходит. 

Алла Шевелева, 12.2014

[ свернуть ]


Григорий Антипенко: «Постоянно избавляюсь от комплексов»

6 февраля 2016
  vashdosug.ru Герой сериала «Не родись красивой» Григорий Антипенко сегодня заметный драматический артист. Он работает в театре им. Вахтангова и на Малой Бронной. «ВД» встретился с ним в преддверии премьеры спектакля Павла Сафонова «Сирано де Бержерак».  — В пред... [ развернуть ]

 

vashdosug.ru

Герой сериала «Не родись красивой» Григорий Антипенко сегодня заметный драматический артист. Он работает в театре им. Вахтангова и на Малой Бронной. «ВД» встретился с ним в преддверии премьеры спектакля Павла Сафонова «Сирано де Бержерак».

 — В предстоящей премьере Театра на Малой Бронной вам досталась главная роль.
 — Да, я играю Сирано де Бержерака. Немыслимый подарок судьбы с высоты мировой драматургии. Роль, в которой можно совершенствоваться до пенсии. Правда, на нее решился не сразу, это за мной водится, все-таки весы по знаку зодиака. Слишком много сомнений в себе, в людях, в переводах и трактовках. Был момент, когда казалось, что этому вообще не суждено случиться. Но как-то после очередной задушевной беседы с режиссером Павлом Сафоновым понял, что эта роль — вызов пространства, и отказаться от нее равносильно малодушию. Вот — согласился.

 —Когда пишут о премьере, часто упоминают, что вы меняете амплуа. Сирано — образ, в котором вас с вашей геройской внешностью труднее всего представить. Что вы сами об этом думаете?
 — Честно говоря, нет сил задумываться. Эта роль — серьезное испытание, и моральное, и физическое. До премьеры каждый репетиционный день как рубеж. Вечером думаешь, что уже не встанешь, а с утра вроде ничего — снова вприпрыжку на репетицию. 

 — Чем вам лично интересен герой? Как вам кажется, у него есть что-то общее с вами?
 — У меня тоже большой нос. И я тоже в юности комплексовал по этому поводу. Я же не сразу стал героем-любовником, это потом мне внушили, что нос — это хорошо и даже красиво. Но я-то к себе отношусь намного скромнее. Впрочем, этот путь — от тотальных комплексов до примирения с самим собой, со своими особенностями и внешностью, он до конца не пройден. И до каких-то вещей я еще только-только дохожу. Поэтому вся эта история с Сирано очень личная.

 — Как состоялось ваше знакомство с Римасом Туминасом, худруком Вахтанговского театра?
 — С Римасом Владимировичем знакомство как таковое у нас произошло только на спектакле «Улыбнись нам, Господи». Я согласился на роль палестинца ровно поэтому — увидел возможность поработать с мастером. Роль ведь, мягко говоря, небольшая. Туминас — великий режиссер. На моем пути таких не встречалось. такого уровня, такой глубины и такого масштаба. А я работал с разными режиссерами. Римас Владимирович невероятной наполненности и содержания человек, просто наблюдать за ним уже интересно. Не обязательно даже на сцену выходить. Главное — сам факт пребывания рядом с ним, созерцания процесса репетиций. Как он это делает, откуда черпает… не знаю. Но это удивительно.

 — Григорий, вы довольно поздно пришли в профессию, и учится стали, когда были уже взрослым человеком, за плечами у которого несколько профессий (Григорий Антипенко работал в аптеке, в рекламном агентстве, социальным работником, менеджером, изготовителем факсимильных копий (копий музейных экспонатов) на «Мосфильме», монтировщиком сцены в театре «Сатирикон» и так далее. — прим. ред.) и тем не менее вы стали заметным артистом. Вы мечтали об этом, или так сложились звезды?
 — Все в моей жизни — сплошные звезды. Абсолютно все — случайности на грани фола. Я знаю, что меня ведут, и я очень благодарен создателю за это. Если я теряю интерес к чему-то, значит, с этого дерева уже все сорвано, пора переходить к следующему. Это, в конечном счете, мой опыт, мой творческий чемодан человеческих судеб и наблюдений. В один прекрасный момент пришло время поделиться всем этим багажом, и произошел очередной звездный поворот — подготовительные курсы в Школе-Студии МХАТ, Альма-Матер — Щука, кино. Сериалы — как бы их ни ругали, они дали мне возможность выбирать. Сегодня я выбираю режиссеров, роли, партнеров. Говорят, профессия актера зависимая. Не знаю, я абсолютно независим. Легко могу отказаться от любой системы, если пойму, что эта система меня сдерживает. Мне не нужны звания. Конечно, дико приятно, что сейчас я работаю в таком театре, как вахтанговский. Но это не самоцель.

 — Судя по всему, сегодня театр для вас гораздо более важен, чем кино.
 — В кино меня последние года полтора не пускают. Даже если я и хочу — не складывается. Либо не срастаемся по графикам, либо по взаимоотношениям. А чаще всего, к сожалению, такую чушь предлагают играть, что одного названия хватает, чтобы отказаться. Когда тебе дали прикоснуться к драматургии уровня Шекспира и Ростана, ты уже не можешь сделать шаг назад.

 — Григорий, какие ваши последние яркие впечатления в кино и театре?
 — В театр я хожу, увы, крайне редко. Не потому, что я брюзга, просто банально не хватает времени. Самые сильные впечатления за последний год — Холинские спектакли: «Каренина», «Кармен». А кино я смотрю постоянно, практически каждый вечер. В основном пересматриваю классику. В прошлом году, например, итальянцев, Бергмана… Недавно вот Коэнов пересматривал. Очень люблю Вуди Аллена. Он для меня спаситель настроения. Я верю, что за таким кино будущее. Человеческие взаимоотношения — самая интересная вещь на свете, без всяких спецэффектов.

 — Как вы отдыхаете?
 — В этом году я предчувствовал, что предстоит трудное время, и два месяца бездельничал. В горы, как водится, ходил. В этот раз они были великодушны — дали немножко отдохнуть перед премьерой.

Наталья Витвицкая, 10.10.2014

[ свернуть ]


«Сирано де Бержерак» в Театре на Малой Бронной

6 февраля 2016
ъ-weekend Великая пьеса Ростана не значится в актуальном московском репертуаре (правда, на youtube можно полностью посмотреть недавнюю, 2012 года постановку Малого Театра). Павел Сафонов, выпускник вахтанговской школы, на Малой Бронной, кажется, назначен ответственн... [ развернуть ]

ъ-weekend

Великая пьеса Ростана не значится в актуальном московском репертуаре (правда, на youtube можно полностью посмотреть недавнюю, 2012 года постановку Малого Театра). Павел Сафонов, выпускник вахтанговской школы, на Малой Бронной, кажется, назначен ответственным за французскую классику — за три года до «Сирано» он поставил вполне успешно живущего в афише «Тартюфа» с Виктором Сухоруковым в заглавной роли, показав театральной публике любимого народом киноартиста в каком-то совсем непривычном амплуа. Тот же опыт Сафонов повторяет теперь на «Сирано» — роль великого носатого поэта отдана Григорию Антипенко, актеру с шлейфом телевизионно-сериальной сверхпопулярности и вполне премьерской внешностью — в обычном случае ему скорее достался бы друг-соперник Кристиан де Невилет. Это, само по себе достаточно парадоксальное, назначение остается самым решительным режиссерским ходом, потому что в других ролях ничего особенно парадоксального нет (среди них нельзя не отметить Ивана Шабалтаса в роли главного злодея, графа де Гиша: текст Ростана в классическом переводе Щепкиной-Куперник именно в его исполнении звучит и пафосно, и точно, и поэтично, и жестоко). Григорий Антипенко занимает центр спектакля с премьерской уверенностью: это, собственно, и не противоречит одинокому героизму персонажа — но выглядит все скорее так, будто поэт-мечтатель Сирано вообразил себе и любовь, и войну, и врагов, и друзей,— да и нос, если честно, какой-то ненастоящий, выдуманный. Вот только смерть за поэтом приходит невыдуманная и, как всегда, без шуток.

Ольга Федянина, 31.10.2014

[ свернуть ]


Пьесу легендарного драматурга покажут в московском театре

6 февраля 2016
Утро.ру Легендарная пьеса драматурга Леонида Зорина, которому в этом году исполнилось 85 лет, возвращается на московскую сцену. В постановке художественного руководителя Театра на Малой Бронной Сергея Голомазова играют артисты нового поколения — Юлия Пересильд и Дан... [ развернуть ]

Утро.ру

Легендарная пьеса драматурга Леонида Зорина, которому в этом году исполнилось 85 лет, возвращается на московскую сцену. В постановке художественного руководителя Театра на Малой Бронной Сергея Голомазова играют артисты нового поколения — Юлия Пересильд и Даниил Страхов.
Для Театра на Малой Бронной это уже не первое обращение к творчеству выдающегося русского драматурга Леонида Зорина: в 1974 г. Михаил Козаков поставил на Малой Бронной спектакль «Покровские ворота».
Творческий тандем режиссера Сергея Голомазова и актера Даниила Страхова сложился уже давно: в 1997 г. на малой сцене Театра им. Н. В. Гоголя Сергей Голомазов выпустил спектакль «Петербург» по роману Андрея Белого, где Даниил сыграл главную роль. За этой постановкой последовали и другие совместные работы: «Безотцовщина» по пьесе А. П. Чехова, где Даниил сыграл Платонова, «Театр-убийца» в театре п/р Армена Джигарханяна.

, 23.11.2009

 

[ свернуть ]


Григорий Антипенко меняет амплуа Новый спектакль про сумасшедшего храбреца готовят в Театре на Малой Бронной

6 февраля 2016
teatrall.ru В прошедшем сезоне наш портал делал обзор по «носатым» спектаклям. Буквально через месяц список столичных Сирано пополнится еще одной постановкой – Театр на Малой Бронной активно репетирует спектакль с Григорием Антипенко. За результат отвечает режиссер ... [ развернуть ]

teatrall.ru

В прошедшем сезоне наш портал делал обзор по «носатым» спектаклям. Буквально через месяц список столичных Сирано пополнится еще одной постановкой – Театр на Малой Бронной активно репетирует спектакль с Григорием Антипенко. За результат отвечает режиссер Павел Сафонов.

Основная интрига в том, что Антипенко – актер с безусловной героической внешностью (в прошлом году он сыграл «Отелло» в пластическом спектакле Анжелики Холиной и выглядел весьма впечатляюще), поэтому в театре считают попытку такого перевоплощения настоящим вызовом.

Сценография спектакля, выполненная художником Мариусом Яцовскисом, будет предельно аскетичной, причем место действия будет создаваться на глазах публики – здесь и сейчас: пространство будет преображаться с помощью актеров, предметы будут менять свое назначение. Костюмы Евгении Панфиловой подчеркнут гротеск прошлого и тенденции современной моды, а музыка Фаустаса Латенаса станет отстраненным свидетелем происходящих событий, отзывающимся на реплики героев то иронично, то пронзительно.

, 23.09.2014

[ свернуть ]


И останусь с этой болью «Варшавская мелодия» в Театре на Малой Бронной

31 января 2016
Театрал «Варшавская мелодия» Леонида Зорина переживает новый виток популярности. Год назад появился спектакль в питерском МДТ — здесь в ролях влюбленных Гели и Виктора вышли Уршула Малка и Данила Козловский. А теперь своя «Варшавская» появилась в Москве. В Театре на... [ развернуть ]

Театрал

«Варшавская мелодия» Леонида Зорина переживает новый виток популярности. Год назад появился спектакль в питерском МДТ — здесь в ролях влюбленных Гели и Виктора вышли Уршула Малка и Данила Козловский. А теперь своя «Варшавская» появилась в Москве. В Театре на Малой Бронной ее поставил Сергей Голомазов, а сыграли Юлия Пересильд и Даниил Страхов.

В спектакле Голомазова нет благостного любования советским прошлым. Нет очарованности, сентиментальности, ностальгии. Его «Варшавская» жестка и безысходна. Между Гелей и Виктором — пропасть, через которую невозможно перейти. Эта пропасть — в характерах, в пережитом прошлом и слишком очевидном будущем. Притом что чувства их сильны, даже яростны.

Спектакль — дуэтный, но его логичнее рассматривать как два соло. каждый из исполнителей уверенно ведет свою линию, бесстрашно и безжалостно проводя своего героя через испытания — политические, временные, социальные. А главное — душевные. Под влиянием обстоятельств человек меняется. И часто эти изменения трагичны.

Открытие спектакля и его безусловный центр — Юлия Пересильд. В трех актах пьесы актриса предъявляет словно трех разных героинь.

В начале ее геля — строгая юная барышня, явно перенесшая в своей недолгой еще жизни не одно потрясение. Неспроста она так недоверчива по отношению к Виктору, напугана его напором и возможным собственным проявлением чувств. Поддавшись порыву, она роняет нежное слово, мягчеет на секунду — и тут же выставляет вперед ладонь, прячется за резкость интонаций: не подходи, не тронь. И ни на минуту не забывает о дистанции, словно отделяя себя от возлюбленного. Во втором акте от гели — девочки с растрепанной косой и пришторенным ресницами взглядом не останется и следа. На встречу с Виктором придет прямая, как стрела, дама в модном плаще и с завитыми локонами. Уверенная в себе, насмешливая. Все сильнее давящая внутреннюю истерику, вырывающуюся потом ошеломляющим порывом любви. Третий выход — самый страшный. Перед изумленным Виктором предстанет робот в сверкающем концертном платье. Ноль эмоций, ноль чувств, ноль человеческих проявлений. Защитная реакция, доведенная до абсолюта. Этой геле уже не страшна любовь. Она словно бы ампутировала себе душу. Как с этим можно жить, знает только она сама. Захлопнутые наглухо створки не пропускают свет.

Партнеру Пересильд Даниилу Страхову — сложнее. Изменения в его герое не столь явственны, и для них нужна не конкретика, а полутона. Нюансы. Временами получается достоверно, временами — не очень. Страхов умело входит в образ юного Виктора, бесшабашного и беззаботного, но за этой распахнутостью видится нешуточное актерское волнение. Связанное, скорее всего, с задачей верно сыграть возраст. Ко второму и третьему акту актер успокаивается и ведет свою линию так же уверенно, как и партнерша. Страхову удалось показать человека мелковатого, суетного, даже скучного. В его жизни ничего не происходит, только длинный-длинный ряд дней, похожих один на другой. Оттого поездка в Польшу и последовавшая встреча с гелей становятся большим потрясением. К финалу же Виктор окончательно делает свой выбор и становится обыкновенным человеком, посредственностью.

Сергей Голомазов поставил мрачный спектакль. Горький, трагический, эпиграфом к которому могли бы стать строки из евангелия: «В любви нет страха. Боящийся несовершенен в любви».

Алиса Никольская, 1.02.2010

 

[ свернуть ]


Женская история«Варшавскую мелодию» сыграли в Театре на Малой Бронной

31 января 2016
«Варшавскую мелодию» сыграли в Театре на Малой Бронной Время новостей Одну из самых популярных пьес советского времени вновь можно увидеть в Москве на Малой Бронной, в постановке Сергея Голомазова. И неожиданно пьеса Леонида Зорина — хорошая пьеса, кто спорит, но в... [ развернуть ]

«Варшавскую мелодию» сыграли в Театре на Малой Бронной

Время новостей

Одну из самых популярных пьес советского времени вновь можно увидеть в Москве на Малой Бронной, в постановке Сергея Голомазова. И неожиданно пьеса Леонида Зорина — хорошая пьеса, кто спорит, но вроде бы навсегда привязанная к эпохе именно советской — оказалась вполне пригодной для трансляции современного взгляда на вещи.

Польку Гелену и советского Виктора, двух студентов, консерваторку и будущего винодела, влюбившихся друг в друга в 1946 году, разлучает сталинский указ года 1947-го — в СССР запретили браки с иностранцами. Пьеса, написанная в 1966 году, раньше стояла в ряду счетов, предъявляемых тоскливым поздним сороковым: влюбленные сталкивались с действием непреодолимой силы. То, что в этом счете не было никакого бунта и истерики, лишь великая печаль, только усиливало впечатление. Теперь же Театр на Малой Бронной говорит о другом: да, времена бывают всякие, но в конце концов только от самого человека зависит, сбудется его любовь или нет. А даже если не сбудется любовь, есть карьера.

В пьесе всего два героя — на сцене все три часа Даниил Страхов и Юлия Пересильд. В первом действии героям чуть за двадцать, это первая встреча, начало романа и осознание того, как важны они друг для друга. Во втором им сначала на десять лет больше и они встречаются в Польше, куда герой приехал в командировку, затем плюс еще десять, Гелена на гастролях в Москве. Прочерчена линия: женщина на время (сталинское) отступает, но не предает свое чувство, и лишь чуть расходится мрак, готова начать все сначала; мужчина сдается сразу и навсегда.

Художник Вера Никольская расставила вдоль кулис какую-то серую мебель, соорудила свисающие с колосников органные трубы (герои знакомятся в консерватории), а у задника водрузила комплект струнных инструментов разной величины — выглядит все это уныло. Режиссер Сергей Голомазов спроецировал на стену зала кадры из старых фильмов, что смотрят герои, а в любовной сцене, после того как героиня сняла с себя платье, заставил ее в комбинации бродить по мебели. Нет, правда, девушка встает на стул, потом на столик, проходит по крышке пианино, снова ступает на стул… Когда на ее пути возникает шкаф, начинаешь опасаться, что она на него влезет, но обходится. У Даниила Страхова неплохо получается вчерашний бравый солдат: славно сыграна сцена первого в жизни появления в концертном зале — взгляд на (предполагаемую) люстру, по сторонам, изучение соседей, мельтешение с программкой и, наконец, полное, откровенное изумление при первых звуках музыки. При этом солдат не лишен некоторой даже галантности, впрочем, подаренной ему режиссером: туфли, что покупает герой своей возлюбленной, идеально подходят по цвету к ее выходному платью. Герой «через двадцать лет» у Страхова получается значительно хуже: молодой актер, кажется, не видит разницы между сорокалетним и шестидесятилетним человеком, и повзрослевший Виктор так гнет плечи, будто он уже дедушка.

Но идти на «Варшавскую мелодию» следует ради Юлии Пересильд. Позавчерашняя студентка (она закончила ГИТИС в 2006-м) поражает замечательным воспроизведением польского акцента, а еще тем, что для каждого возраста, каждого этапа жизни своей героини находит точные и ясные краски. Вот гордая девочка, играющая в беспечную пани королеву, и лишь из случайной обмолвки ее можно узнать, что на войне она рисковала жизнью, спасая евреев от эсэсовцев. Вот молодая женщина с успешно складывающейся карьерой — ее уже знает родной город, и она еще не устала от этого внимания. И вот суперзвезда с чудовищным графиком гастролей, автоматически выстраивающая границу между собой и миром, иначе просто не вздохнуть и не отдохнуть. Девочка мило кокетничает, десять лет спустя женщина позволяет себе рвануться к любимому, еще через десять лет звезда научилась держать себя в руках и уже понимает, чего стоит мужчина, что ей когда-то был дорог. В финале Гелена стоит на сцене в концертном платье (в позе «Воспоминание о Марии Каллас»), Виктор же сходит в зрительный зал и присаживается на откидной стульчик. То есть история любви двух людей превращается в историю о том, как смогла выжить и сделать себя одна женщина. Классическая история XXI века.

Анна Гордеева, 10.12.2009

 

[ свернуть ]


Даниил Страхов: «Хочется осознанности происходящего»

31 января 2016
teatrall.ru Мы встретились с Даниилом, чтобы поговорить о театре. Разговор получился серьезным, но не слишком. И хоть солнца на улице в этот ноябрьский осенний день не было видно, но из чашки кофе Даниилу улыбался, подмигивая, заботливо приготовленный сотрудниками к... [ развернуть ]

teatrall.ru

Мы встретились с Даниилом, чтобы поговорить о театре. Разговор получился серьезным, но не слишком. И хоть солнца на улице в этот ноябрьский осенний день не было видно, но из чашки кофе Даниилу улыбался, подмигивая, заботливо приготовленный сотрудниками кафе, мишка. 

Про студенческие годы

 — Что вам хочется вспомнить? Студенческие годы, правда, самые класcные? или…

 — Нет, не правда. у всех студенческие годы свои. Мои студенческие годы не подернуты этой романтической пеленой каких-то радужных воспоминаний, нет. Я это время не очень люблю, потому что оно связано с мучительным поиском чего-то… не знаю, себя, ощущения себя в пространстве что-ли. Я поступил, когда мне было 17 лет. И что такое мальчик в 17 лет, который пришел на актерский факультет, и которого обучают стать артистом? Что это? Кто это? Есть, конечно, такие самородки, которые уже в этот момент складываются в некую личность, но как правило, это люди, уже имеющие какой-то серьезный жизненный запас, приехавшие из другого города, прошедшие уже какую-то школу жизни. Ну а я в каком-то смысле тепличное московское чадо, со всеми вытекающими отсюда последствиями. Вместо армии, которая, наверное, была бы какой-то жизненной школой, но которой в моей жизни не случилось, случился институт. И он по моему внутреннему психологическому прессу был для меня очень серьезным испытанием. И в Школе-Студии МХАТ, и в Щуке это продолжилось, я до конца не мог ответить на какие-то базовые вопросы. 

 — Почему вы здесь?

 — И что с этим делать? Потому что быть артистом, хотеть быть артистом — громко сказано, а дальше-то надо что-то с этим делать, надо с этим работать. А внутренних ресурсов и каких-то инструментов для того, чтобы осознать себя в пространстве и в профессиональном каком-то бытие, не было. И не было довольно долго. А если как-то более-менее конкретизироваться, если попробовать совместить какие-то внутренние психологические картины того времени и того, что происходило тогда в стране, то я помню, это был как раз 1993 год, и мы репетировали в Школе-Студии МХАТ, окна которой выходят на Камергерский переулок, а мимо как раз шастали танки, которые шли на белый дом. И если вся Москва жила этими событиями, то мы репетировали отрывки, у нас шли занятия, никто никуда не уходил, два или три человека сбежали на эти баррикады, не из патриотизма, а просто потому, что было интересно. Но вспоминая о том времени, когда за окном стреляли пушки, а ты в этот момент делал Батман-Тандю, для меня именно вот это воспоминание является отражением того времени и подтверждением его истинности для себя самого. потому что когда я читаю Булгакова, допустим «Белую Гвардию», то я теперь понимаю, как можно пить шампанское и …

 — Обсуждать далекие от войны вещи за столом или играть на рояле…?

 — Да, в то время как за окнами этой квартиры происходит апокалипсис. Вот с точки зрения таких каких-то вещей, мне интересно вспоминать студенческое время. Если оно начинает играть в моем сознании, как некая попытка осознания себя в том времени с точки зрения себя сегодняшнего. А так… то было время, с одной стороны — светлых надежд и такого разудалого романтизма, так и одновременно время было смутное, темное, полное какой-то серой непредсказуемости во всем. Если сейчас — это серая предсказуемость, то тогда все было полно опасностей. Все было не ясно, и в этом была определенная данность, которая постоянно поддерживала тебя в состоянии адреналина. Одновременно это было настолько нормально, естественно для нашего сознания, что сейчас вспоминая об этом диву даешься, как в то время можно было гулять по ночам. 

 — А сама учеба? 

 — Проблема в том, что уровень педагогики и воспитания студентов в этот момент, с моей точки зрения, как в Школе-Студии МХАТ, так и в Щукинском училище, оставлял желать лучшего. Театр, так или иначе, является отражением действительности. И театральное училище в том числе. И вся та муть и смуть, которая происходила снаружи, она происходила и внутри, в том числе и в головах педагогов, которые к сожалению, больше делали вид, что они занимаются студентами, а какого-то серьезного погружения в учебный процесс и в головы студентов не было. Это больше работа на результат с точки зрения всего курса, нежели попытки найти настоящий внутренний процесс, как внутри каждого отдельного студента, так и всего курса. И вот эта работа на результат не может не дать своих отрицательных плодов. С одной стороны наш курс достаточно известен, много имен, которые прозвучали (примеч. Александр Семчев, Екатерина Гусева, Елена Захарова). С другой стороны, это как вода, которая подтачивает камень и он начинает заваливаться на одну сторону, ибо рано или поздно, если человек сам не осознаёт, что в его образовании есть определенные пробелы, это все равно скажется на его судьбе. С этим надо что-то делать. другой вопрос, что современный актерский мир таков, что он не предполагает в человеке постановку таких вопросов. Потому что сегодняшняя актерская жизнь постоянно провоцирует человека больше на существование в шоу-бизнесе, нежели в профессии, и поэтому все, что я вам говорю, подернуто пленкой зевоты, ибо это никому не интересно. 

 — Вам довелось поучиться в двух театральных школах. Можете ли вы с высоты сегодняшних зрелых лет сказать, есть ли принципиальная разница в их подходах к обучению? 

 — Мне кажется, что нет никакой разности театральных школ, это все придумано.

 — Придумали сами школы?

 — Может быть, это было когда-то, давно, когда действительно театр Вахтангова не был академическим, а МХАТ не делил имущество, нажитое непосильным трудом. Сейчас можно сравнивать мастерские определенных педагогов, которые силой своей воли и желания, вокруг себя создают или не создают определенную атмосферу. Набирают тех или других педагогов, студентов и создают свой микроклимат. Или же работают на результат, на экзамен, на то, чтобы показать всем «Какие мы молодцы!». Это настолько в русской ментальности, что я в этом не вижу ничего странного. В западном мире это норма жизни, только они на это тратят не четыре года, а два, а может быть и меньше, если это курсы какие-то. По сути дела актер становится профессионалом не на школьной скамье, а когда он начинает что-то делать. И если ему дается такой шанс, и он в этой череде шансов находит свое развитие. Сейчас это смешно звучит, потому что ни о каком процессе, ни о каком воспитании речь быть не может, потому что все это какие-то слова, которые потеряли свою силу. Они превратились в тень от самих себя. Я на своем веку этого не испытал. Я не могу назвать человека, который является моим мастером. при всем моем глубочайшем уважении ко всем педагогам. 

 — Даниил, дайте совет читающим это интервью молодым людям, мечтающим о карьере актера. как им выбирать ВУЗ? Есть история — подавать документы везде: во МХАТ, в Щуку, в Щепку…. ВГИК и ГИТИС…

 — Так и надо, потому что никто не знает, где ты «выстрелишь», кому ты понравишься. Поступать в один институт просто потому, что «моя мама туда поступала» или потому, что «эта школа лучшая» — не те факторы, которыми надо руководствоваться. Если у человека есть четкое и взрослое представление о том, что он хочет учиться у Женовача, например, он может рискнуть. Но шансов поступить к одному гораздо меньше, чем, если ты пытаешься пробиться везде. а потом, никому не известно в чем твоя судьба, где тебе на самом деле нужно оказаться. Я поступал к Петру Наумовичу (примеч. Фоменко), дошел до конкурса, и с конкурса он меня снял, поняв, что я для него слишком молод и не очень понимаю, что я делаю. Только поэтому. И если бы я поступил к нему, моя жизнь сложилась вообще как-то по-другому. Но она сложилась так, как она сложилась и сейчас задним числом не стоит гадать.

 — История не знает сослагательных наклонений. 

 — Поэтому надо в данном случае просто трудиться. Абитуриенты сейчас к этому легче относятся и бросаются букетом через плечо. И советовать что-то иное бессмысленно. 

О работе в театре на малой бронной

 — Для меня было неожиданным, что спектакль «Варшавская мелодия» восстанавливается в Театре на Малой Бронной. У вас разве был перерыв? Казалось, что спектакль не сходил с афиш. 

 — Никто ничего не восстанавливал и не закрывал, просто у Юли Перисильд был декретный отпуск, она девять месяцев по понятным причинам не могла играть. Было странно бы, если бы персонаж Юли — Гелена, через каждые 10 лет, встречаемая мной, была бы беременна. Это выглядело бы подозрительно. Это был перерыв достаточный, для того, чтобы переосмыслить то, что мы делаем на сцене, но не столь уж большой, чтобы спектакль надо было восстанавливать. 

 — Расскажите про вашу работу над ролью Виктора.

 — Артист должен, на мой взгляд, вообще поменьше разговаривать про роль. Он либо сыграл, либо не сыграл. А все остальное… Я готов уйти в какие-то театроведческие разговоры и обсудить эту пьесу, но мне все-таки нужен какой-то посыл с вашей стороны.

 — Вопрос, волнующий всех зрителей и читателей «Варшавской мелодии», на который нет однозначного ответа: почему, ну почему же ваши герои не остались вместе? 

 — Если вы смотрели первые спектакли и последние, то заметно, что мы тоже развиваемся в своей истории. Смотря на Юлю, я вижу сколь много у нее появилось глубины и нюансов, и смею надеяться, что и у Виктора, в моем лице тоже. И он в своих поступках и решениях стал более понятен зрителю. Мне лично абсолютно понятно все, что он делает и почему. Другой вопрос, я понимаю, что 70-80 % зала составляет женская аудитория и она воспринимает поступки Виктора через призму своего женского опыта и заранее всегда осуждает его, как только видит как в Варшаве Виктор отказывается от продолжения отношений с Геленой. Я понимаю, что в женском восприятии включается отождествление себя с Геленой и включается сразу обида на Виктора, как на того потенциального мужчину, который ей отказал. В то время как поступок Виктора продиктован не трусостью, а мужеством. И осознанием того, что не склеишь эту разбитую чашку. что прошедшие 10 лет — это не просто время между первым и вторым звонком в театре, не просто эмоции Гелены, которая рассказывает о том, как она «видела» его сидящим в первом ряду на каждом своем концерте. 

 — Она прямо говорит ему, что любит. Еще любит. 

 — Я не сомневаюсь в искренности ее слов. Я, Страхов, не сомневаюсь. но его отказ от нее продиктован именно этим чувством, а не иллюзиями, и не эмоциями, которые испытывает Гелена. Потому что он понимает, что за 10 лет в Краснодаре он превратился в другого человека. Она этого понять не может, потому что она не была в этом городе. Она не знает, что это такое. Она эти 10 лет прожила в Европе. Стала звездой. Занимается любимым делом и, в общем, пребывает в приятных воспоминаниях. Без всякого осуждения это говорю. И я тут попал в любопытную так называемую вилку. Один зубец которой заключается в том, что Зорин писал эту пьесу, разумеется, на главную героиню, на Гелену, одновременно отождествляя себя с главным героем и внутренне осуждая себя. Это один зубец. Второй заключается в том, что подавляющее большинство смотрящих этот спектакль — это женщины. Получается, что Виктора осуждают и автор, и зрители. И я в данном случае несу такую ношу, может быть это слишком громко сказано, но вытаскиваю, как барон Мюнхгаузен себя за волосы и своего Виктора вместе с ним. Виктор от этого и ломается, потому что он совершил поступок, который, по сути, является честным и мужественным, только он выглядит со стороны женщины, как предательство. И мне кажется, что именно в этом и заключается гениальность этой пьесы. Так часто бывает, когда автор не вполне понимает то, что он создал. Зорин не то написал, что выписывал. И так это к сожалению, достаточно долго и игралось, достаточно плоско и просто, и создался определенный шаблон восприятия этой истории. Мало того, и ставилось это приблизительно так. Поэтому все, что играю я, в данном случае, не подкрепляется какими-то режиссерскими акцентами. Но, тем не менее, из раза в раз, а мы сыграли уже 70-й спектакль, я тащу на себе это решение, и настаиваю на нем. И по тем редким мужским комментариям, которые иногда выскакивают в интернете, я вижу, что в них, в мужчин, это как раз попадает с совершенно другой интонацией. И они в этой истории считывают как раз если не буквально то, что я играю, то из этой же корзины. И для меня это самое ценное. 

 —А еще один из моментов, срез эпохи, в которой происходит действие спектакля: эта невозможность быть вместе для героев из-за системы… Вы это опускаете? 

 — Нет, мы играем точно по букве, как это у Зорина. Но важнее для нас то, что происходит с людьми, чем то, что происходит с системой. Играть систему в данном случае — это превратить эту историю в такую социально-производственную драму. И вот это точно никому не интересно. 

 — Ваш спектакль действительно лиричный и более личный, и может быть действительно и не говорит об этом в лоб, а лишь курсивом… Но в защиту женщин, которые в зале, не все так думают, не все обвиняют Виктора в слабости… 

 — Ну, я, возможно, говорю о стереотипах, и мне интересно, что думают зрители…

Виктор спрашивает Гелену, когда приезжает в Варшаву: «Почему же ты ни разу не приехала к нам на гастроли?». «Должно быть, я боялась, я всегда чего-то боялась…» что под этим подразумевается? Что все эти 10 лет он не имел возможности выехать за границу, но такую возможность имела она! Но почему-то ей не воспользовалась. Так какого черта все осуждают Виктора, а не задают вопросов по поводу того, что в этот момент происходило с ней?! И почему она не совершала поступки, которые могла бы совершить?! И все эти 10 лет он ждал ее. Он ждал ее приезда. И он ее нашел. Он нашел каким-то образом, ее домашний телефон. Это не просто, как в фейсбуке, набрать фамилию-имя и найти человека в любой точке мира, как сегодня. Это требовало определенных усилий. Определенного риска. И было сопряжено с большим количеством поступков, которые он совершил для того, чтобы просто посмотреть на нее. Это тоже часто не считывается зрительницами. Для них — эта встреча на каком-то среднестатистическом перекрестке. А это не так! Это не означает, что я Гелену, как исполнитель, в чем-то осуждаю. Нет. Я говорю о том, что эта история неизбежно несет в себе стереотип восприятия. Я с этим в принципе смирился. Но как исполнитель, и в какой-то степени создатель этой истории, со-создатель, я тащу свои смыслы…

 — И гнете свою линию. ..

 — «Варшавская мелодия» — это история не про то, что один прав, другой не прав. Это не боксерский ринг. Эти люди оба потеряли свою любовь и оба за это поплатились тем, что были этим временем и этой жизнью раздавлены. Они оба раздавлены. Ее благополучие лишь тонкая скорлупа безжизненности, за которой действительно не скрывается уже ничего. Не даром же она не поет в третьем акте. И занавес молча закрывается под музыку Шопена, но мы не слышим ее песни.

 — Отдельное спасибо за финал вашей «Варшавской мелодии» режиссеру Сергею Голомазову. Это его идея, когда вы в финале сидите рядом, будто бы не было тех 20 лет? Снова юные и готовые влюбиться? 

 — Это его! И это правильная и прелестная надежда, которую он дарит зрителю, что все может быть иначе. У вас все может быть иначе. Вот в этом есть правильный объем! И в этом смысле, такой мелодраматичный флешбэк для зрителя, является спасительной ниточкой. 

Ревизор. И другое

 — Ваш герой, Хлестаков, специально «придвинут» к сегодняшнему зрителю «поближе», чтобы молодые люди его понимали? Чтобы смотрели с большим интересом? Кокаин, который нюхает в «ревизоре» ваш герой — это дань современности?

 — Нет, нет никакой дани современности. Есть режиссерское воплощение мысли о том, что Хлестаков во втором акте парит. Летит на облаках. Отпустил себя во все тяжкие, и ему уже ничего не мешает. Какими средствами режиссер достигает этого эффекта? каждый находит тот язык, который ему в данном времени симпатичен. Сергей Анатольевич Голомазов специально выбрал некую серединную веху, между гоголевским и сегодняшним днем. Сталинское время (примеч. действие спектакля разворачивается в сценографии и костюмах времен 30-50-х годов) не так далеко от нас. Но не настолько, чтобы носить парики и играть в кринолинах. Это дистанция, в которой мы даем возможность зрителю посмотреть на это не с точки зрения современного языка и современного мира, но одновременно не начинаем разбивать себе лоб какими-то историческими подробностями и не утопаем в псевдо правде. 

 — А про что ваша история в «Ревизоре»? 

 — Это история про поэта, который еще не воплотился. Который на наших глазах из ничтожного статиста, в силу обстоятельств, превращается в художника, который начинает верить в свои силы и начинает существовать в совершенно ином ключе. Для этого, конечно, ему нужно оторваться от самого себя. Представить себе все его монологи сказанными на «сухую» — довольно странно. А проснувшись поутру, я имею ввиду третье действие, все сцены со взятками, его вера в себя, как в великого комбинатора, ищет применения, не важно чего комбинатор, важно что получается, важно, что он на пьедестале, он тут уже имеет право на любые хулиганства. Дело не в том, что он нюхает кокаин. Он же не привез его с собой из Петербурга? 

 — Как изменился спектакль с момента премьеры? 

 — Он стал легче. Еще озорнее. Я так надеюсь, что за те 40 раз, что мы сыграли «Ревизора», от ощущения полной катастрофы перед премьерой, когда я не очень понимал, что я делаю, что такое Хлестаков, мы ушли. Играть прощелыгу и авантюриста, как это делали раньше, мне было не интересно, как и делать из него такого Остапа Бендера гоголевского разлива… Я в этой истории нашел гораздо больше именно гоголевского. Материал вообще не сопротивляется: бывает так, что ты материал подминаешь под себя, вступаешь в некую конфронтацию с автором. В данном случае автор настолько велик, что Николай Васильевич любой своей строчкой только подтверждал правильность найденного характера.

 — В этой комедии Сергей Голомазов предлагает не шаблонно-ревизористый финал. Мы видим одинокий стол в темной комнате, с традиционной для сталинской эпохи лампой и подстаканником, в котором горячий чай ожидает настоящего ревизора, прибывшего из Петербурга. 

 — Что касается текста пьесы, то Голомазов достаточно бережно отнесся ко всякой букве. Разумеется, есть какие-то купюры в спектакле. Но право режиссера взять пьесу и сделать из нее то, что он хочет. В данном случае я не принимаю никаких театроведческих упреков, потому что театр на то и театр, а режиссер на то и режиссер, чтобы брать пьесу и выворачивать ее так, как он считает нужным. В данном случае — это достаточно бережное отношение с пьесой, с текстом. Да и с Хлестаковым тоже. 

 — Где вас можно еще увидеть кроме Театра на Малой Бронной? На каких театральных сценах? И что вы репетируете сейчас? 

 — У меня есть антреприза «Идеальный муж» режиссера Павла Сафонова и в театре
Et Cetera я играю в спектакле «Драма на охоте» в постановке режиссера Антона Яковлева. И я ничего сейчас не репетирую. И как раз то, что я сейчас ничего не репетирую, говорит не о том, что я ничего не хочу, а о том, что я нахожусь в мучительном поиске материала и не понимаю, что это должно быть, с кем, и почему. Возможно — это какой-то внутренний тормоз, который является не актерским качеством и ошибка, но бросаться и соглашаться на первые попавшиеся предложения тоже не хочется. «Драма на охоте», которую мы играем год, для меня была большой и очень серьезной работой. После нее хочется какой-то осознанности происходящего дальше.

Анастасия Вильчи, 2.12.2013

[ свернуть ]


Даниил Страхов «Надо разговаривать с собой честно» 

31 января 2016
  Театрал Даниил Страхов, ставший известным благодаря сериалам, в театре всегда играл много. Аблеухов в театре Гоголя, Дориан Грей и Калигула в Театре на Малой Бронной, Платонов в учебном театре ГИТИС — лишь небольшая часть его театрального послужного списка. В это... [ развернуть ]

 

Театрал

Даниил Страхов, ставший известным благодаря сериалам, в театре всегда играл много. Аблеухов в театре Гоголя, Дориан Грей и Калигула в Театре на Малой Бронной, Платонов в учебном театре ГИТИС — лишь небольшая часть его театрального послужного списка. В этом сезоне актер вернулся в Театр на Малой Бронной и сыграл главную роль в последней премьере театра — «Варшавской мелодии» Леонида Зорина. Эта ставшая уже классической пьеса «на двоих» в прочтении режиссера Сергея Голомазова, актрисы Юлии Пересильд, сыгравшей полячку Гелю, и Даниила Страхова стала историей о предательстве мужчины и верности женщины. Так показалось мне, женщине. Даниил был со мной не согласен.

 — Вы только что сыграли слабого мужчину, который предает свою любимую и из-за этого становится несчастным, сломленным существом.

 — Это вы так восприняли эту историю, и довольно много женщин именно так ее воспринимают. А мужчины, которые приходят на спектакль, воспринимают ее совсем иначе.

 — Тогда объясните, почему Виктор, которого вы играете, сильный, смелый, только что вернувшийся с войны герой, ничего не делает, чтобы остаться вместе с любимой?

 — А что он мог делать? У него не было вариантов. Никаких. После того как вышел указ, запрещающий браки с иностранцами, его перевели в Краснодар, а Геля уехала в Польшу. Какие у него были варианты? Что ему надо было — границу через Финляндию переходить?! Все женщины, даже самые умные, ждут от мужчин героических поступков. Но жизнь не состоит из героических поступков, иначе бы мы все жили в пьесе Шиллера! Понимаете, «Варшавская мелодия» тем и хороша, что каждый человек начинает ее как кубик рубика складывать сам. Для нас главной задачей было сделать правильный, грамотный разбор, что, как мне кажется, получилось. Главной же моей задачей в роли было вывести Виктора за рамки хорошего в начале и плохого в конце. Сильного в первом акте и слабака в конце. И я считаю, что мне это удалось.

 — Вы приходили в труппу Театра на Малой Бронной дважды — в 2000 году и сейчас. Почему так?

 — В свое время я ушел из труппы театра на бронной, потому что началась очередная рокировка внутри театра, а мне не хотелось принимать в ней участие ни на той, ни на другой стороне. Потому что я понимал, что в подобных делах правых и виноватых не бывает.

 — Сейчас вы вернулись в театр надолго — как вы предполагаете?

 — Знаете, я не загадываю, да и не понимаю, зачем забивать себе голову разными планами, если можно просто жить сегодня. Это астрологи гадают. Есть жизнь, которая предоставила мне сегодня возможность играть замечательную роль в настоящем театре, с замечательной партнершей, у очень хорошего режиссера — что лучше?

 — Вы волнуетесь перед выходом на сцену?

 — Да, и особенно здесь, в этом спектакле. Но я всегда волнуюсь. Я не из тех синтетических артистов, которые могут рассказывать анекдот, и сразу, через секунду, выйти на сцену и полностью погрузиться в героя. Мне нужно настраиваться. Для меня это правильно. Другое дело, что не надо позволить волнению тебя сожрать. А в «Варшавской мелодии» волнение особенно сильное, потому что там важно правильно начать, найти правильно первую интонацию. Там же как бы ничего не происходит. Когда мы читали в первый раз, мы недоумевали: как это сделать с точки зрения театрального действия, чтобы не было скучно? Ну сидят два человека на концерте в консерватории. Чем удивлять-то будем, думали мы? Оказалось, что удивлять тут не надо, а нужно правильно разобраться в том, про что история. И первая интонация просто должна увести тебя в правильную сторону. А вот когда не попадаешь в нее, начинается сложнейшая внутренняя работа, связанная с самоанализом, с попыткой вернуться, с ощущением того, что не нужно анализировать. Вот это все, что происходит внутри артиста, пока он говорит со сцены текст и выполняет задачу режиссера, если он ее помнит, — это мучительно. А если вдруг ты попадаешь в правильную ноту, то это невероятное удовольствие. 

 — А на что это похоже?

 — Очень хорошо на эту тему сказал Михаил Чехов. Он говорил, что, когда правильно существуешь на сцене, ты как бы разделяешься на два «Я». Одно «я» ведет тебя в твоем персонаже, а другое «я» за этим наблюдает. Не контролирует, а смотрит на себя со стороны. Это сложная довольно вещь, которая в своих крайних проявлениях граничит, наверное, с какими-то шизофреническими делами. Но в нормальном состоянии в этом есть очень большой кайф и какая-то профессиональная правильность. Тратиться нужно, конечно, особенно, когда ты играешь такую роль, как Виктор в «Варшавской мелодии». С холодным носом там ничего не получится. Нужно бросать себя в роль со всей беспощадностью, но падать в оркестровую яму тоже не стоит. 

 — Вам нравится, что вы известны?

 — Я не буду лукавить, это доставляет определенные удобства, когда у тебя есть возможность позвать врача на спектакль и тем самым привлечь его профессиональное внимание к себе. Когда тебе дарят цветы и понимаешь, что у зрителя есть какой-то отклик, это очень приятно. Вопрос в другом: насколько ты сам себя не обманываешь в том, что ты делаешь. Были в моей жизни спектакли, которые так же одаривались букетами и аплодисментами, как «Варшавская мелодия», но я понимал, что это не совсем то, чего бы я хотел. Поэтому если сам себе голову не морочишь и разговариваешь с собой честно, то есть шанс, что у тебя все будет нормально. А популярность сама по себе несет в себе не меньше минусов, чем плюсов. Например, ты все время, каждую минуту, как ящерица, сканируешь пространство вокруг себя, и не можешь избавиться от этого внутреннего оброка. Не можешь расслабиться до конца, потому что знаешь, и так несколько раз бывало, что кто-то к тебе сзади подходит, хлопает по плечу и говорит: «Привет, чувак, я тебя знаю!» — в более или менее культурной форме. Это может доставить удовольствие, если ты в хорошем расположении духа, и тогда ты с удовольствием дашь автограф, а может вызвать и очень негативные эмоции. Потом к этому привыкаешь. Потом, когда тебя перестают узнавать, начинаешь беспокоиться: «А что случилось? почему в течение целого дня на тебя никто не обернулся?» Так что это постоянная борьба с собой, которая включает в себя все: и гордыню, и самоуничижение, которое паче гордости. все время пятнашки такие. 

 — Вы как-то сказали, что если бы сразу знали о всех негативных сторонах профессии, вы бы не пошли в актеры…

 — Возможно, что так и было бы.

 — Изменилось отношение к профессии за те 15 лет, которые вы работаете?

 — Появилось удовольствие от профессии — вот что изменилось.

 — А раньше?

 — А раньше не было. Раньше занятие актерством доставляло только мучение. В институте долго не получалось, очень сложно было найти свое лицо в профессиональном смысле. Да и потом долго не получалось. Потому что если взять первые сериальные опыты, то на них без ужаса смотреть невозможно. Но мое «профессиональное становление» происходило параллельно с развитием российского телевидения, поэтому мне за себя там не так стыдно. Другой вопрос, что вовремя в моей жизни не было тех режиссеров, которые могли бы направить меня в нужное русло. А пока я добрался до Рогожкина и Урсуляка, прошло о-го-го сколько времени. Но, наверное, мне это было нужно — пройти именно такой путь, и стыдиться тут нечего. Но есть некая инерция восприятия меня зрителями и иногда даже профессиональными людьми, и пока этот обух своей плетью перешибешь, пройдет немало времени, да и надорваться можно.

 — Очень тяжело перешибать настрой зала?

 — Да. 

 — А чего хочет среднестатистический зал?

 — Он хочет развлечения. Зритель хочет развлекаться. И, конечно же, от нас, от тех, кто на сцене и за сценой, зависит, в какую историю мы будем сегодня играть: по своим правилам, либо по правилам зала, а это очень разные вещи. Тут очень важно понимать, для чего ты вообще занимаешься этой профессией. Это раз. И работать с единомышленниками, это два. Потому что если твоим партнерам нужно только, чтобы громче смеялись и шибче хлопали, то лично мне это не интересно, потому что я уже знаю настоящую цену словам «дешевая популярность» и не хочу ее.

 — Вы сказали, что надо знать, для чего вы в профессии? Вы - для чего?

 — Я думаю, что для того чтобы, простите за банальность, но - сеять разумное, доброе, вечное. другое дело, что это довольно бессмысленное занятие, потому что мир не меняется, по крайней мере, в лучшую сторону. Но бороться с этим все равно надо, иначе вообще непонятно: зачем, для чего? Ведь зарабатывать деньги можно лучше и больше в других местах. Театром и кино много не заработаешь. Это большая иллюзия людей, далеких от профессии, что актерские деньги — легкие. Но в реальности-то это не так в нашей стране. Так что — сеять, потом понимать, что ничего не взошло, и опять сеять. А еще актерская профессия — это способ понять себя: как если не через роль это можно сделать? Другой вопрос, что это мучительный процесс. Но лично для меня это та формулировка, которая объясняет мне, что я вообще делаю на этом свете.

Катерина Антонова, 1.02.2010

 

 

 

 

[ свернуть ]


«Искусство существует ради самого себя»

31 января 2016
teatrall.ru   «Новые известия» В этом сезоне на сцену Театра на Малой Бронной вернулся спектакль «Варшавская мелодия», в котором играет актер Даниил Страхов. Сегодня в интервью «НИ» он рассказал о том, как изменился этот спектакль за время декретного отпуска Юлии ... [ развернуть ]

teatrall.ru

 

«Новые известия»

В этом сезоне на сцену Театра на Малой Бронной вернулся спектакль «Варшавская мелодия», в котором играет актер Даниил Страхов. Сегодня в интервью «НИ» он рассказал о том, как изменился этот спектакль за время декретного отпуска Юлии Пересильд и почему работа над фильмом «Генералы против генералов» стала проявлением его гражданской позиции. 

– Даниил, кто ваш учитель, ваш театральный гуру?

– У меня нет такого. Режиссер Сергей Голомазов, к счастью, сам все время учится, и в этом смысле с ним интересно работать. Когда после Щукинского училища я попал в театр имени Гоголя к Сергею Яшину, то не мог назвать обстановку в театре идеальной, да и в любом театре она просто не может быть таковой, это все не имеет отношения к реальности.

– Поэтому вы решили стать свободным артистом, не принадлежать никакой труппе?

– В данный момент я нахожусь на договоре с Театром на Малой Бронной и не вижу особой разницы, кроме своего абсолютного человеческого и юридического права не вникать во все то, что может происходить в театре помимо творчества. Я прихожу в театр получать удовольствие от работы и ухожу, как только эта работа заканчивается. Отношусь к этому потребительски и не скрываю этого.

– Бывает такое, что на чужом спектакле вдруг возникает желание поработать именно с этим конкретным режиссером?

– Да, такое недавно было. Я посмотрел «Доброго человека из Сезуана», спектакль, достойный внимания и интереса, и мне захотелось поработать с Юрием Бутусовым. Буду надеяться.

– В антрепризе работать удобнее?

– Она действует в рамках определенных законов, это – ни плохо, ни хорошо, это есть, поэтому при всей удобности антрепризы я к ней отношусь спокойно.

– На каком по счету спектакле после премьеры вы начинаете получать удовольствие от новой роли?

– По-разному бывает. Евгений Евстигнеев, например, просил не приходить знакомых до одиннадцатого спектакля…

– Константин Сергеевич Станиславский считал, что лишь после десятого–пятнадцатого представления все то, что было заложено в период репетиционной работы, начинает давать результат.

– Бывает всякое. Вот в случае с «Варшавской мелодией» полное мое включение в роль пришло после тридцати спектаклей, то есть через год-полтора после премьеры. А на спектакле «Драма на охоте» я, как ни странно, уже с премьеры почувствовал внутреннюю силу и понимание того, что делаю. Таким готовым к премьере я не приходил никогда. Другой вопрос, что прошло полтора года, и я сегодня понимаю, что некий внутренний процесс не закончен, мне необходимо что-то опять менять внутри роли. Процесс достаточно сложный и интересный, главное, не испытывать муку от того, что ты делаешь на сцене. «Муки творчества» – странное словосочетание, мне кажется, в нем много неправды, когда артист говорит об этом. Это, напротив, очень интимная вещь, поскольку ничто не дает такой адреналин и смысл нашего существования, как эти муки. Без мук невозможно понять зерно роли, вычленить главное и получить, в конечном счете, удовольствие, не сравнимое ни с чем.

– Давайте поподробнее поговорим о «Варшавской мелодии». Вернулся на сцену один из самых любимых публикой спектаклей. Появилось ли что-то новое в общем рисунке спектакля, в ваших с Юлей ролях?

– Новое, безусловно, появилось, но наша рефлексия еще не закончилась, пока прошло всего два спектакля. И знаете, странное ощущение: несмотря на то, что рожала Юля, какие-то изменения появились именно во мне. Я смотрю во время спектакля на Юлю и замечаю, что как актриса она стала еще острее, еще интереснее, но рисунок ее роли остался тот же, а я, наблюдая за собой, понимаю, что есть огромная мотивация обновить все, не идти по старой схеме. За последние девять месяцев, что спектакль не игрался, во мне тоже многое поменялось. Первый спектакль был «осторожно-пристрелочный», второй – посмелее, но все это пока можно сравнить со спортивной ходьбой, а впереди еще – бег, и, возможно, когда-нибудь мы еще и полетим…

– В роли Виктора вы выходили на сцену около семидесяти раз. Вы сразу приняли и поняли своего героя? Большинство зрителей обычно склонны осуждать его.

– Что касается осуждения, кажется, в некотором смысле Леонид Зорин и сам осуждал своего героя. Выписывал он, по крайней мере, точнее и любовнее женскую историю. По моим внутренним ощущениям, я понимаю, что несколько лет назад Сергей Анатольевич Голомазов в этой пьесе в первую очередь увидел Юлю, а мужская роль, как мне кажется (без всяких обид с моей стороны), была для него вспомогательной. Мы это, кстати, никогда не обсуждали. На премьере спектакля рисунок моей роли, сырой, весь в горбинках, сложился, но мне в нем было не очень комфортно. Во втором акте я уже на премьере пытался не идти за зоринским слабым человеком, но на первых спектаклях, полагаю, зрителю это было не очень понятно. И только спустя года полтора я постепенно снял с молодого Виктора все то, что мне мешало, и благодаря этому утвердился тот концепт, который я изначально привнес на репетиции и который несколько отличался и от голомазовского представления об этой роли, и уж тем более от зоринского. Виктор совершает поступки весь второй акт пьесы. Я имею в виду его приезд в Варшаву, его желание увидеться. Десять лет у него не было этой возможности, а у нее была, между прочим. И его отказ от продолжения отношений с Гелей – не трусость, как считывают многие. Это мужество человека, понявшего, что ничего не вернуть. Все, что я говорю, не значит, что я вступал с пьесой в воинствующие отношения, Просто история, наконец, стала не про «бедную Гелю» и «слабого Виктора», в спектакле нет правых и нет виноватых, они оба сильны в своей любви и одновременно оба ломаются из-за нее же…

– Интересно, что на этом спектакле в зале много мужчин, хотя театральную публику образует чаще женская аудитория. 

– Этот спектакль смотреть интересно вдвоем, наверно, поэтому женщины приводят своих мужчин: потом есть что обсудить, поскольку женское и мужское восприятие, конечно, отличается. И я надеюсь, что то, что я вам здесь транслирую, не мозговое умозаключение, я надеюсь, что это считывается в спектакле – именно мужской аудиторией.

– Вы поработали в нескольких театрах, но Сергея Голомазова, вероятно, можно назвать вашим счастливым режиссером?

– Удивительным образом (и за это Голомазову я очень благодарен) мой внутренний человеческий камертон как артиста попадал в те работы, которые у нас с ним складывались. Это – большая удача. Работа над ролью – всегда незаконченный процесс, можно уверенно говорить только о спектаклях, которые уже не будут идти, – «Петербург» и «Безотцовщина». о спектакле «Театр – убийца» по Стоппарду в театре Джигарханяна мало кто знает, так сложилось, что команда, с которой Сергей голомазов эту работу выпускал, ушла за ним, оставив спектакль в репертуаре. Может, он и сейчас идет в театре Армена Борисовича. Это была удивительная история, мы веселились от души, репетируя этот материал. А вот спектакль «Ревизор» в Театре на Малой Бронной уже был моей идеей.

– Там такой неожиданный Хлестаков…

– Да, мне захотелось хулиганства, подобного тому, что мы когда-то разрешили себе на спектакле по Стоппарду, я там постоянно «кололся», мне было очень смешно. И вот следующий заход в мальчишество – «Ревизор». Там нет рефлексии, сплошная антирефлексия, и я получаю от спектакля большой кайф, эта роль – настоящий подарок. Приходите, кстати, в театр Et Cetera на «Драму на охоте». Антон Яковлев сделал очень сильный спектакль, непростой в восприятии. Я каждый раз вижу, как зритель сопротивляется тому, что видит, многие приходят в театр случайно, за развлечением, и только. И тут уж кто кого.

– Находясь на сцене, вы видите публику?

– Конечно, я вижу, что в зале люди сидят, но не вглядываюсь в лица. я занимаюсь своим делом.

– Но многие писатели признаются, что представляют себе образ читателя, которому адресуют свои сочинения…

– А мне кажется, они пишут для себя, потому что если им самим будет неинтересно, то и читателя они никакого не найдут. Искусство существует ради самого себя. Творческий человек не может не писать, не играть, не сочинять стихи. Не может заснуть, пока не выпишется, пока в нем это сидит. Эта вещь не поддается анализу. Искусство может воспитывать, а может и толкать к преступлению, об этом не принято говорить, но это так. Думаю, что все разговоры про образ зрителя, условного читателя – кокетство и заигрывание с потенциальным потребителем. Я, конечно, благодарен публике, что не играю в пустом зале, но творческий поток, энергия не зависят от желания понравиться зрителю…

– Что вы можете сказать о современной драме? Насколько широки границы дозволенности, приемлете ли вы на сцене, например, мат?

– Не могу определенно ответить на этот вопрос: плохо знаю современную драму, к сожалению. Что касается границ, их не существует, это вопрос вечный: где проходит черта, за которой должно срабатывать табу? Мат – часть русской культуры, в нем самом ничего плохого нет. Сцена все гипертрофирует, мат со сцены – как синильная кислота, это очень яркое средство выразительности.

– Вы участвовали в телевизионном проекте Юрия Кузавкова «Генералы против генералов», посвященном малоизвестным событиям революции и гражданской войны, к сожалению, не получившим широкой огласки. Вы сами из благополучной семьи, в которой не было репрессированных в сталинские годы или диссидентов в эпоху застоя, как вы отнеслись к этим страшным документальным историям?

– Для меня эта работа стала, если хотите, проявлением моей гражданской позиции. Несмотря на то, что фильм рассказывает о давно минувших событиях, в нем есть четкое режиссерское ощущение того, что все это соотносится с темой «государство и человек», с ролью личности в истории сегодня. У Юрия Кузавкова есть второй проект «Москва – Берлин», в который он тоже позвал меня в качестве ведущего, там еще страшнее: речь идет о становлении фашизма в германии в тридцатые годы и проводится много параллелей с советской историей. А вообще, подобное кино – долгое по судьбе, оно свою аудиторию обязательно находит. У документального фильма не может быть зашкаливающих рейтингов, и нужно спокойно к этому относиться…

– Какие чувства вы испытываете после выхода фильмов с вашим участием на экран?

– Мне интересно смотреть всю работу в целом. Фильмы, конечно, случаются разные: иногда от картины ожидаешь многого, а потом разочаровываешься, а иногда, наоборот, в процессе съемок картину недооцениваешь, а на экран смотришь – оказывается, все каким-то чудодейственным способом сложилось. Каждый раз это отдельно взятая история…

– Как вы относитесь к возрастным ролям?

– Я нахожусь в том счастливом времени, когда могу быть еще не смешон в юном периоде. В картине «Апофегей» по повести Юрия Полякова мне посчастливилось сыграть три периода: студенчество, зрелость и, скажем, совсем уже зрелость, так что не только в театре мне пока удается держать длинную дистанцию на время, как в «Варшавской мелодии».

Лариса Каневская, 17.10.2013

 

 


[ свернуть ]


Варшавская мелодия" Леонида Зорина, реж. Сергей Голомазов, Театр на Малой Бронной

31 января 2016
livejournal.com Работа удивительной чистоты и стройности, убедительная от начала и до конца, лишенная и излишней ностальгии по советскому, и великодержавного пафоса, и поддавков в прошлое, и анахронизмов. удивительная точная сценография Веры Никольской — с одной сто... [ развернуть ]

livejournal.com

Работа удивительной чистоты и стройности, убедительная от начала и до конца, лишенная и излишней ностальгии по советскому, и великодержавного пафоса, и поддавков в прошлое, и анахронизмов. удивительная точная сценография Веры Никольской — с одной стороны, скромная, непритязательная, с другой стороны: этот проход Юлии Пересильд по левой стенке, по заснеженной (очевидно, варшавской) квартире — квартире воспоминаний, той, которой уже никогда не будет, с перебиранием струн-веревочек — замечательный образ душевного тремора, эмоциональной подвижности. Момент выбора судьбы.
Скажу честно: Юлия Пересильд играет Гелену как выдающаяcя актриса. Ни много, ни мало. Вот это пресловутое «не понимаю, как сделано». Потрясающе «чистый» польский акцент. Жизнь внутри роли — вспышки стыда на щеках, охладевание, возмущение, отторжение, внезапно проснувшаяся любовь и железобетонная холодность в финале. Это роль обвинительницы — это совершенно точно. И Даниил Страхов замечательно по-своему сыграл тему старения мужского организма — старения от мук совести, мужского увядания. В третьей части это почти старик, требующий заботы, но не любви. Старик, в душе которого так и не расцвела любовь деятельная, созидательная. Гелена вела эту любовь с самого начала и она остановилась ровно в тот момент, пока она захотела вести ее сама. Современному человеку трудно объяснить, почему Виктор и гелена не могут жить вне института государственного брака. Трагедия из-за ничего. И в спектакле этот феномен целиком и полностью ложится на Виктора: он ничего не смог, не захотел сделать. Нереализованная любовь сжирает оба организма.
Еще, конечно, замечательно артисты играют тему войны. Вот это из области невозможного, непостижимого. Страхов чудесно играет первые секунды спектакля — как солдат второй мировой ошарашен звуками настраивающихся инструментов в консерватории, как он смущен и подавлен колоритом мирной жизни, как звуковая палитра и акустика консерватории действует на его поврежденный войной слух, привыкший слышать одно и то же. И у Пересильд есть это совершенно ответственно сыгранная тема полячки в оккупации. Мутный сосредоточенный взгляд, осторожная, запуганная, она боится шороха, громкого жеста, вскриков, шуршания одежд, подвинутого стула, пыла пока еще не знакомого Виктора. Пересильд чудесно отыгрывает сцену, в которой рассказывает про евреев в варшавском гетто. Тема послевкусия войны сыграна молодыми артистами наотмашь — счастливы все, кто выжил, и уже тем одним, что выжили. И сцена с дискретной, тонкой хореографией удачна — она танцует разрозненные элементы мазурки, он - Комаринского (в программке ничего не сказано про хореографа).

Одним словом, настоящий театральный восторг. Этот сезон — сезон полноценных актерских работ, актерского театра прежде всего.

И теперь совершенно ясно: Сергей Голомазов победил, и скромными, спокойными шагами постепенно привёл страдающий Театр на Бронной в чувство. Единственная проблема, которую пока не удается победить, — это зал. Я был там самым молодым. В основном, были зрители, способные сравнивать Пересильд и Страхова с Ульяновым и Борисовым не в пользу первых с аргументацией: «Эти какие-то слишком молодые, несерьезные». А ведь дело в том, что такая «Варшавская мелодия» поставлена именно для молодых. С ощущением послевоенного времени, с ощущением преград, которые нужны любви преодолевать.

Павел Руднев, 6.02.2010

 

[ свернуть ]


Не сбылось… В Театре на Малой Бронной сыграли «Варшавскую мелодию» Леонида Зорина

31 января 2016
«Итоги» Еще немножко, еще чуть-чуть, и «Варшавская мелодия», написанная на исходе оттепели, отпразднует полувековой юбилей. Но даже тогда ей не простят происхождения и будут снисходительно называть «советской классикой». Вот и сейчас еще до премьеры в кулуарах брюзж... [ развернуть ]

«Итоги»

Еще немножко, еще чуть-чуть, и «Варшавская мелодия», написанная на исходе оттепели, отпразднует полувековой юбилей. Но даже тогда ей не простят происхождения и будут снисходительно называть «советской классикой». Вот и сейчас еще до премьеры в кулуарах брюзжали: ну зачем ставить эту пьесу, когда железного занавеса давным-давно нет и все реалии позабыты. Как-то никто не вспомнил, что пьеса Зорина шла не только в 150 городах нашей страны (совсем недавно в МДТ Додиным ставилась), но и в 16 странах мира, где и слыхом не слыхивали о сталинском указе, запрещающем брак с иностранцами. Мелодрама с блестящими диалогами и двумя прекрасно выписанными ролями, несомненно, отметит еще не один юбилей. вероятно, стоит поверить автору, объясняющему долгое дыхание этой истории тем, что социальное в ней вовсе не главное: «это пьеса об обреченности. Любовь приговорена. И люди проецируют этот смысл на свое, возможно, несбывшееся». Рок, конечно, сильный движитель в драматургии, но на котурны герои, слава богу, все же не взгромождаются. а вот скромное определение — «про несбывшееся», на мой вкус, точное и не менее трагичное. театру, артистам, режиссеру остается лишь каждый раз по-своему ответить на вопрос «почему».

Режиссер Сергей Голомазов вместе с актерами Даниилом Страховым и Юлией Пересильд социальные мотивы не педалируют, но и не пренебрегают ими. Многое зависит и от глаз смотрящего. Можно увидеть в Викторе только молодого красавца, студента, увлеченного будущей профессией винодела, не чующего под собой ног влюбленного. Но можно разглядеть и другие черты. Фронтовик, каждой клеткой, всеми порами ощущающий и то, что выжил, и то, что на гражданке. И упоение победительностью, свободой, интуитивными надеждами на «послабление» режима и оттого открытость и абсолютная неготовность к новому закручиванию гаек. Потом мы будем шаг за шагом наблюдать, как он начнет «сдуваться», обретая черты совка, на глазах дурнеть, обезличиваться. Чтобы в финале в прямом смысле слова сойти со сцены, пристроиться в первом ряду партера и своими глазами увидеть закрывающийся занавес.

Геля, гордая полячка, с первых минут покоряет тем шармом, которым отмечены все женщины этого края. Но сколько же в ней индивидуальности, художественной одаренности! Ей даже необязательно петь, чтобы мы уверились, какая она талантливая певица. Гелин «Военный след» — ужасы оккупации. И Пересильд очень тонко играет неожиданные перепады в настроении своей героини, когда на нее вдруг находят воспоминания. Не зная подробностей, мы почти догадываемся о том, что ей пришлось пережить. Путь, который она проходит в спектакле, лежит ровно в противоположном, чем у Виктора, направлении. Ее второй акт, их встреча в Варшаве — торжество внутренне свободного человека. И даже потом, когда все чувства в ней умрут, она будет стоять на сцене московского театра, куда приедет на гастроли, с прямой спиной, высоко подняв плечи. Трагедия гели не в том, что их разлучили, а в том, что Виктор оказался не тем. Не сдюжил. Потому-то они по разные стороны занавеса. Теперь уже не железного…

Мария Седых, 21.12.2009

[ свернуть ]


Иностранка в МосквеПреодолима ли, в конце концов, граница между востоком и западом… Вслушаемся снова в музыку «Варшавской мелодии»

31 января 2016
Преодолима ли, в конце концов, граница между востоком и западом… Вслушаемся снова в музыку «Варшавской мелодии» Точную, спокойную, неспешную интонацию «Варшавской мелодии» на Малой Бронной задает голос автора, Леонида Генриховича Зорина, читающего самую первую ремар... [ развернуть ]

Преодолима ли, в конце концов, граница между востоком и западом… Вслушаемся снова в музыку «Варшавской мелодии»

Точную, спокойную, неспешную интонацию «Варшавской мелодии» на Малой Бронной задает голос автора, Леонида Генриховича Зорина, читающего самую первую ремарку пьесы — про зиму 1946 года, про снег, свежий воздух и героя, от лица которого ведется повествование, и которому в тот день не сиделось дома… Виктора, вчерашнего из зимы 46-го года, и победителя, который еще не успел расстаться с офицерской шапкой и гимнастеркой, (в спектакле, поставленном в Театре на Малой Бронной Сергеем Голомазовым), играет Даниил Страхов, а Юлия Пересильд играет Гелену.

Первая сцена — знакомство героев на концерте в московской консерватории. До первых слов встречи мы слышим звуки настраиваемых инструментов, — точно так же и первый разговор героев, и первый вечер — до начала концерта, в антракте, и после концерта — чувствуется такая же настройка, более или менее тонкая, понимание-непонимание, осложненное в пьесе разноязычием героев. А еще — разностью опыта: он - офицер армии-победительницы, она — из братской Польши. Иностранка.

Если вернуться чуть-чуть назад, к настраивающемуся оркестру, следует сказать, что Пересильд начинает роль с очень верной ноты (и дальше — нигде не фальшивит, демонстрируя на всем протяжений спектакля высокий класс игры, игры виртуозной). Когда она появляется на сцене, по сюжету — в большом зале консерватории, ее будущий собеседник, конфидент уже в соседнем кресле. До первых слов она бросает взгляд на человека, которого здесь не должно быть, поскольку место рядом принадлежало подруге. Она оборачивается и как-то «строго» садится на свое место, как бы экономя силы, как будто собирая их на то, чтобы задать первый вопрос, сказать: «Молодой человек, это место занято…. здесь будет сидеть моя подруга…» — говорит, не глядя на молодого человека. Не желая сближения. Поправляет волосы, собранные в косичку. Она, в этот момент замечаешь, со всех сторон закрыта: в речи — акцентом и всегдашней возможностью убежать, спрятаться в своем родном, польском; в одежде — в платье, которое плотно облегает шею «старинным» кружевным воротником. И каждое ее слово овеяно музыкой Шопена, который поможет не ему, а ей - выйти этим вечером победительницей.

Как она сосредоточена! С какой прямой спиной, будто перед самим Шопеном сидит по стойке «смирно». Слушает музыку, слушая одновременно, и как всё в её организме откликается на эти звуки. Как часто в эту первую встречу в ее пластике повторяется жест стерегущей руки, то и дело, словно предупреждающий намечающееся было и такое возможное, такое понятное — естественное! — сближение. Точно предугадывает всё, что случится в дальнейшем. Но - все-таки не противится продолжению случайного знакомства, соглашается на следующую встречу и на все испытания будущего. Это как раз и понятно, иначе не было бы никакой истории, никакой «Варшавской мелодии». Когда концерт в консерватории заканчивается, ясно, что Шопен их уже «повенчал».
Пьеса Леонида Зорина — пьеса не характеров, а идей, но идеи не мешают сюжетосложению, и, если можно так сказать, телосложению, то есть кристаллизации не только двух «закрытых» систем, диалогу Европы и России, но и двух характеров, — с каждой последующей встречей они становятся резче, будто годы их отесывают, как катера и кораблики — деревянные сваи причала (вот он, зримый образ известной мысли, что время ничего не щадит). Пьеса Зорина — это, прежде всего обмен героев замечательными, колкими репликами, в своей завершенности почти готовыми афоризмами. В этом диалоге почти равных соперников, тем не менее, Гелена — ведет игру, а Виктор — отбивает удары. В жизни он ранит, он - ударяет, а в репликах — ведет она, можно так сказать, — в порядке компенсации. Вот гелена говорит, что способность к языкам — всего лишь способность к подражанию, а все женщины немного обезьянки.
Так она не только говорит, но и вправду — сама не боится походить на обезьянку, в меховой шапке с длинными ушами. Изощренная в словах, она одновременно остается простодушной, открытой, искренней. Доверчивость — в сочетании с ироничным европейским умом. А напряжение ее - это, становится понятно, — еще и напряженное состояние человека, который думает на чужом языке, контролирует речь. Пересильд это самое — естественное для чужестранца — состояние, напряжение играет, не играя, безо всякого усилия, именно — как естественное состояние своей героини. Так же, как стало естественной деталью, частью речи, частью характера ее Гелены «л», которое у поляков по-русски чуть-чуть сливается, пересекается с «в». Пересильд, если можно так сказать, «открывает» свою героиню через узнаваемый польский акцент, эта дистанция речи проходит с ней с первой до последней реплики. Причем этот акцент — не агрессивный, а живой и характерообразующий. Но еще сильнее, чем акцент, чем речь действует взгляд актрисы, даже в самые захватывающие минуты отстраненный, сохраняющий расстояние. 

Она и ведет интригу и одновременно хочет оставаться слабой, чувствовать в Викторе ту стену, которая ее защитит от неприятной советской действительности. Однако не испугавшийся Гитлера, Гитлера победивший, в пьесе Зорина, как известно, победитель Виктор пасует перед неприятными, неблагоприятными обстоятельствами.
Юлия Пересильд — свободный художник. 

Когда речь идет о журналистах, то, на мой взгляд, «независимый журналист» — синонимом безработного. У актеров — иначе. Окончив ГИТИС у Олега Кудряшова, она сыграла Сюзанну в антрепризном спектакле «Figaro. События одного дня», в двух спектаклях Театра Наций — «Шведской спичке» и в «Рассказах Шукшина»… 

Необходимое — по пути — отступление: когда в Москву приезжали Петер Штайн, а за ним — Деклан Доннеллан, начиная работу с русскими артистами, они на главную роль, независимо друг от друга, выбрали Евгения Миронова. На вкус многих — очень русского. И они, конечно, думали о том, чтобы в России, с русскими актерами, поставить что-то, Скажем так, чуть более русское, чем —то, что они делают в Германии, Италии или Великобритании. И все равно, конечно, делали свой — европейский выбор. И этим русским — по европейски русским — актером, им понятным, им близким становился Евгений Миронов. Не знаю, ясна ли моя мысль. надеюсь, что так.

Мне кажется, и в игре Пересильд есть похожее сочетание и глубокого переживания и какой-то очень важной, понятной европейцу (она, вместе с Мироновым, играет в спектакле Алвиса Херманиса «Рассказы Шукшина») лёгкости. Лёгкости преображения, отточенности каждого жеста, если можно так сказать — сочетания русской психологической школы с какою-то французской… Скажем так, ремесленной легкостью.

Если смотреть «Варшавскую мелодию» не один раз, один из спектаклей можно посвятить только ее лицу, глазам, смотреть за сменой выражения, мгновенными и, кажется, ежесекундными преображениями, жизнью глаз, мускулов, мгновенными напряжениями и расслаблениями мышц. Морщит лоб и в следующую секунду снова — безмятежное состояние. .. Игра Пересильд — редкий случай, когда можно следить за развитием сюжета, характера по жизни рук, по жизни глаз. И когда Гелена говорит, и когда молчит. ..

Ничего не получится из этого ее романтического приключения, из этой европейской иллюзии — романа с Россией. Что еще удается сыграть актрисе, — состояние «после войны», после всех ее ужасов — как бы новое рождение мира, свежесть реакций, детскость взрослых людей. И она, уже взрослая девушка, вдруг как ребенок, не чувствуя подтекстов, рассказывает ему, как ее лечили подруги, вытаскивали из простуды; как горело всё тело и она в конце концов разделась и лежала «голая-голая»… такая обаятельная в этом своем простодушном рассказе, что и не будучи уже влюбленным, увлеченным Геленой Виктором, просто рядом с нею, наверное, трудно было бы удержаться и не броситься к ней с «неподходящими» поцелуями.
…А он ее спрашивает: «Который час?».

Когда Голомазов только приступил к репетициям «Варшавской мелодии» и возникли имена актеров — Страхова и Пересильд, не было желания спрашивать: Почему так? Понятно, почему Страхов — Голомазов с ним работал когда-то в театре гоголя, тот играл в «Петербурге», потом Страхов играл на Бронной при Житинкине. Всё понятно. Ну, а Пересильд? А кто же еще? Она, в этом не было сомнений, — идеально совпадала с Зоринской Геленой, гордой полячкой, студенткой московской консерватории в начале пьесы и певицы, популярной, выезжающей на гастроли, (но все так же - гордой полячки) — к финалу.

Ушла в историю советская власть, помешавшая соединению Виктора и Гели, издавшая в 1947 году указ о запрете браков с иностранцами. Остался, никуда не исчез, наверное, никогда не исчезнет — вечный диалог России и Европы, в пьесе Зорина «материализованный» в двух героях, Викторе и Гелене. Отвлекаясь от эмоционального впечатления — а пьеса Зорина сильна именно прямым эмоциональным зарядом, когда невозможно ничего поделать с собой, слезы катятся, и ты, точно чеховским героям, сочувствуешь и гордой полячке Гелене, и пасующему перед «обстоятельствами непреодолимой силы», жалкому «победителю» Виктору.

Григорий Заславский, 02.2010

 

[ свернуть ]


Наталья

20 января 2016
Здравствуйте, давно не была на таких спектаклях. Игра актеров завораживает,спектакль смотрится на одном дыхании! Браво! Отдельное браво,конечно, Виктор Сухоруков, Александр Самойленко и Агрепина Стеклова! Была первый раз на этом спектакле,но чувствую,что на нем всегд... [ развернуть ]

Здравствуйте, давно не была на таких спектаклях. Игра актеров завораживает,спектакль смотрится на одном дыхании! Браво! Отдельное браво,конечно, Виктор Сухоруков, Александр Самойленко и Агрепина Стеклова! Была первый раз на этом спектакле,но чувствую,что на нем всегда аншлаг!!! Браво!

[ свернуть ]


Гафурова Нигора

3 января 2016
Нарнийский дух. Сегодня смотрели спектакль "Принц Каспиан" в Московском драматическом театре на Малой Бронной. Спектакль шедевральный. Просто изумительный.Высочайшее качество постановки. Присутствует все - и хорошая игра актеров, пару красивых песен, отличные декорац... [ развернуть ]

Нарнийский дух. Сегодня смотрели спектакль "Принц Каспиан" в Московском драматическом театре на Малой Бронной. Спектакль шедевральный. Просто изумительный.Высочайшее качество постановки. Присутствует все - и хорошая игра актеров, пару красивых песен, отличные декорации, спецэффекты, юмор. Отличный спектакль, создающий настроение волшебства и чуда.

[ свернуть ]


Калиния Андреевна Ковалевская

28 декабря 2015
Замечательный спектакль, великолепное актерское исполнение, интересная постановка. Не знаю насколько мне удалось прочувствовать всё то, что режиссёр и актёры хотели передать зрителю, но после спектакля я вышла с настолько противоречивыми чувствами, что даже эмоциями ... [ развернуть ]

Замечательный спектакль, великолепное актерское исполнение, интересная постановка. Не знаю насколько мне удалось прочувствовать всё то, что режиссёр и актёры хотели передать зрителю, но после спектакля я вышла с настолько противоречивыми чувствами, что даже эмоциями выразить их не могла. Очень приятно, что есть такие спектакли как этот, которые затрагивают душу зрителя и дают возможность задуматься, понять, открыть что-то в себе. Это прекрасно! Отдельно хотелось бы написать о зрителях. Возможно я так не очень удачно попала на спектакль. Я пришла на этот спектакль с мамой и наши места были в амфитеаире. Всю первую часть до антракта смотреть было очень тяжело из-за постоянных разговоров зрителей, доносящихся с разных сторон. После антракта мы уже не выдержали и попросили разрешения пересесть на свободные места. Вторая часть прошла спокойнее, но все-равно были либо слышны голоса из зала, либо телефон звонил, либо другой посторонний шум. Мне очень обидно, что люди не ценят и не уважают работу других, ведь актёры и вся команда, участвующая в постановке спектакля, так для нас стараются. Очень надеюсь, что люди изменятся в лучшую сторону. Помимо негативного стоит заметить, что была и положительная сторона. По окончанию спектакля зрители аплодировали стоя, кричали "браво" и это было очень приятно. В целом данный поход в театр мне очень понравился. Благодарю всю команду, принимавшую участие в постановке спектакля. Отдельно выражаю благодарность режиссёру - Павлу Сафонову, актёрам, замечательно исполнившим свои роли: Ивану Шабалтасу, Ольге Ломоносовой, Григорию Антипенко, Дмитрию Варшавскому и другим. Спасибо этому театру за замечательный спектакль! Обязательно приду к вам ещё раз.

[ свернуть ]


Дарья

27 декабря 2015
Сегодня была на спектакле "Принц Каспиан". Он просто великолепен. По сравнению с другими спектаклями которые я видела этот- самый лучший. Его ни с чем не сравнить. Очень советую сходить. Особенно в этой постановке меня впечатлил своей потрясающей игрой и красотой Лев... [ развернуть ]

Сегодня была на спектакле "Принц Каспиан". Он просто великолепен. По сравнению с другими спектаклями которые я видела этот- самый лучший. Его ни с чем не сравнить. Очень советую сходить. Особенно в этой постановке меня впечатлил своей потрясающей игрой и красотой Лев Аслан.

[ свернуть ]


Елена Соловьяева

24 декабря 2015
23 декабря. В театре на Малой Бронной вновь звучала пронзительная «Варшавская мелодия». Звучала уже ы 100 раз!!! И опять неизменный аншлаг! И опять смех, переходящий в слезы от этой надрывной истории любви, истории длинною в жизнь, истории, у которой, увы, не получил... [ развернуть ]

23 декабря. В театре на Малой Бронной вновь звучала пронзительная «Варшавская мелодия». Звучала уже ы 100 раз!!! И опять неизменный аншлаг! И опять смех, переходящий в слезы от этой надрывной истории любви, истории длинною в жизнь, истории, у которой, увы, не получилось счастья, но каждый из героев сохранил эту несбывшеюся любовь в глубине своей души и сердца, пронеся через всю жизнь. Удивительно, как всего два актера магией своего таланта и эмоциональной энергетикой завораживают весь зрительский зал и ведут за собой в свой мир, мир на двоих, где один без другого просто не может существовать. Даниил, Юлия, низкий вам за это поклон! И как хочется, чтобы ваша мелодия звучала еще много лет, оставляя в сердцах зрителей это волшебное «послевкусие». Сердечная благодарность режиссеру Сергею Анатольевичу Голомазову, воплотившему на сцене это чудо! Как приятно было вчера видеть его на поклоне вместе с Даниилом и Юлией! Было много цветов и от театра в честь юбилейного спектакля и от зрителей. Даниил со сцены поздравил всех с Наступающим Новым годом, создав тем самым очень светлую предпраздничную атмосферу. С уважением и благодарность за прекрасный вечер. Сайт http://daniil-strahov.ru/

[ свернуть ]


Принц Каспиан

18 декабря 2015
Очень яркий и трогательный спектакль! Племянница попросила сводить теперь на Тайны старого шкафа! Спасибо за удовольствие!

Очень яркий и трогательный спектакль! Племянница попросила сводить теперь на Тайны старого шкафа! Спасибо за удовольствие!

[ свернуть ]


Смена курса

9 декабря 2015
После шумного «Берега утопии» в РАМТе стало очевидно, как недостаёт столичной сцене работ Стоппарда, богатых мыслью и чувством. Однако, Сергей Голомазов — давний поклонник драматурга (когда-то он сам играл в российской постановке «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» в ... [ развернуть ]

После шумного «Берега утопии» в РАМТе стало очевидно, как недостаёт столичной сцене работ Стоппарда, богатых мыслью и чувством. Однако, Сергей Голомазов — давний поклонник драматурга (когда-то он сам играл в российской постановке «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» в Театре Маяковского), на сцене руководимого им Театра на М. Бронной поставил «Аркадию», самую, пожалуй, изощрённую интеллектуальную игру сэра Томаса.

В приложении к программке театр разъясняет некоторые темы, затронутые драматургом: рассказывает нынешнему зрителю, что за страна Аркадия, кто такой Байрон и каковы 2-й закон термодинамики и теорема Ферма. Последнее особо важно, поскольку язвительный автор вывел среди героев тринадцатилетнюю девочку, гениального математика, опередившую своё время, и контраст с уровнем образованности публики должен придать действию дополнительную энергию, а зрителю — обострённость восприятия. Впрочем, Стоппард вряд ли ожидал, что его создание столкнётся с аудиторией, которой надо растолковывать элементарные вещи. Мощь мысли, столкновения интеллектов нечасто в чести на русской сцене, а сегодня особенно не востребованы.

Сценограф Алексей Порай-Кошиц от портала к порталу выстроил стену старого дома, сквозь окна-двери которой чудятся иные пространства, точно следуя пожеланиям автора. Персонажи на авансцене подаются крупным планом, их хочется разглядывать, разгадывать, поверять на соответствие эпохе — не все выдерживают проверку. Стоппард верен единству места — всё происходит в одной усадьбе, но насмехается над единством времени: сцены из начала века ХIX (в этой усадьбе гостил Байрон) сменяются эпизодами конца ХХ (расследуется случай, связанный с пребыванием знаменитого лорда). Соответственно кто-то из актёров играет давно ушедших, кто-то наших современников, причём драматургу важна зримая смена героев и столетий, порой он одновременно помещает на сцене персонажей разных эпох. Режиссёр ещё усиливает мотив быстротечности, изобретая общее для них действие: вот юной леди учитель возвращает тетрадку — её передают из рук в руки, сидящие рядом люди двух столетий. А вот распахиваются двери в сад — у каждой из створок стоят, глядя друг на друга или в зал, дальние предки и нынешние потомки…

В таком коллаже необходимо мгновенное узнавание, чёткое отличие представителей века минувшего от сынов и дочерей последующего — качество, почти утраченное современной сценой, предпочитающей вневременную условность. Игра в прошлое убедительна у Данила Лавренова, ещё недавнего актёра питерского МДТ (завидное приобретение для столичных подмостков в целом): его учитель Септимус сдержан и раскован, как и подобает аристократу (в его дружбу с мятежным Байроном веришь безоговорочно), дерзок и нахален, как положено 22-летнему, но и способен быть требовательным и заботливым по отношению к своей взбалмошной ученице. Пожалуй, только его неразделённая любовь к хозяйке усадьбы, леди Крум нуждается в более рельефном выражении, но тут можно предъявить претензии к исполнительнице этой роли Ларисе Богословской — актрисе тонкой, но здесь перемудрившей с эксцентрикой. Её героиня не вызывает особой симпатии, и любовь учителя ставится под вопрос.

Вообще знаменитая британская оригинальность, которую с любовной усмешкой описал Стоппард, зачастую понимается артистами как клоунада (нечто родственное Комеди Клабу), что разрушает изящество авторских построений. Разве что опытнейший Владимир Ершов, который первым выходом своего героя, разгневанного рогоносца, тяготеет к эстраде, в дальнейшем рисует с изяществом бездарного и тщеславного поэта.

Пока сомнения вызывает центральная героиня — тринадцатилетняя девочка в исполнении Антонины Шеиной, грациозной ученицы Голомазова. От неё требуется филигранное распределение сил, поскольку роль тройной сложности: вначале никто из зрителей, как и из действующих лиц, не подозревают в капризном подростке основного персонажа, единственного, кто войдёт в историю благодаря собственным заслугам, а не знакомству с великим человеком. Проследить превращение утёнка в лебедя — задача уже трудная, а тут ещё преображение возрастное, расцвет женственности из угловатого подростка (недаром Стоппард дал ей лета Джульетты). Наконец, надо сыграть гениальность, передать взрывчатую смесь заурядной зубрёжки и головокружных прозрений, от которых теряет дар речи даже её суперобразованный педагог. (В эти открытия не могут поверить высокомерные потомки следующего столетия. )

Стоппард не случайно настаивает на схожей обстановке той же единственной комнаты: «нет необходимости заменять предметы быта, присущие началу прошлого века, современными — пускай соседствуют на одном столе». Для драматурга важны перемены в человеческой психологии — если они и в самом деле появились за пару столетий (будь изменения свидетельством деградации или прогресса).

Среди наших современников первое место занимает — в пьесе и постановке — Ханна Джарвис, писательница, которая, как тогда Байрон, гостит в том же поместье. Для Веры Бабичевой, актрисы нервной и энергичной, важно, что её Ханна — единственный человек, способный сочетать мысль и чувство, реальность существования и возможность полёта. Баланс между приземленностью и мечтой — не условие ли мифической и манящей Аркадии? Ханна у Бабичевой резка, но и по-женски уступчива: положение автора бестселлера осложняется помолвкой со старшим сыном хозяйки, сегодняшним математиком, который не верит в открытия, сделанные когда-то его дальней родственницей. Валентайн в исполнении Андрея Рогожина — ещё одно точное актёрское создание, бесстрастный приверженец точной науки.

Ханне удаётся пробудить в нём человечность, но надолго ли? Остальные современники выглядят бледнее, будь то антипод Ханны — байроновед Солоуэй, падкий на мыльные сенсации, или ещё одна представительница владетельного рода — раскованная, а на деле зацикленная на утверждении своей свободы Хлоя. У молодых актёров, включая и Ивана Макаревича, единственного, кто исполняет две роли — Гаса из века ХIХ и Огастеса из века ХХ, заметен общий недостаток: они обучены, но не воспитаны.

Это означает приемлемое поведение их персонажей на уровне обыденности (органично — на профессиональном сленге), простейших реакций, «сериальности» — в послужном их списке мелькают то «Моя прекрасная няня», то «Бой с тенью». Съёмки в такого рода действах опасны — особенно для молодых, не обладающих иммунитетом, — ориентацией на непритязательного зрителя. На сцене молодые не в состоянии ни осознать место своего героя в общей мозаике образов, ни сыграть родственное сходство, ни даже актёрски выступить сплочённой командой со старшими.

Есть и претензии к более опытным лицедеям, поскольку самыми уязвимыми моментами спектакля оказываются состязания интеллектов. Из трёх видов энергии, которые должны властвовать на подмостках, в необходимой мере есть лишь эмоциональная, традиционно сильная для русской сцены. Менее благополучно с другой — энергией физических действий, хотя кто-то из молодых может пройтись колесом. Но вот с мозговыми атаками и усилиями совсем скверно. Там, где у драматурга напряжение поиска, как правило, заключённое в монологи, исполнительница подменяет его взрывом эмоций, порой меняющим смысл происходящего, а то его и вовсе отменяющим. Это общая беда столичной сцены: на премьере «Аркадии» не раз и не два вспыхивал групповой гогот — свидетельством присутствия в зале тех, кто пришёл не понимать, но ржать.

Справедливости ради: театр предыдущими работами «Концертом для белых трубочистов» и «Хрониками Нарнии» сам спровоцировал необандерлогов. В связи с такой аудиторией: зря постановщик пренебрёг фигурой самого Байрона — его зримый образ (на портрете ли, тенью, безмолвным персонажем или ещё каким-либо способом) придал бы происходящему на сцене масштаб, который замышлял Стоппард. Пусть даже русской публике облик поэта скажет меньше, чем жителю Альбиона, — достаточно представить на его месте Лермонтова или Блока, чтобы оценить замысел драматурга. Тогда бы и сами актёры внимательнее отнеслись не только к цитируемым ими строкам Байрона, но и к той изощрённой словесной игре, затеянной Стоппардом и блестяще переданной переводчиком Ольгой Варшавер. Эта сторона представления проработана недостаточно.

Но самое ценное — внятный поворот Сергея Голомазова и Театра на М. Бронной от поверхностной развлекаловки к полнокровному повествованию, рассчитанному на подготовленную публику. Ведь сегодня большинство не только второсортных антреприз, но некогда солидных стационаров превращены в балаганы при соответствующем зрителе, которому упорно внушают, что какая-нибудь «Голая пионерка» или «Фигаро» и есть настоящее искусство. Даже былой «театр интеллигенции» — МХТ — с радостью променял верную и грамотную аудиторию на новую толпу. Среди сотен столичных театров по пальцам можно перечесть тех, кто требует к себе уважения: с «Мастерской П. Фоменко» во главе. Новой премьерой в невеликую ту флотилию включается, возобновляя славные свои традиции, и Театр на М. Бронной.

 

Геннадий Демин

Планета Красота

[ свернуть ]


Сто пудов любви и никакого выхода

9 декабря 2015
Актрису Веру Бабичеву настоящие театралы знают уже давно благодаря ее работам в спектаклях Театра им. Вл. Маяковского. Телезрителям хорошо запомнились образы, созданные артисткой в сериалах «Обручальное кольцо» и «Крем». Сегодня Вера Бабичева играет в спектаклях Теат... [ развернуть ]

Актрису Веру Бабичеву настоящие театралы знают уже давно благодаря ее работам в спектаклях Театра им. Вл. Маяковского. Телезрителям хорошо запомнились образы, созданные артисткой в сериалах «Обручальное кольцо» и «Крем». Сегодня Вера Бабичева играет в спектаклях Театра на Малой Бронной «Три высокие женщины» и «Аркадия», которые идут с неизменным успехом.

«Yтро»: Вера, что было самым сложным в работе над ролью Ханы Джарвис в спектакле «Аркадия»?

Вера Бабичева: Пьесу я прочла лет 15 назад, и тогда эта роль меня околдовала. Я мечтала о ней все эти годы. Когда постановщик спектакля Сергей Голомазов начал работу над «Аркадией» и доверил роль Ханы мне, это было счастье. Сначала у нас с ним все совпадало: тема спектакля и роли — у нас вообще схожий театральный вкус, недаром я сыграла в восьми спектаклях, поставленных им. Но вдруг мы разошлись в понимании этой роли. Он представлял Хану неким библиотечным червем, а я шла от слова «писательница», которое есть в пьесе Стоппарда. Его героиня, ставшая автором бестселлера, ищет в жизни ответа на вопрос, почему нет любви, нет теплоты, а есть предательство и холод. Вот такой образ Ханы Джарвис я отстаивала, боролась с режиссером, и так ему надоела, что он мне поверил. 

“Y”: Как вы думаете, почему «Аркадию» называют лучшей пьесой современности?

В. Б. : Потому что она восхитительна. В ней есть все. Она обращена к умным людям, и этим самым поднимает людей в их собственных глазах, ведь с ними говорят на языке мудрецов. Я обожаю пьесы Чехова, они всегда меня волновали. И все, что Чехов так мучительно, до смерти любил или ненавидел, к нам пришло в новом времени и в новом качестве — написанное потрясающим человеком Томом Стоппардом. В «Аркадии» тоже «сто пудов любви и никакого выхода». Я влюблена в обоих — и в Чехова, и в Стоппарда, как Хана Джарвис в отшельника. Смотреть этот спектакль и играть его — значит уважать самое себя.

“Y”: Вы играете в спектакле Сергея Голомазова «Три высокие женщины» по пьесе Эдварда Олби, который идет уже шесть лет. Почему, на ваш взгляд, эта постановка так любима зрителями?

В. Б. : Это гениальная и очень честная пьеса. Мы пытались быть в ней честны перед зрителем, как перед Богом. Мы ведь в жизни стараемся не говорить о смерти, потому что нам страшно, хотя мы все знаем, что уйдем из этого мира. В спектакле мы пытаемся понять, что же это такое — конец жизни? Что есть финал? Что есть наши ошибки? Было страшно на репетициях заглядывать «туда», а также в свою жизнь, и в свои ошибки — иначе это не сыграть. Мы стараемся делиться со зрителем тем, что с нами происходит сейчас, и спектакль каждый раз идет по-новому. Это тоже одна из причин популярности спектакля. Следить за тем, что происходит с актером, для зрителя бывает интереснее, чем следить за сюжетом.

“Y”: Как вы готовитесь к спектаклю? За неделю, за день, за несколько часов?

В. Б. : Мои педагоги меня учили: в день спектакля ты должен проснуться своим персонажем. Так и я учу своих студентов. Не в том смысле, что я сошла с ума, проснулась Ханой Джарвис и заговорила по-английски. Нет. Я делаю все обычные вещи — чищу зубы, готовлю обед, мою посуду, но будто надеваю на себя своего персонажа. Так происходит уже много лет. Я стараюсь ни с кем не встречаться в этот день, не репетировать. Но когда такое случается, то я становлюсь под душ, смываю с себя весь этот день и снова накладываю грим. 

“Y”: С кем из режиссеров вам и интереснее и сложнее всего работать?

В. Б. : Конечно, с Сергеем Голомазовым, моим мужем. Он всегда предлагает интересные, парадоксальные ходы. Я люблю играть в его спектаклях, потому что в них всегда остается возможность расти. Но играть в его спектаклях я люблю больше, чем репетировать. С ним сложно работать, потому что он ко мне необъективен, все время упрекает меня, что я не идеальна, а я считаю, что он не может требовать от меня идеала. И он не дает на репетициях ту необходимую мне свободу, которая есть у других актеров. Но, как говорил Мандельштам своей жене: «Кто тебе сказал, что мы должны быть обязательно счастливы?». Кто мне сказал, что это должно быть обязательно легко? Но играть в его спектаклях — это счастье.

Виктория Семенова

Yтро.ру

[ свернуть ]


Удовольствие от прочтения

9 декабря 2015
Художник Алексей Порай-Кошиц выстроил на сцене мир старинного английского поместья. От пола до потолка высится стена, выходящая в сад: много стекла, обрамленного темным деревом. Пространство дома семьи Каверли ограничено авансценой — узкий пятачок, уютно заставленный... [ развернуть ]

Художник Алексей Порай-Кошиц выстроил на сцене мир старинного английского поместья. От пола до потолка высится стена, выходящая в сад: много стекла, обрамленного темным деревом. Пространство дома семьи Каверли ограничено авансценой — узкий пятачок, уютно заставленный старинной мебелью с блестящими латунными ручками. А занавес в этом спектакле, что закрывается в финале первого акта, не занавес в привычном понимании: подобно тяжелым гардинам он отгораживает дом от неуютного пустоватого сада, оставляя зрителей на время антракта внутри спектакля, а не наедине с театральным буфетом. Действо, по сути, не прерывается: просто комнату на время покидают ее обитатели.
Действие самой известной пьесы живого классика Стоппарда разворачивается в одной и той же комнате, но попеременно: то два века назад, то сегодня. И в обоих случаях тень лорда Байрона преследует героев: то в виде Септимуса Ходжа (Данил Лавренов), друга учителя хозяйской дочки Томасины, то в образе исторического персонажа, про которого много десятилетий спустя можно написать книгу по сохранившимся в усадебной библиотеке документам.

Со сложным текстом пьесы Стоппарда худрук Бронной Сергей Голомазов обошелся бережно: хоть и сократил, но сокращения эти ухо не режут. На самом деле большая заслуга команды, работавшей над «Аркадией», в том, что пьесу они не испортили. Напротив, это тот редкий спектакль, который можно слушать. То есть смаковать реплики, получая удовольствие от языка (перевод с английского — Ольги Варшавер). Похоже, подобное удовольствие получают и актеры.

Героиня Веры Бабичевой — современная писательница Ханна Джарвис, яркая, взбалмошная и острая на язык дамочка. Она бесконечно пикируется с коллегой-конкурентом Бернардом (Иван Шабалтас), держит на расстоянии жениха Валентайна Каверли (Андрей Рогожин), осаживает дочку хозяев. Эта кошка в окружении мышек упивается интеллектуальной игрой, жонглируя словами и интонациями.

Шабалтас же, напротив, играет этакого развязного хлыща, напыщенного, неудачливого и неталантливого — что становится совсем очевидно от того, как мелким горохом сыплются умные слова. Он не говорит, а трещит, почти через запятую, интонация появляется лишь в тех местах, где Бернард Солоуэй переходит на человеческую речь с наукообразной.

Худрук Театра на Малой Бронной, будучи педагогом РАТИ, активно привлекает к работе в театре и своих теперешних учеников, и недавних выпускников мастерской. «Аркадия» не стала исключением. Юную Томасину Каверли играет Антонина Шеина, и в сочетании с удивительным личным актерским обаянием мощный текст Стоппарда в устах миниатюрной черноглазой девочки (того и гляди поверишь, что ей взаправду тринадцать!) обретает почти космический масштаб. А за Хлоей Екатерины Дубакиной вовсе очень приятно наблюдать. Между прочим, это та самая Дубакина, что сыграла Машу в ситкоме «Моя прекрасная няня»: так сериалы порой не портят артистов, а, напротив, дают им путевку в профессию. Какой-то совершенно женский получился спектакль: мужчины у этих женщин просто на подхвате, чтобы вовремя реплику подать, хлесткую, как крученая подача во время игры в теннис. 

При всем том пиетете перед текстом, который явно испытывала вся команда, Голомазов использовал этот естественный трепет в свою пользу. Позволяя пьесе и драматургу стать полноправным участником постановки, в течение всего спектакля он находит много изящных режиссерских решений. Вот одно из них. В финале пары собираются танцевать вальс и танцуют его не шелохнувшись. Прислонившись спинами к притолокам открытых в сад дверей, дамы и джентльмены просто смотрят друг другу в глаза, но при этом со всей очевидностью кружатся в бессмертном «раз-два-три, раз-два-три, раз-два-три».

Анастасия Томская

Журнал "Театрал"

[ свернуть ]


На фоне Байрона

9 декабря 2015
Так сложилось, что первой драматической премьерой нового сезона стал спектакль «Аркадия» в Театре на Малой Бронной, поставленный художественным руководителем театра Сергеем Голомазовым. Если верить примете, что как сезон начнешь, так его и проведешь, театральный год ... [ развернуть ]

Так сложилось, что первой драматической премьерой нового сезона стал спектакль «Аркадия» в Театре на Малой Бронной, поставленный художественным руководителем театра Сергеем Голомазовым. Если верить примете, что как сезон начнешь, так его и проведешь, театральный год обещает быть весьма качественным по своей драматургической составляющей, режиссерски грамотным и профессиональным, но без особых потрясений. Так что в данной ситуации примете хочется верить лишь наполовину.

Англичанин Том Стоппард, особенно после триумфа «Берега утопии» Алексея Бородина в РАМТе, — почти что «наше все». Для Сергея Голомазова он тоже персона весьма значимая, он и играл в его пьесах, и ставил их. Без особого, впрочем, резонанса, но отнюдь не провально. К тому же Голомазов, в отличие от многих прочих постановщиков, — режиссер думающий. Хотя это не упрек «всем прочим» в легкомыслии. Просто думы бывают разными. Голомазова, кажется, более волнуют не аспекты самовыражения, не стремление быть модно-эпатажным, но та самая литературно-драматургическая основа спектакля. Он всегда уважительно относится к любому автору, отбирая их, впрочем, очень тщательно и пристрастно. Он полон желания разгадать авторскую мысль и адекватно перенести ее на сценический язык, не смущаясь философскими длиннотами, многословием и обилием концепций и сюжетных поворотов, от которых иной легко бы избавился с помощью ножниц. 

Но Том Стоппард, пусть и признанный многими знатоками лучшим драматургом ХХ столетия, для отечественной публики, особенно той, что причисляют к категории «массовой», весьма непрост. А все потому, что блестящий стилист и замечательно образованный человек нуждается в публике одной с ним интеллектуальной категории. Особенно это касается пьесы «Аркадия», где в обманчиво легкой форме смешано все что можно: философия и математика, литература и этика, прошлое и настоящее. К тому же все ее персонажи — люди исследовательского склада ума и характера, для которых, вероятно, делом всей жизни может стать поиск неизвестной записки лорда Байрона или математические изыскания, а не борьба за хлеб насущный и прочие земные блага. То самое, что тяготит сегодня среднестатистического россиянина. Пропустить все это через себя бывает сложно, понять иначе стоппардовскую историю невозможно. Пусть он и обрамляет ее замечательным сюжетом с влюбленностями, дуэлями и прочими жизненными вещами.

Кстати, «Аркадия», востребованная в мировом театре пьеса, в России этим похвастаться не может. Из памятных спектаклей — лишь версия эстонского режиссера Эльмо Нюганена в петербургском БДТ. «Аркадия» же Александра Марина в Театре под руководством Олега Табакова не снискала особой популярности и долгой сценической жизни, сегодня же и вовсе забыта. Так что Сергей Голомазов с этой пьесой на столичной сцене — по-своему первопроходец, конечно же, пустившийся в рискованное путешествие. Безусловно, заслуживающее уважения своими высокими целями. Проблема в том, что актеры Театра на Малой Бронной воплотить эти цели в жизнь, кажется, еще не слишком готовы.

Тем более что Сергей Голомазов ставил, как уже говорилось, скорее, просто пьесу Стоппарда, чем собственное режиссерское к ней отношение. Ставил грамотно, умно, профессионально, без постановочных изысков, доверяясь именно актерам. К тому же сценограф Алексей Порай-Кошиц с помощью массивных деревянных раздвижных дверей, атрибута аристократического английского дома, отсек актеров от сценических глубин, выдвинул их на авансцену так, что кроме «крупного плана» ничего и не осталось. Здесь ведут свои то научные, то весьма рискованные диалоги юная Томасина (Анастасия Шеина) и ее учитель Септимус Ходж (Данил Лавренов). Тут порхает шумная и экзальтированная леди Крум (Лариса Богословская). Пишет свои вирши и ревнует поэт Эзра Чейтер (Владимир Ершов), топочет громогласный капитан Брайс (Владимир Яворский).

Двери сходятся и расходятся, впуская на сцену век ХХ. Все тот же дом, все та же мебель, разве что современный ноутбук мог бы внести некий диссонанс, но не вносит. Слегка меняется стиль речи, но суть все та же. Разница лишь в том, что современники великого Байрона (о котором только и столько говорится) сами становятся предметом исследований современников Стоппарда. Среди них писательница Ханна Джарвис (Вера Бабичева), профессор Бернард Солоуэй (Дмитрий Цурский) и прочие, точно так же смешивающие любовь и науку, откуда сами собой рождаются зерна истины. Впрочем, визуально смешиваются и эти две эпохи: персонажи, не видя друг друга, порой оказываются рядом, едва ли не берясь за руки.

Но так было во всех виденных «Аркадиях». К чести Сергея Голомазова, он пытался удержать баланс между высокими длиннотами монологов и житейской историей на должном уровне. Впрочем, артисты более тяготели к вещам привычно бытовым. Так, Ершов — Чейтер и Яворский — Брайс порой погружались в какую-то комическую стихию мольеровского толка. И Богословская — леди Крум с излишним энтузиазмом изображала зрелую, но экзальтированную «институтку». Куда живее вышла Ханна Джарвис у Веры Бабичевой, сумевшей сыграть и ученую даму, и просто женщину с не очень ладной судьбой. Что же касается явных актерских удач, то их можно записать на счет молодых Данила Лавренова — Ходжа и Анастасии Шеиной — Томасины. Первый умел жить на сцене между слов, в паузах и зонах молчания. Вторая виртуозно представляла тринадцатилетнюю девочку, со знанием дела и юношеским темпераментом.

Впрочем, для театральных гурманов, наверное, не меньшим удовольствием стало бы домашнее уединение с пьесой Стоппарда. Ведь она пока так и осталась сценической загадкой, ребусом, который на Малой Бронной попытались разгадать, но так до конца и не смогли. Но иногда и попытка бывает ценнее результата. Стоппард же, вероятно, не прочь будет воспринять и театральный диалог с самим собой, а не только дань почтительного уважения.

 

Ирина Алпатова

Газета "Культура"

[ свернуть ]


На Бронной устроили теплообмен

9 декабря 2015
Самую первую премьеру нового театрального сезона сыграли на Малой Бронной. В минувший уик-энд здесь усилиями профессионалов и студентов пытались разобраться в законах термодинамики, высшей математики и премудростях любви. Именно с интеллектуальной пьесы Стоппарда «Ар... [ развернуть ]

Самую первую премьеру нового театрального сезона сыграли на Малой Бронной. В минувший уик-энд здесь усилиями профессионалов и студентов пытались разобраться в законах термодинамики, высшей математики и премудростях любви. Именно с интеллектуальной пьесы Стоппарда «Аркадия» Бронная амбициозно вышла на старт.

«Аркадия» — уж больно изящная и заковыристая вещица, которой предпослан эпиграф «Наука и не подозревает, чем она обязана любви». Именно на сложных параллельно-перпендикулярных отношениях точных наук с чувственной сферой построил свою знаменитую пьесу драматург острого ума. Режиссер Сергей Голомазов постарался поверить алгеброй дисгармонию человеческих отношений, случившихся в 1809 году и в наше время.

Зеркало сцены перекрыто стеной из стекла с высокими дверями. За ними — темнота. Перед ними — пара: домашний учитель и девчонка-подросток напротив друг друга за столами по разные стороны сцены. Она — нахально-дерзкая, юный гений Томасина. Он - Септимус Ходж, друг Байрона, сноб и денди усилиями художницы Виктории Севрюковой. Их дуэт — как дуэль: малышку интересуют одновременно математика и карнальные объятия (соитие). Учитель снисходительно демонстрирует острый и насмешливый ум поэта, достойный друга лорда Байрона. Дуэль занятно пикантна и хороша по исполнению — молодые артисты Антонина Шеина и Даниил Лавренов строят диалог легко, изящно. Научные изыскания разнообразят человеческие страсти в графстве Каверли — кто-то кому-то без устали изменяет, кто-то кого-то без устали соблазняет.

Простая, но легкая декорация (Алексей Порай-Кошиц) работает как машина времени. Герои открывают высокие стеклянные двери, запуская на авансцену героев уже из ХХ века. А те, в свою очередь, с дотошностью Скотленд-Ярда копаются в прошлом тех, кто скрылся за дверьми, и ищут вещдоки своих историко-филологических теорий: что делал Байрон в графстве, с кем, когда и каким образом это отразилось на его творчестве. Таким образом режиссер с артистами протянул через трехчасовое действие идею теплообмена энергии людей разных эпох. Попытка носила детективный характер, доведенный до страсти и точки кипения писательницей Ханой (Вера Бабичева) и профессором Бернардом Солоуэй (Дмитрий Цурский). Артисты с такой яростью присваивали себе чужой конфликт, что во втором акте действие потеряло прежнюю легкость. Впрочем, этой паре можно только посочувствовать: в общем хоре им оставлены самые длинные и перегруженные именами, датами, фактами и прочей информацией партии. От этого псевдонаучного перебора временами терялась суть происходящего. Интересная музыка Елены Паршиковой и Ивана Макаревича (последний еще сыграл и небольшую роль) адекватно отражала характер постановки, но использовалась весьма грубо.

Тем не менее для Бронной с репутацией театра аутсайдера эта постановка, безусловно, является прорывом. И, что немаловажно, — серьезным поводом открыть новое поколение артистов: прежде всего упомянутых выше Шеину с Лавреновым, а также Екатерину Дубакину (Хлоя) в качестве перспективной театральной актрисы, а не только бебешки из популярного сериала.

 

Марина Райкина

МК

[ свернуть ]


Здесь был Байрон

9 декабря 2015
  Одним из первых новый театральный сезон в Москве открыл Театр на Малой Бронной. Главный режиссер театра Сергей Голомазов представил премьеру спектакля по знаменитой пьесе Тома Стоппарда «Аркадия». РОМАН Ъ-ДОЛЖАНСКИЙ сделал все, чтобы начать сезон на оптимистическо... [ развернуть ]

 

Одним из первых новый театральный сезон в Москве открыл Театр на Малой Бронной. Главный режиссер театра Сергей Голомазов представил премьеру спектакля по знаменитой пьесе Тома Стоппарда «Аркадия». РОМАН Ъ-ДОЛЖАНСКИЙ сделал все, чтобы начать сезон на оптимистической ноте.

В решении театра сыграть премьеру именно сейчас есть несомненная отвага — и она достойна некоторой «форы» со стороны рецензента. Смелость уже в том, чтобы отвлечь публику и критиков от летнего отдыха. Но и в том, конечно, чтобы играть буквально через неделю после завершения Чеховского фестиваля — обычным зрителям оно, может, и безразлично, а у зрителей профессиональных еще с губ не ушел вкус спектакля Робера Лепажа, не говоря о прочих героях закончившегося фестиваля.

Но сравнивать «Аркадию» нужно, разумеется, не с фестивальными деликатесами, а с той баландой, которой изо дня в день потчуют зрителя обычные московские театры. Сергею Голомазову не позавидуешь: он принял Театр на Малой Бронной недавно, в состоянии, многими оценивавшемся как безнадежное. На афише какие-то случайные названия, на иных спектаклях в зале народу меньше, чем на сцене, труппа разболтана донельзя и состоит из актеров, которых в разные годы приводили разные режиссеры — кстати, все до единого «съеденные» предыдущим директором.

Включение в афишу «Аркадии» Тома Стоппарда — шаг в высшей степени разумный. Пьеса эта, многими оцениваемая как лучшая английская пьеса прошлого века, наверняка пришла на ум господину Голомазову не случайно. Когда-то он играл в знаменитом спектакле Евгения Арье в Театре Маяковского «Розенкранц и Гильденстерн мертвы». А Стоппард такой, знаете ли, автор, что, раз попав под его обаяние, освободиться от «стоппардомании» невозможно — будь ты хоть гениальным режиссером, хоть посредственным. Что касается именно «Аркадии», то она для репертуарного театра просто подарок: у Стоппарда философская притча и сюжетная комедия так ладно ужились в пределах одного драматургического текста, что трудно было бы посоветовать театру нечто столь же беспроигрышное. Кто пришел просто посмеяться, найдет немало поводов, но и тот, кому подавай интеллектуальные изыски, не уйдет обиженным.

Действие «Аркадии» разворачивается в одной и той же комнате английского загородного поместья, но с интервалом почти в двести лет: в начале позапрошлого века и в конце прошлого. Главные герои старой истории — дочь хозяев имения Томасина и ее учитель Септимус Ходж, новой — современные литературоведы, строящие гипотезы относительно приезда в имение лорда Байрона и последствий этого визита. Для одних героев «Аркадии» Байрон реальный человек, только что вышедший в дверь, для других — объект исследований, догадок и спекуляций. Том Стоппард пишет, конечно, не о Байроне (он и на сцене-то не появляется), а о самом времени, о желании людей объяснить ход вещей, о стремлении посмотреть сквозь время, как вперед, так и назад. Пишет он с лукавством и с юмором, с умом и с грустью.

В достоинствах «Аркадии», как обычно бывает, скрыты и опасности ее сценического воплощения. Если слишком увлечься философией — засушишь историю, пьеса станет скучной, но не сэра Стоппарда в этом надо будет обвинять. Если, напротив, слишком испугаться всяких подтекстов и рассуждений о научных материях — «Аркадия» превратится в салонную комедию, причем так покорно и податливо, что насильник даже не осознает себя преступником. С первым «уклоном» Сергей Голомазов справился без видимых усилий, второму соблазну все-таки поддался, но не настолько, чтобы вынести ему строгий выговор. «Аркадия» — спектакль добросовестный, полноценный. Если и вышел он несколько поверхностным, то не потому, хочется думать, что режиссер пренебрег смыслами, а потому, что попутно должен был решать другие, не менее насущные задачи.

Например, задачу приличного внешнего вида, весьма актуальную для любого нашего театра. Это традиционно слабое место господин Голомазов «прикрыл» — позвал на Бронную опытных профессионалов, додинского сценографа Алексея Порай-Кошица и художника по костюмам Викторию Севрюкову. Что касается труппы, то тут «прикрывать» было сложнее. С двумя приобретениями театр можно поздравить — молодые герои, Томасина и Септимус, сыгранные Антониной Шеиной и Данилом Лавреновым, работают по крайней мере без фальши. У них еще нет тех кондовых актерских повадок, которые нужно бы наждачным камнем сдирать с большинства занятых в «Аркадии». Остается надеяться, что амбиции Сергея Голомазова простираются дальше простого украшения афиши серьезными названиями.

Роман Должанский

Коммерсант


[ свернуть ]


Гастрольный спектакль Московского Театра на Малой Бронной «Тартюф» стал настоящим праздником для рижских зрителей, пришедших в театр «Дайлес».

20 мая 2017
Бессмертная комедия Жан–Батиста Мольера, идущая на театральных подмостках уже 353 года, — вариант беспроигрышный. Но великую пьесу еще проще загубить, чем творение–однодневку. Если не работать в ней филигранно. И Театр на Малой Бронной явил нам это совершенство.Точно... [ развернуть ]

Бессмертная комедия Жан–Батиста Мольера, идущая на театральных подмостках уже 353 года, — вариант беспроигрышный. Но великую пьесу еще проще загубить, чем творение–однодневку. Если не работать в ней филигранно. И Театр на Малой Бронной явил нам это совершенство.

Точное попадание

Режиссерское чутье у Павла Сафонова очень точное и тонкое, поэтому роль Тартюфа он отдал народному артисту России Виктору Сухорукову, на роль отца семейства Оргона пригласил Александра Самойленко, а ключевую роль служанки Дорины отдал Агриппине Стекловой, актрисе Театра «Сатирикон».

Виктор Сухоруков делился с нами на тему того, как начиналась работа:

— Читаем пьесу — умеет же Павел Сафонов кастинг проводить! — и там про Тартюфа все говорят, даже спорят, уже ругаются, конфликтуют, разлад в семье — а я еще на сцену не вышел! И так проходит 45 минут. Открываю свою роль, начинаю читать и спрашиваю: «Разве это не современно? Я еще на сцену не вышел, а меня уже обложили всякими словами, дали клички и прозвища, облепили таким позором и грязью — и как жить после этого?!.»

И такие наши разговоры и помогли и режиссеру, и вместе с ним нам сочинить очень оригинальную историю. Потому что в тот момент, когда мы репетировали эту пьесу, по Москве шло уже пять «Тартюфов». И мы задали вопрос режиссеру: «Зачем наш–то «Тартюф» нужен?». «Не волнуйтесь», — ответил он. В итоге выжил именно наш спектакль.

Уважаемый шкаф

Этот «Тартюф» идет уже пять сезонов при постоянных аншлагах. Оформление спектакля очень лаконичное, но емкое и «говорящее». И потом — так великолепна игра актеров, что декораций не замечаешь.

И все же одним из «играющих» предметов становится старинный шкаф, из которого появляется Тартюф — сначала в образе то ли серой платяной моли, то ли юродивого «калики перехожего», обмотанного какими–то серыми тряпками, в лохмотьях и со странным «шлемом» голове.

А во втором действии, когда отец семейства Оргон отписал ему свой дом, наш герой уже выходит из шкафа почтенным господином, разодетым и лопающимся от своей важности.

Сухоруков признавался, что каждый миллиметр роли, каждое мгновение на сцене выверял тщательнейшим образом и без конца работал и работал… Ужимки и прыжки требуют недюжинных сил, точности, верной драматургии. Каждый жест, мельчайшее движение и выражение лица создают грандиозную картину чудовищного обмана, предчувствие грядущего злодейства.

А чего стоит сцена соблазнения Тартюфом жены хозяина Эльмиры! Актер появляется в чудовищном и очень смешном нижнем «корсете» с разноцветными ленточками, с непропорционально увеличенным гульфиком. И здесь Сухоруков не сваливается в пошлость, тонко балансируя на грани приличий и фола.

В конце Сухоруков «проплывает» где–то за облаками, над сценой в образе короля — фигура в несколько метров высотой в огромном золотисто–желтом платье вершит правосудие, помогая своим подданным. Величие создается актером забавное, как будто наигранное…

О «третьем сословии»

Тартюфу противостоит служанка Дорина — ловкая, тонкая и хитроумная, стоящая на страже спокойной жизни обитателей дома, всей душой болеющая за них. Именно благодаря ее усилиям откроются глаза у Оргона. Агриппина Стеклова везде оказывается вовремя, она создает образ очень сильной личности — Мольер и хотел вывести на арену и показать житейский ум и мудрость «третьего сословия» — в отличие от ее глуповатого хозяина.

— Мольером это противостояние заложено, — говорит Стеклова. — Все персонажи стараются, чтобы это было противостояние. Но с Тартюфом вступать в какой–то контакт опасно. Как нужно действовать, чтобы убедить ослепленного, очарованного, влюбленного в Тартюфа человека? Что надо делать, чтобы его переубедить? Об этом мы думали все вместе.

Свет и цвет

Оргон — тоже удача спектакля. Александр Самойленко ведет роль филигранно, на него досадуешь — ну какой же дурак, слепец! — потом ему сочувствуешь а заканчивает он свою роль не столько прозрением, сколько великим замешательством. И как? И что? И куда он теперь? Как он будет жить дальше? Это находка актера.

Весь актерский ансамбль играет самозабвенно — дети Оргона, Оскар и Марианна, ее жених Валер, хоть и проявляют несвойственную современного поколения покорность воле родителей, но и бунтуют тоже — в этом они очень современны.

Великолепны костюмы, которые создала художница Евгения Панфилова — они соответствуют эпохе, со всеми кринолинами и нижними корсетами, но они же у нее и играют. В начале костюмы черные и серые, но постепенно становятся светлее, и вот уже Марианна надевает ослепительное подвенечное платье с фатой.

Сценограф Николай Симонов играет со светом — в начале спектакля мы видим маленькие лампочки, а в конце над сценой опускается гигантская «лампочка Ильича» — как символ прозрения: пелена спала с глаз и картина мира предстала в истинном свете.

Когда горит канделябр…

Прочла в одном интервью Сухорукова о том, что он очень ценит коллективную энергию. И спросила у него сейчас — а как с этой постановкой?

— Есть огромное число выражений по поводу театра как организма — и террариум единомышленников, и скопище интриг, и много чего. Особено в гостеатрах, структурах казенных. Вы не поверите — к вам привезли уникальный случай содружества, соратничества, союзничества. Слово «команда» тут даже не отражает сути. Мы все существуем ансамблево. Взаимопонимание, взаимоуважение, симпатия друг к другу. Это же нужно терпеть друг друга — а мы все личности, сильные, темпераментные.

Саша Самойленко сейчас скромно молчит, но знаете, как он ругался с режиссером на репетициях! Но в результате вы увидели на сцене чудо. Мы поистине получили «государственную премию» за этот спектакль в одном слове: «Мы — ансамбль». У нас нет каких–то единственных и неповторимых, горит не одна свеча, а целый канделябр!

А на вопрос, как перекликается спектакль с современной действительностью, Сухоруков ответил:

— Убогость, притворство, лицемерие и жажда власти — это в мировой драматургии всегда присутствовало, и мы всегда будем это играть. Мы ведь спектакль ставим о человеческих заблуждениях. В финале вы видите великое заблуждение человечества — и это может быть не только в России, а где угодно.

Наталья ЛЕБЕДЕВА.

http://www.telegraf.lv/news/effekt-prozreniya

[ свернуть ]


Ирина Иванова

18 мая 2017
Соединение легендарного спектакля с гениальной музыкой Шопена...Талантливейший Дуэт открытой, эмоциональной Юлии и сдержанного, по-мужски оттеняющего её Даниила...И если Геля порывиста и открыта всем ветрам, то то, что чувствует Виктор мы читаем по выражению его г... [ развернуть ]

Соединение легендарного спектакля с гениальной музыкой Шопена...

Талантливейший Дуэт открытой, эмоциональной Юлии и сдержанного, по-мужски оттеняющего её Даниила...И если Геля порывиста и открыта всем ветрам, то то, что чувствует Виктор мы читаем по выражению его глаз, направленных на любимую...Невозможно было оторвать от них взгляд, пропустить хоть слово...А всё, происшедшее между ними в Варшаве, просто заставляла сглатывать слёзы...от безумной жалости и бессилия перед жизнью...И до сих пор в голове звучит музыка Шопена и старинное польское танго, - а в памяти всплывает Бесподобная Геля - Королева Сцены - так и не простившая Единственному своего Разочарования...Занавес закрывается...

Ирина Иванова

[ свернуть ]


Черникова Таня

18 мая 2017
Не понравилось. До этого была на спектакле 2х актеров "Джонни и Хес", от которого осталась в восторге. На этом спектакле не тронул ни сюжет, ни игра актеров, ни декорации, хотя историю можно было бы обыграть совсем по-другому. И да, сюжет напомнил фильм "ЛаЛаЛэнд", к... [ развернуть ]

Не понравилось. До этого была на спектакле 2х актеров "Джонни и Хес", от которого осталась в восторге. На этом спектакле не тронул ни сюжет, ни игра актеров, ни декорации, хотя историю можно было бы обыграть совсем по-другому. И да, сюжет напомнил фильм "ЛаЛаЛэнд", который произвел также более сильное впечатление. Концовка спектакля также была странной, как будто не продумана до конца. Сострадания к героям не испытала.

Остался неприятный осадок от организационных моментов: в течение часа после начала спектакля люди беспардонно толпами входили в зал и занимали места, при этом контролер, который, казалось бы, должен был следить за порядком, громким голосом просил людей подвинуться, чтобы опоздавшие гости могли рассесться. БЕЗОБРАЗИЕ! В результате некоторые диалоги можно было и не услышать с дальних рядов.

Черникова Таня

[ свернуть ]


Дарья (г. Таллинн, Эстония)

13 мая 2017
Спасибо за спектакль! Игра актеров на высоте. Музыка и оформление сцены гармонично вплетены в сюжет.

Спасибо за спектакль! Игра актеров на высоте. Музыка и оформление сцены гармонично вплетены в сюжет.

Дарья (г. Таллинн, Эстония)

[ свернуть ]


Елена

12 мая 2017
Огромное спасибо за сегодняшний спектакль в Таллинне! Абсолютный восторг! Великолепная игра всех актёров! Давно не получали такого количества положительных эмоций за один вечер. СПАСИБО!!!

Огромное спасибо за сегодняшний спектакль в Таллинне! Абсолютный восторг! Великолепная игра всех актёров! Давно не получали такого количества положительных эмоций за один вечер. СПАСИБО!!!

Елена

[ свернуть ]


Нина Соколова

12 мая 2017
Прекрасный спектакль! Немного боялась разочарования, так как это одна из самых любимых моих пьес - читанная-перечитанная в разных переводах, выученная почти наизусть, да и спектаклей видела много. Всегда есть вероятность, что понимание образов режиссером и актерами н... [ развернуть ]

Прекрасный спектакль! Немного боялась разочарования, так как это одна из самых любимых моих пьес - читанная-перечитанная в разных переводах, выученная почти наизусть, да и спектаклей видела много. Всегда есть вероятность, что понимание образов режиссером и актерами не совпадут с твоим, что акценты будут расставлены не так, что действие не захватит, а будешь взирать на него отстраненно. Но нет! В этом спектакле все исключительно гармонично: игра актеров, декорации и костюмы, музыка - ничего лишнего, все в стиле, с необходимой долей юмора и иронии. Конечно, особенно хочется поблагодарить за отличную игру Григория Антипенко: уже через минуту после его выхода на сцену забываешь, что это он, хорошо знакомый тебе актер по фильмам и другим спектаклям. Ты видишь Сирано и только Сирано. И он именно такой, каким бы я хотела его видеть. Очень убедительно, очень живо и искренне сыграна эта роль.

Огромная благодарность и Ольге Ломоносовой, и абсолютно всем, кто принимал участие в спектакле - очень профессиональный и слаженный ансамбль актеров. В таких спектаклях, на мой взгляд, крайне важно хорошо слышать текст - здесь он звучал четко и громко. После спектакля осталось чувство щемящей радости и глубокой благодарности ко всем, кто участвовал в его создании.

Апрель 2017 г.

Нина Соколова

[ свернуть ]


Светлана

12 мая 2017
Благодарю,за приезд в Таллинн! Да, не театр....а концертный зал. Но не смотря на это,все прошло великолепно. Какие эмоции!!! Два человека не смогли быть вместе,но и порознь не вышло. Юлия, вы отдаете себя целиком зрителю. Мы сидели в первом ряду и не раз видела как ... [ развернуть ]

Благодарю,за приезд в Таллинн! Да, не театр....а концертный зал. Но не смотря на это,все прошло великолепно. Какие эмоции!!! Два человека не смогли быть вместе,но и порознь не вышло. Юлия, вы отдаете себя целиком зрителю. Мы сидели в первом ряду и не раз видела как у Юлии мгновенно текли слезы.Даниил очаровал непринужденностью перешедшую в покорность перед судьбой. Браво! Спасибо всем,кто работал над постановкой! Будем вас ждать с гастролями!

Светлана

[ свернуть ]


Российский актер театра и кино Даниил Страхов в программе "ВСТРЕТИЛИСЬ, ПОГОВОРИЛИ"

11 мая 2017
Для того, чтобы посмотреть выпуск программы "Встретились, поговорили" с участием Даниила Страхова, пройдите по ссылке, указанной ниже: http://www.mixnews.lv/mixtv/programmi/7989

Для того, чтобы посмотреть выпуск программы "Встретились, поговорили" с участием Даниила Страхова, пройдите по ссылке, указанной ниже:

http://www.mixnews.lv/mixtv/programmi/7989

[ свернуть ]


Пешкова Ксения

19 апреля 2017
Спектакль (смотрели 31.03.2017) очень понравился! Уважаемые Зрители, если Вы хотите услышать слово в слово реплики гоголевских персонажей в классических декорациях и увидеть унтер-офицерскую жену на сцене, то, пожалуйста, можете не тратить свои нервы и время. Декорац... [ развернуть ]

Спектакль (смотрели 31.03.2017) очень понравился! Уважаемые Зрители, если Вы хотите услышать слово в слово реплики гоголевских персонажей в классических декорациях и увидеть унтер-офицерскую жену на сцене, то, пожалуйста, можете не тратить свои нервы и время. Декорации не уездного салона, костюмы не 19ого века, известные со школы действия пьесы - в режиссерской интерпретации. Да взять хоть одномоментное появление на сцене Осипа и Хлестакова. Хотя этот прием скорее удивил, поскольку на тот момент зритель еще присматривается, прислушивается и только-только начинает привыкать к мысли о новизне. Впрочем, на мой взгляд, все это ничуть не умалило достоинств пьесы. Есть проблема, смело для своего времени озвученная Гоголем, и есть настоящий момент, его реалии, мелкими штрихами, деталями, интонациями, жестами, вкрапленные режиссером в пьесу и отыгранные актерами. Браво! Именно так и понимаешь, что это классика, потому что внешнее оформление сути ближе к нашему времени, а сюжет-то остался злободневным и приобрел настоящее звучание здесь и сейчас. Хлестаков - инфантильный ребенок, прожигающий жизнь на деньги папеньки, мамаша и дочка - потребители гламура, купцы - это современные бизнесмены, частично бандитского толка, которых кошмарит власть, и т.д. Замечательная режиссерская работа в этом смысле. Большое спасибо! Я прохихикала весь спектакль, где-то вспоминала, какие реплики должны быть произнесены и смешно было их представлять в новом контексте. Каких-то сцен и слов не было и от этого спектакль нисколько не потерял. Несомненно, это осовремененный вариант «Ревизора». Нет, не так: современный вариант "Ревизора".

Пешкова Ксения

[ свернуть ]


Ольга Счастливая

17 апреля 2017
Спасибо за незабываемый вечер. Мы остались в восторге от актрисы второго плана Агриппины Стекловой, она затмила даже главных героев в первом акте. Во втором акте блистал Сухоруков. Александр Самойленко тоже очень гармонично смотрелся в своей роли. Мы получили настоящ... [ развернуть ]

Спасибо за незабываемый вечер. Мы остались в восторге от актрисы второго плана Агриппины Стекловой, она затмила даже главных героев в первом акте. Во втором акте блистал Сухоруков. Александр Самойленко тоже очень гармонично смотрелся в своей роли. Мы получили настоящее наслаждение, следя за игрой, смеясь от души и переживая за героев.

Ольга Счастливая

[ свернуть ]


Пропажин Сергей Николаевич

21 марта 2017
Был на "Аркадии" 19.03.2017.Во-первых, такой Веры Бабичевой я еще не видел!Хочется выразить ей особую благодарность!За удивительные глаза! За взгляд! За искренность и честность с самой собой и со зрителем! Такая не простая роль и так легко ей удаётся преподнести е... [ развернуть ]

Был на "Аркадии" 19.03.2017.Во-первых, такой Веры Бабичевой я еще не видел!Хочется выразить ей особую благодарность!За удивительные глаза! За взгляд! За искренность и честность с самой собой и со зрителем! Такая не простая роль и так легко ей удаётся преподнести ее зрителю,раскрывая свое сердце и заставляя его не отрывать от неё взгляд,даже когда на сцене рядом с ней другие исполнители всех возрастов!Вера Ивановна невероятно манкая ! И обворожительная! А когда к финалу она вышла в красном платье...мы с женой в один голос ахнули: "Нет,это богиня!" Спасибо за прекрасное театральное впечатление! ! ! За чудо театра! Что касается самого спектакля..Я оказался не совсем готов к такой теме,поэтому не совсем всё понял..Ибо бывают спектакли не для всех..Спектакли умные!Я бы сказал "грамотные".На которые нужно приходить хотя бы немного в теме...А поскольку Байрон ,увы, пока почему-то проходил мимо меня,то и мои попытки уловить какие-то вещи в спектакле,не всегда удавались мне,что раздражало меня! А значит и тут победа!Уходя из зала,мне захотелось пойти в библиотеку и открыть Байрона и о Байроне!!!И перечитать, и прийти еще раз с другим глазом! Есть вещи,которые вдохновляют!Этот спектакль и ,конкретно,роль Бабичевой-из этой серии. Когда ты выходишь из зала с желанием любить,познавать,верить мечтам и жадно жить-значит спектакль прошел не зря! Вообщем,"секс и литература,литература и секс",цитируя героиню спектакля)))))Еще раз спасибо создателям спектакля!!!Такой театр нужен и необходим!Он заставляет нас тянуться вверх и становиться лучше!Желаю процветания театру и очередных побед и сюрпризов для зрителя!

Пропажин Сергей Николаевич

[ свернуть ]